從復制開始
中國傳統繪畫，經過漫長的歷史融化，形成了獨特的表達程序。是古往今來無數畫家，模仿自然，融合自己的審美理想和興趣而作出的。這是中華民族特有的，因此具有鮮明而強烈的民族色彩。所謂程序，就是壹種提煉總結形成的表達風格。比如線描中的高古遊四妙、釘頭鼠尾畫、鐵線描等，都是畫家長期苦心觀察思考形成的壹些表現手段，或者受到其他物體的啟發，是基於客觀物體的主觀創造。它有自己的審美價值，並不因時間和空間的關系而獨立存在。方便人們應用這些程序進行藝術再創作，由於人與人之間在性格、興趣、修養等方面存在差異，所以在應用上也有很多不同。還有的不滿足於現成的節目，去改變，去創造，於是就有了各種新的表達節目。如果能經得起歷史的檢驗，被人們所證實，那麽舊的程序就會被取代，成為歷史的遺跡(比如《人物十八般描寫》中的很多描寫現在就不適合轉移)，新的程序將來就會被人們所接受或改變。所以節目不是壹成不變的，國畫是交替發展的。符合人們審美觀點和審美標準變化發展的客觀規律。
我們講繪畫的風格化表達，就是要表達某種繪畫材料，應該是這樣畫的，而不是那樣畫的。這是前人提供的寶貴繪畫經驗，是藝術的結晶，給我們學習繪畫帶來借鑒。有參照物和無參照物的藝術作品是有雅俗之分的。所以，學習掌握傳統繪畫的表現程序，就成了進入中國畫大門的“敲門磚”。對於壹個致力於中國畫事業的初學者來說，有效的捷徑就是從臨摹開始。
在選擇文案模板時，直接對照有條件的原作比較理想，但也可以使用沒有條件的復制品或印刷品。要選擇藝術水平高、有臨摹價值的古今作品，學習掌握傳統筆墨技藝，體察古人今人的用心。但是，我們不能對抄襲采取務實的態度。壹般從臨摹到掌握和應用是有壹定距離的，沒有現成的應用。任何表現手法都適合其內容。必然會用壹定的描繪當時情景的手法來描繪此時的情景，用適合表現古代服裝的線描來描繪現代服裝。那麽為什麽要臨摹古代大師的作品呢？第壹，為了理解和掌握傳統線描程序之美；二是借鑒古人高度概括的藝術手法，從而啟發和指導自己的藝術實踐；三是培養熱愛祖國豐富優秀藝術遺產的思想感情。
面對壹個文案模板，先看圖。分析模板的技術特點，是屬於蒼勁有力的方式，還是圓勁有力的方式，找出其筆墨規律，然後研究模板的布局和程序因素，做到心中有數，閉目養神。妳在作畫的時候，不能壹眼就畫出壹筆，因為水墨寫意的筆法是連貫的，雖然筆畫有斷有連，而且每壹筆都和臨本壹致，必然相似，忽略了臨本作者如何設法流於情緒，表達同爐趣味的精神。我們可以期待，甚至達到迷茫的地步，但這不是我們臨摹和學習的目的。通過臨摹掌握壹定的筆墨技法，不是光靠期待就能解決的。關鍵是進入我的境界，成為我自己的東西。古人的學術精神值得今天學習。每次看到名著，面對不了，就要背下來，壹篇壹篇的臨摹，直到覺得有所收獲。只有經過深思熟慮，我還是做自己比較好，才能收到臨摹應有的效果。
由於中國古代人物畫自元代開始衰落，目前留給我們臨摹和學習的痕跡太少了。現代水墨人物畫技法需要借鑒山水、花鳥畫技法。業余繪畫學習者，如果選擇臨畫，不妨寬壹點。臨摹基礎越紮實越好，便於對筆墨的把握。素描人物和工筆畫人物壹直是寫意人物入門的必修基礎課，不容忽視。必須安排壹定數量的抄寫作業。只要有可能，就多涉足博物館和展覽，通過反復的分析比較把自己放進去，體會學習繪畫的道理，體會自己該學什麽，不該學什麽。在學習吸收期間，不要按照個人的好惡去看待所有的藝術作品，要努力從每壹件藝術作品中獲得靈感，學到東西。
認真解決建模問題
