文藝復興時期的聖母形象，無論是從聖母的原型，還是從成分和表現內容來看，都越來越趨於生活化，突出了濃厚的人文色彩。
藝術作品是直觀的。通過對這些麥當娜作品的分析，我們可以更清晰地看到那個時代發生的思想變化。
大多數早期的聖母瑪利亞雕像都遵循壹種模式。
在形象上，人物的姿勢、面部表情、著裝等等基本都是固定的。當時聖母像的繪畫並不是以“實物”為基礎，畫面意象的元素其實是壹種“想象的符號”。這些元素具有宗教象征意義，但缺乏感染力。
在繪畫上，早期的聖母像以“平畫”為主。這壹方面是因為繪畫技巧還不成熟。當時還沒有油畫的畫法，無法“堆著畫”，反復修改。所以在人物的表現力上沒有很強的光影效果，只是在平面繪畫的基礎上加了壹點明暗處理，使得畫面形象的面部結構和服裝線條顯得凹凸有致，缺乏立體感。基本上是用線條勾勒出來的平面，色彩很簡單，主要象征神聖的黃金，所以表現力不強。另壹方面，也受到當時觀念的限制，因為只有這樣才能產生“莊嚴”的效果。
總的來說，早期的麥當娜盡量淡化世俗情懷，形象的表達嚴肅而不可接近。這壹特點在表達聖母與聖子的關系時尤為突出。畫面中的這兩個形象只是“構圖上在壹起”，兩者之間缺乏壹種“情感上的呼應”。
這樣畫出來的聖母像有嚴重的“程式化痕跡”。因為格局固定，各種麥當娜作品也缺乏個性，看起來很不壹樣。所以當時畫聖母像的畫家，大多等同於工匠。