西方現代藝術可以看作是壹座建築。由各種視覺風格組成，建造這個建築的原則是科學合理。這是西方幾百年的思想文化核心，也是我們這裏所缺乏的。西方人憑借這些在技術和社會管理方面取得了突飛猛進的進步；然而，它也帶來了局限性，這是生命活力的壹部分。比如大自然的吸引，對男人女人都是不可或缺的。如果只從職位、收入、家庭地位的角度考慮和計算，我們會有壹個理性的態度，但是感情會受到影響。所以，凡是涉及到人類情感和精神的地方，都不能只聽科學。
現代藝術的創作離不開科學思想，結構主義與立體主義，工業技術思想與未來主義，de stijl，機械制造形式與達達主義的機械素描繪畫，弗洛伊德的釋夢理論與超現實主義，以及理性手段的非理性抽象表現主義等。，這壹切都是科學和藝術共同努力的結果，人們把藝術創作當作壹種常規的創作過程，讓藝術家畫出圖紙，工廠據此生產。當時很多藝術家從事各種工業和材料實驗，發明新的合成材料，使用機械裝置成為作品的動力系統，聲光電磁成為新的藝術資源。以下藝術活動可以說明當時的情況:
(1) OPArt是基於光學知識的心理學實驗藝術。創作者通過精確校正的顏色和幾何圖形創造出動態的光線和色彩效果，代表藝術家有Bridgei Riley和Vasa-relev。
(2)很少藝術(ninlallsn 1)的特點是藝術作品的工業化生產和對數學準確性的追求。代表人物是唐納德·賈德，他的作品通常是同壹單元的重復。
(3)“動能藝術”，很多代表人物，如瑞士人讓·蒂蒂安(Jean Tit-ian)，做了壹個變體畫機，為第壹屆巴黎雙年展做了壹個“有香有聲的變體車”；Len Iye用微妙的平衡做出了動人的雕塑等等。
(4)光雕塑(Lighi Ari)是雕塑的另壹個發展方向，其形式類似於霓虹燈廣告。代表人物是青年藝術家丹·弗萊文。
(5)1966年，紐約軍械庫舉辦了“藝術與工程”實驗展，展出了許多用高科技手段設計的藝術作品，並由此促進了藝術家與科技工作者的密切合作。隨後，成立了‘藝術與技術實驗’組織，參與者達3000人。
還有更多類似的活動，在世界各地頻繁出現，形成壹種潮流。比如紐約現代藝術博物館有“機械”的展覽，惠特尼藝術博物館有“光”的展覽，倫敦有“機械的力量”的展覽，洛杉磯有“工業”的展覽。科學技術的力量已經從中介藝術發展到主導藝術，西方現代藝術在借助科學力量創造新成就的同時，也把自己送上了不歸路。
以下藝術家是1960s藝術與工業結合的代表:
(1) Barnetr-man是壹位抽象的彩色表面畫家，他以幾乎重復的方式制作了壹個單壹的色塊。
(2)大衛·西蒂斯(1906 ~ 65)，金屬雕塑家，早年在壹家軍用坦克廠做焊工，後來發展出壹種鋼鐵雕塑，為觀眾提供了其機械性的品質，沒有實用功能。
(3)畫家Franckenthaler (1928-)，他將行為藝術與色彩抽象相結合，重新利用抽象表現主義資源，將藝術變成了壹些物理信息的表達。(4)黑條紋畫家李塔拉(Frank:tLixlla，1936-)用銅和鋁來探索畫布的不同形狀。
二、現代藝術的性質有學者把西方藝術的歷史概括為三個階段，即前現代性、現代……後現代性。在這種分期法中，壹切藝術都是圍繞著“現代性”來確定的，“現代性”成了劃分歷史的坐標。這種分期方法簡單易記，我們不妨好好珍惜。