要學好人物畫，臨摹只是學習過程中重要的壹環，如何解決人物造型的問題才是學習道路上最難的壹步。我們在提倡寫實的藝術創作方法時，需要紮實的造型基礎，有必要打下壹定的寫實基礎。現實主義絕不能被曲解為見白畫白，見黑畫黑，不需要任何藝術處理的自然主義。中國的繪畫壹直是沿著寫實的道路發展的，文人畫的興起增加了表現主義，但依然是寫實的基礎。傳統繪畫主張用誇張變形來增強藝術的感染力，而不是以扭曲誇張為目的，所以能被國人接受。但是過早的追求造型上的誇張變形是片面的，想要攀登藝術高峰就有內功不足的恐懼！所以，在我壹生的藝術生涯中，壹開始都是用短短的幾年時間，放棄野心，急功近利，打好基礎，為了搭建自己的藝術金字塔。
如何提高人物造型能力？筆者的經驗是，建模需要有壹個嚴格的基礎訓練過程。壹般都說要學點素描。幾年前美術教育界有壹場關於學中國人物畫要不要學素描的爭論。但是我不能同意。不主張學者認為“先入為主”不利於掌握民族傳統；主張學者認為西方素描訓練方法系統科學，便於快速提高造型能力。我們先不要決定這兩種觀點哪個是對的，哪個是錯的。但筆者認為，學習效果的好壞，方法固然重要，但主要取決於個人的理解吸收能力、學習態度、反思能力等主觀因素。雖然學習壹些西洋畫可能會給學習中國畫帶來壹些負面影響，但是可以學習科學的觀察方法，解剖透視知識，以及正確把握造型的方法。根據這些學會素描，妳就會有明確的目的。
素描是指單色繪畫，用不同的工具可以用不同的方式表現。目前常用的以線描為主，明暗為輔，以形體結構分析研究為重點的素描法作為學習中國畫人物造型的基礎訓練，是壹種可以與專業相結合的有效訓練方法。用線條概括造型比用明暗面塑造物體的方法要難得多。
筆者認為，先學習壹個像樣的光影素描，掌握壹些像樣的造型技巧，再逐步過渡到線條造型，有助於以後更成熟地吸收旁系藝術營養，思路開闊，視野開闊。
同時，保持素描練習對於學習國畫人物尤為重要。經常畫畫、寫生，不僅可以培養敏銳的觀察能力，還可以提高運用線條的藝術概括能力。素描也生出靈感和感受，以及主觀感受的表達，增加了很多鍛煉機會。在藝術界，可以發現壹個素描能力強的人，其造型能力壹定不會弱。現在有些藝術家經常用相機收集創作素材，這當然無可厚非。但是對於壹個造型能力還比較弱的畫家來說，他並不會得到素描帶來的好處，如何快速有效的提升自己的造型能力呢？希望初學者嚴格，養成隨時隨地經常畫畫、寫生的好習慣。
無論是素描還是速寫，如果說長時間面對模特素描有什麽壞處的話，無非就是繪畫的可靠性。如果妳畫的是平時熟悉的東西，妳就要勾畫場景，妳不相信記憶中的形象。根據寫意畫的特點，要求必須先觀察、了解被畫對象，記住其組織結構，才能壹氣呵成，畫家的思想認識和筆墨技巧才能得到充分、流暢的發揮。如果只能面對模特寫生，註意力會被壹些表現現象困擾和分散。從而影響技能的發揮。對此，我們壹直提倡聽寫練習，提高形象記憶的能力。素描時，遇到動作變化頻繁，不允許看著畫壹筆。妳必須從記憶中畫出來，只有通過刻苦的記憶和練習，才能逐漸捕捉到稍縱即逝的畫面或動作。壹次聽寫不正確，然後反復觀察對比，如此來回多次，印象深刻。如果我掌握了形象的結構、透視、動態規律，我會更有把握，所以在創作中遇到的困難會更少。最終達到寫意的目的(就是不用打草稿，就像寫意花鳥畫壹樣)。
學習的效果和進步的速度往往取決於學習的方法和學習的方式。說到聽寫的重要性，我全身心投入到聽寫中，記憶力得到了加強。但是，我不知道，久而久之，畫出來的形象很可能也患上了同樣的幹澀和深邃。因此，我們應該同樣重視現場素描深度描寫的實踐。確實有壹些年輕人創作能力很強，造型功底很好，但是不會畫素描，或者會畫小圖但不會畫大圖，說明他們的技能容量並不大。論學畫，當然不能為了滿足感，讓它影響到以後上壹層樓。總之，我們努力達到的目標是明確的:造型生動準確，不僅具備較強的素描能力，還具備記憶和自由造型的能力，從而調整和安排學習過程，給自己定下高標準，處理好慢寫和素描、速寫和默寫的關系。
關於使用鋼筆和墨水
用筆學國畫，首先要學會用筆。比較了中西繪畫線條的本質區別，加深了我們對用筆作畫的認識，有助於探索中國古今用筆作畫的方法。“書畫同源”的理論為我們提供了有益的啟示，從開闔、氣勢脈絡、收放轉折、隱露、起伏等幾個方面體會到了繪畫用筆的要領。比如壹幅畫，如果尖直，就不符合用筆的審美要求；到處收筆，藏筆藏筆正面，畫滿蚯蚓，壹點都不好玩。所謂“收”和“藏”，說明用筆也必須符合對立統壹的客觀發展規律。筆觸在紙上運行，可輕可重，可厚可薄，可豎可橫，可右可側，可反轉...多變，顯示的手寫列表變化多端，不可預測。但不能離開“骨本筆”，這是非國畫筆(線)的本質區別。綜上所述，國畫的線條造型要根據特定的審美要求，遵循用筆本身的規律，方圓，而且筆法要有壹定的度，我們稱之為“筆法”。但“筆法”的趣味，又可分為雅與甜。壹直是繪畫理論家和畫家關註的藝術發展方向和路徑。現在學習國畫，提高自己的眼力，辨別什麽筆法值得模仿是非常重要的。因為這關系到畫的壹筆能否正確的問題。壹旦養成習慣，就像進了壹個“庸俗的山洞”，難以自拔。要練好壹手筆法，從壹開始就要認真註意落筆時如何頓挫，操作時如何保持用力均勻牢固，在轉折處如何彎成鐵字狀，如何控制前後。最起碼臨摹和寫生要經常用這些筆，嚴格自覺地用筆練習。壹開始不妨慢慢動筆，註意自己的心思，不急不躁。同時要保持正確的書寫姿勢，坐直、立直，放松肩、肘、腕、指，使力順利傳遞到筆端。在運筆過程中，要隨時補充局部關節的轉動，使筆法生動多變。如果壹個關節緊張，會分散壹部分力量。壹般初學者要麽手腕僵硬，要麽手臂僵硬，誤以為自己在發力，結果正好相反，用筆無力，抓不住要領。萬事開頭難，嚴格用筆方法久而久之就會成為下意識的舉動。無論用筆快慢，無論是點、線、塊，都能滿足用筆功力的要求。各種筆觸都有不同的味道，所以選擇和找到適合自己脾胃的筆觸往往是影響自己畫風的重要因素。比如筆法瀟灑活潑，頓挫批判性強，兩者畫風差異顯著。用側筆或逆筆作畫，味道也大不相同。但這並不意味著壹幅畫只允許壹種筆法，圓筆和中心筆不能和邊筆壹起用。其實只用壹種筆法作畫，色調變化較小。總的來說，符合對比與變化和諧統壹的形式規律，無論用筆正、反、拖、橫，都不應受框框的束縛。下面是以下幾種筆觸，請比較壹下各自的風格:(1)中心筆——筆尖在中心，筆根在先，豐富、硬朗、有趣；(2)側前筆——筆尖在左邊，筆根在右邊，筆桿向右，反之亦然；或者筆尖從筆底開始，從左到右或從右到左，有壹種寬松飄逸的味道；(3)倒筆——筆尖在筆桿前向後傾斜，向筆尖方向運行，表示簡單、陳舊；(4)沿前——鋼筆橫放，沿鋼筆方向水平擦拭或拖動，有清脆、活潑、工整的感覺。此外，筆觸的輕重可以為各種筆法增添更多的感情色彩。比如有的畫家用沙沙的聲音作畫，沈迷於野性的逃避，畫風看似無拘無束；還有的感覺很平靜，慢慢寫，不著急，不跳筆，文筆有壹種樸實內斂的意味。因為發現用筆直接關系到對客觀物象的再加工，與物我交融的主觀感受的表達，以及自身的審美價值，所以在中國畫中，對用筆的關註和研究的深度是古今所有繪畫中絕無僅有的。前人的經驗告訴我們，只有寫作熟練了，才能流暢得心應手。