在壹篇關於日本後現代文化的文章中，居住在美國的日本文學理論家直樹(NaOki SakiIJi)說:“前現代性、現代和後現代的序列隱含著壹個時間序列，我們必須記住，這個序列壹直與現代世界的地緣政治結構相結合。現在眾所周知。這種秩序基本上是19世紀的歷史框架，通過它人們可以了解民族、文化、傳統和種族在這壹體系中的地位。”歷史階段的劃分不是單純的時間上的，而是和空間交織在壹起的。這意味著在同壹時間，不同的地區可能處於不同的文明階段；比如19世紀，中國是封建帝制，西方早已進入資本主義。所以有人說，所有的當代藝術都是當代藝術:這是錯誤的。現在我們國家展上出現的很多藝術作品都不具備當代藝術的特征，甚至不具備現代藝術的特征，這是東西方地域差異的結果。
無論是“前現代性”還是“後現代性”，都有可能在與“現代性”比較後產生見解。搞清楚什麽是“現代性”，是這種比較的前提。我們可以從兩個角度觀察“現代藝術”轉變的原因。
壹個是風格和形式的角度，這是壹個量的概念。理論上，我們可以計算出西方現代主義階段創造的視覺形式和風格的數量，這是很多的，超過以往任何壹個時代數倍，也是中國現有藝術形式和風格的總和無法比擬的。
另壹個是價值觀的角度。所謂價值，就是什麽好什麽不好的標準。價值是壹個非常重要的定性概念。不同的值導致不同的評價結果。比如妳用明清文人的價值觀看今天的中國畫，妳會覺得今天不如以前。
從定量的角度看現代藝術，會發現西方藝術家在短短半個多世紀的時間裏，在很多方面都付出了巨大的努力。全方位探索的精神，實踐了藝術形式(架上藝術)轉化的各種可能性，甚至留給後人探索的空間很小。革命成功了，同誌們也不用辛苦了，後來的藝術家只好另辟蹊徑。
從價值的角度看現代藝術，會發現它基本上屬於精英文化的範疇，能堅守高雅藝術的節操，不屑與庶民為伍。這個概念從本質上來說是歷史上貴族文化的衍生品，但是社會變了，精神貴族失去了世襲領地，不得不去世界上打拼。
具體來說，現代藝術的價值觀表現在以下幾個方面:
(1)追求純粹。現代藝術追求視覺產品的純粹性，在創作中只考慮形式元素，忽略了其他因素，如歷史、宗教、文學的引入，從而推動了抽象藝術的發展，總的來說，追求純粹的精英主義、專家思想有局限性，相當於把地面畫成監獄。
(2)提倡原創，就是把體育比賽的標準運用到藝術上，把藝術創作當成藝術史上破紀錄的比賽，但體育是優勝劣汰，藝術不是這樣，藝術的發展不是進步，而是變化。比如妳不能因為有畢加索就說倫勃朗不好。
(3)重視形式並不是現代藝術特有的習慣，古典藝術也非常註重形式感，但古典藝術的形式服從於內容的表達，或者說形式隱藏在形象的背後，而現代藝術則是為了形式而重視形式，賦予形式獨立的價值和功能。
(4)被稱為自我中心主義。現代藝術家往往關起門來表達自己，不考慮觀眾，往往通過奇怪的行為和奇怪的衣服來表現自己的不同，所以他們的作品非常個性化，難以理解，這有助於藝術評論家獲得解釋這類作品的特權。
(5)整體單調。這意味著在現代藝術流行時期，所有非現代作品，如傳統寫實作品、具有民族和地域特色的作品以及來自不發達國家的作品都被排斥在外，使得全世界的藝術家都使用“跨界語言”，從而造成壹定程度的全球藝術語言貧困。
從以上幾個方面可以理解，自然有反對的力量。
三、後現代藝術的出現反對現代藝術的力量並不是在1960年代出現的。