但是太熟的話會傾向於油，容易流成浮華。比如原來的中心筆，壹旦熟練，必然趨向於快，筆速快，筆尖接觸紙面的時間少，單位面積的時間少，所以壓力小，筆力難以穿透，線條因為無法凝固而顯得流暢。這樣滑溜溜的線條給人壹種輕薄的感覺，不符合國畫用筆的審美要求。為了避免熟練用筆後容易出現的弊端，我們總是從用筆習慣的相反方向考慮調整和補充。如果線條太快，線條油膩，就要收斂，線條要慢壹些，以增加線條的簡潔。繪畫理論也告誡我們，用筆熟練不是目的，更是“成熟”。活著的人，從現代的角度來看，想改變，滿足不了老套路。但壹味地尋求“生活”也可能走向反面，以“生活”為生必然會矯揉造作，缺乏真實自然的美！用筆因人而異，每個人都有自己獨特的筆法。在此期間，它可能成為鮮明的藝術風格的有機組成部分，也可能成為壹種壞習慣。究其原因，在於缺乏較高的文化藝術修養，經驗知識有限，缺乏壹定的藝術鑒賞能力。在前人筆法的學習中，追求表面的象似性，不顧對象，不按需要，機械地，久而不能自廢，必然難以擺脫。畫畫的時候，每次寫字都表現出習慣，所以要提高警惕，盡量突破。所以，筆法功底能否分辨出什麽是習慣，會直接影響到畫風的雅俗。用墨不準，濃淡變化不當，不是平淡就是絢麗。用好墨，適當變換色調，會使墨生動、明亮、有趣。前人說繪畫“傳神”不是沒有道理，以筆墨為主要衡量標準往往也是沒有道理的。當然，壹幅畫是否達到“傳神神韻”，還包括畫的內在精神的刻畫，作者情感的傳遞，用筆能否恰當地再現主客體的和諧。這些最終都是通過墨色的變化來體現的。中國畫用筆墨描繪物體，是率先掌握人類心理活動特點的結果。它不需要復制映入我們眼簾的紅綠綠的外部世界，而是通過墨色的變化和線條的刻畫，喚起人們對過往經歷的回憶。歷代畫家對用墨問題進行了細致的研究，把“五色墨”總結為壹個用墨問題並進行細致的研究，把“五色墨”總結為用墨的指導原則。當壹幅畫有了濃淡、幹澀、濕焦等墨色變化，達到了和諧統壹，在用墨上才算完美。所謂“墨韻”在其間。我們理解的“墨分五色”並不是指墨色變化均勻地出現在屏幕上。妳必須保證畫面中某種油墨顏色的優越性。比如以濕墨為主，偶爾配以適當的幹墨會顯得統壹明快。用墨和用筆壹樣，千變萬化，關鍵是要掌握好墨色的對比。墨厚無光，或光無厚，無對比，墨色平淡；如果有濕墨而沒有幹墨，墨色就活不了...掌握對比的比例，要避免半斤八兩的近距離對比。如何把握對比的主次因素，以及由此產生的整體效果和節奏感，不僅初學者，畫家也需要不斷學習和探索。繪畫的各種藝術效果不是簡單掌握要領就能輕易獲得的。熟能生巧，大量的練習可以讓它變得完美，而練習是基礎。古人有“惜墨如金”的比喻，意思是用墨要有分寸，不能濫用。要恰到好處，只有優秀熟練的技能才能做到這壹點。有些老畫家，壹幅畫畫完了，水缸裏的水還是清澈的。對於初學者來說，在原紙上作畫最難把握的是水分。用筆蘸墨水，先在廢紙上試壹試，是很有必要的。但是畫成這樣，畢竟有壹種恐懼，怕控制不住水而萎縮。對於壹個水墨畫家來說，最忌諱的就是用墨，濃則濃，淡則淡，界限分明，變化生硬，不太自然。壹個說起來簡單做起來不容易的經驗是:善於即興發揮，濕了就濕，幹了就幹。當鋼筆的墨水飽和後，妳就不用擔心開始寫字時墨水是如何滲透的了。妳只要壹直畫到它幹了，自然很奇妙。在設計壹幅畫的墨色分布時，壹定要註意統壹調整的優勢，比如大面積墨塊對小面積墨塊，大濕墨塊對小幹墨塊等等。構圖簡單、筆畫少的畫，要用帶點濃淡的筆法，否則，每壹筆豐富的藝術趣味都表現不出來。讀者可以參考圖例中幾種墨水的不同效果，並註意結合實踐積累自己的用墨經驗。