就在科技的力量席卷壹切，精英和純粹的藝術已經山窮水盡的時候，新的藝術活動出現了。這些活動與當時的潮流大相徑庭，使得西方藝術出現轉機，打開了新局面。以下是當時幾項新的藝術活動:
(1) LandArt (Landart或大地藝術)可以看作是室內安裝作品向室外發展的結果。最早的風格可以追溯到古埃及的金字塔和英國柊司的圓形石柱，美洲廣袤的土地為當代藝術家提供了施展才華的舞臺。以沙漠、山脈和草原為原始材料，修整或附加巨大的幾何形體是地球藝術的早期特征，最著名的作品是羅伯特·史密森的《螺旋防波堤》。這個大壩有65，438+05英尺寬，觀眾可以沿著它走好幾圈，但沒有實際功能。
(2)裝置是壹種非藝術的木質材料。可以在室內短期展示的立體展品，極少數也會被博物館收藏，是壹種布置展品的方式，而不是藝術特色或風格，所以可以服務於很多藝術學校。最初的裝置來自於對傳統雕塑材料的丟棄，它的主要定義是:“(1)它們是組裝的，而不是繪畫的。描述、塑造或雕刻；(2)其組成部分全部或部分是預先形成的天然或人造材料、物體或碎片，非藝術材料”。早期裝置藝術的代表是德國達達主義藝術家Kllrt schw-Itter，他在1920年代用各種材料填滿了自己的房子。
(3) BodV藝術，是指創作者以自己的身體為藝術表現的材料，結合繪畫、攝影、錄像或其他現場記錄手段。壹種非戲劇性的表演藝術，“非戲劇性”是指沒有虛構、表演和做作。比如Barry Lewa的作品，就是在相隔十幾米的兩堵墻之間奔跑，直到筋疲力盡。另壹個Vito Acconci以前是個詩人，有被心理虐待的傾向。比如他試著咬自己身體能咬的部位，直到咬出痕跡才停下來。他還當眾自慰，豎起擴音器傳播聲音，迫使大眾成為“偷窺狂”，企圖突破社會禁忌。另壹個是克裏斯·伯頓。另壹個著名的作品《射擊》是讓他的朋友從匕首外側射中他的左臂。這種令人震驚的技術立即使他獲得了世界聲譽。
(4)觀念藝術(ConceptuaI Art)，起源於1920年代早期的達達藝術，認為藝術沒有神聖和持久的價值，其本質是思想或概念，物理形式的具體作品並不重要，所以也稱為觀念藝術(Ideaart)、後物體藝術或去物化藝術觀念藝術家探詢藝術與思想或藝術與知識的關系。這個探究的終點是寫作，數學或者美學和哲學。從理論上講，這類作品其實並不是用來觀賞的，傳統的展覽形式並不適用。但表現內心思想，避免外在形式，還是壹個長期的問題。那些被視為觀念藝術的作品，多是美術館等公共場所的臨時裝置，比如隨便堆放壹些木頭、磚塊或其他雜物。壹個例子是壹個巨大的鳥籠，裏面有壹些活鳥和其他物體，另壹個概念藝術群體是從事論文寫作的人。代表人物有約瑟夫·科蘇特、梅·博奇納、漢內·達博芬等。
(5)過程藝術(Process art)，認為藝術的生產過程比事先的構思更重要，體驗時間的流逝不如觀看靜止持久的物體，試圖表達稍縱即逝的存在。這類藝術多采用容易反映時間變化的軟性材料。最初的來源是波洛克和德庫寧在創作中偶然濺起的顏料，創作過程多是作者對展示材料的任意改變。代表人物是羅伯特·莫裏斯。他的作品之壹就是在展廳裏堆放壹些毫無價值的混合材料。他每天改變這些材料的放置狀態，並在展覽結束時將它們放好。
隨著上述活動，此後西方藝術出現了兩種截然相反的發展趨勢。壹種是純藝術，即保持藝術的獨立性，以區別於其他事物。在純藝術中，什麽是繪畫，什麽是雕塑，已經有了明確的定性定義，另壹個趨勢是混淆了藝術與非藝術的界限，尤其是藝術與生活的區別。前壹種藝術所謂的“純粹”，正是後壹種藝術試圖排斥的。拒絕的理由是，藝術的本質是激發創造力，人為劃分藝術範圍是對創造力的束縛。藝術與生活融為壹體，藝術創造力才能得到最廣泛的體現。
新的藝術思想迅速傳播開來。四川年前後，美國的藝術雜誌不再充斥著塑鋼和幾何圖形。自然材料、行動過程、環境和受眾的引入、語義分析和攝影記錄逐漸成為藝術媒體的主要報道。至此，現代藝術的觀念、方法和形式都發生了很大的變化，人們談論的後現代藝術也就在這個時候開始了。從此，藝人的更叠不是軍事交接。接下來的會議將形成完全相反的局面。所謂新與舊，結局與開場往往是並存的，只是為了敘述方便，討論者習慣於將糾纏在壹起的事實分開。正因為如此，我們經常看到學者們對很多所謂流派運動的開始有很多看法。本文討論後現代藝術，是因為我們要刻意尋找時間的順序，不可能同時兼顧空間的分割，這壹點讀者要註意。
導致西方現代藝術在1960年代沒有轉型的原因是多方面的，壹般認為與以下社會背景有關:
(1)美國在越南戰爭中的失敗導致反戰情緒高漲。再加上冰冷的國際環境，淩人對人類社會和現實生活不抱太大希望，進壹步開始鄙視現有的人類生活標準。在文化領域有反對主流、否定永恒價值的傾向。
(2)如何利用產業發展的虎鉗。工業的進步向人類社會展示了壹個光明的未來，但副作用也越來越明顯，如環境汙染、能源短缺、有毒廢物和核武器的危險。淩人意識到科學技術在解決壹些問題的同時也帶來了新的問題，人們開始清醒地看待工業進步的利弊，對科學方法產生了懷疑。
(3)社會問題突出。豐富的物質生活解決不了精神問題，戰後出現了“垮掉的壹代”。65438年至0968年，歐美出現學生運動熱潮。
(4)新思想的出現。許多歐洲哲學家對當代文化提出了新的看法，對藝術界產生了影響。這些哲學家包括羅蘭·巴特、福柯、德裏達、拉康、利奧塔等。他們對現有的社會動搖理論提出了質疑，這種理論與各種文化形式有關，並導致人們懷疑任何單壹的理論框架和最終判斷。在藝術領域，他們重新肯定了具體性的價值，導致了與形而上的現代藝術追求的分離。
除了上述外部因素，過度的理性和科技才是藝術方向轉變的內在原因。要知道人類的精神世界和自然生態壹樣，是多變的，平衡的。如果其中壹個囚徒過度發展，就會有相反的力量去克服它。如果科學大部分介入藝術，就會有反科學的勢力。
四。後現代藝術價值觀20世紀80年代以後，以美國為中心，後現代藝術已經成為壹種新的世界性藝術潮流。綜合這些藝術現象，我們可以清晰地感知到，現在新的價值觀正在成長，主要表現在以下幾個方面:
(1)不求純粹，當代藝術不局限於視覺形式、語言、音樂戲劇、大眾傳媒。數字視頻，聲光電氣化，只要能傳達特定信息的，都有。繪畫超越平面限制，雕塑構建景觀和建築，展覽場地也不局限於畫廊和博物館。在當代西方，所謂的視覺藝術已經和其他種類的藝術難以區分。
(2)良好的服務傳統。人類有豐富的傳統文化資源，拋棄它們是很可惜的。當代藝術家並不反對傳統，而是用過去來更新自己。時間和環境變化後，舊的符號可能會有新的含義，比如分冰的“天書”，蔡國強的“草船惜箭”。總是這樣。
(3)非個人化，在藝術之上，除了19世紀後期到j世紀中期，“個人表達”並不是創作和爆發的主要目標。後現代藝術強調社會功能，使藝術走出象牙塔，貼近大眾生活。藝術家以天下為己任，關心社會問題，積極參與社會活動，不再是壹個古怪的人物。
(4)多種標準，“多樣性”是當代藝術的核心理念，雖然世界上仍有主流的藝術潮流，但不再以統壹的標準來評判，比如承認不同國家、民族、地區的藝術價值，女性藝術，土著藝術，不發達國家的藝術。但也有復雜混亂的情況，難以系統化。
基於以上討論，或許我們可以對後現代藝術有壹個粗淺的認識:它源於對現代藝術的反叛，發展了新的表達思想和傳遞信息的方法，改變了觀念和技術，它所代表的大眾意識、多元價值觀和自由創造精神，反映了西方當代文化的發展趨勢。然而，由於地域、文化和體制的差異，中國藝術界無法在短時間內整體融入這場全球性的藝術運動。
動詞 （verb的縮寫）杜尚的靈感說到西方後現代藝術的話題，就不能不提到法國畫家馬塞迪·杜-尚被形容為西方後現代藝術之父，了解他的藝術和生活對理解西方後現代藝術的許多奇妙現象有很大的幫助，但理解杜尚是個難題)，因為他的作品和生活離普通人太遠了；很難解釋。
盡管杜尚的藝術實踐結束於公元1930年，並於公元1968年逝世，但他在幹旱時期短暫的藝術活動對後世產生了持久的影響。1913年，他完成了第壹個現成的藝術作品《自行車輪》，以表達他對傳統作品中結構的蔑視。這也暗示了藝術創作中最重要的因素是觀念而不是制作技巧。《巧克力研磨機8號》幾乎是杜尚最後壹件上架的作品，是對學院派油畫的嘲諷。杜尚1915後定居紐約，1917年春天完成作為小便器；另壹個作品是L.II.O.O.Q (1919)，是在版畫《蒙娜麗莎》上加上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》，又名《新娘被她男人剝光衣服》。這部作品從1915開始制作，直到1923仍然沒有完成。192O之後，杜尚對光學和電影的興趣與日俱增，到了四川時代之後，他又將興趣轉向了象棋。
杜尚最重要的貢獻是“現成”的藝術，雖然從世俗的角度來看，把現成的工業品或其他物品放在藝術展上是荒謬的，但事實上，它改變了人類對藝術乃至世界的整個看法，人們開始質疑傳統價值觀和藝術創作模式的必要性，至少。在西方後現代藝術中，“現成商品”的影響無處不在，它從以下幾個方面啟發人們:
形式和美感並不重要。自古以來，藝術家們就以創造美的形式為天職，並賦予這種作品以崇高的地位和價值。但是，杜尚認為美是不存在的，藝術和創造藝術的人沒有什麽特別崇高的，他告訴人們，普通的物體和藝術作品沒有區別，水果藝術是美的；普通的商品也很漂亮。如果普通商品不美觀，藝術品也好不到哪裏去。所謂藝術的審美價值，不過是人們的偏見。他把尿壺送去展覽，對打破這種偏見起到了很大的作用。
(2)環境和時間比作品更重要，成品實現為藝術品的決定性因素是環境和時間。與作品本身無關。這說明在壹定條件下。任何事物甚至行為都可以是藝術；另壹方面，當條件發生變化，任何事情甚至行為都不可能是藝術，按照中國的話來說，這個是對的，那個是錯的。因為環境和時間總是在變化的，文藝復興時期的經典《蒙娜麗莎》可以畫到20世紀，成為壹個笑話。在美術館裏放輪子和凳子，相當於壹個結構主義的雕塑。
(3)讓藝術回到壹種自發的、自然的狀態。人類最初的藝術活動是自發的、自然的，不需要特殊的訓練，藝術家和非藝術家沒有區別。但是後來有了分工，藝術成了壹個特殊的工作，於是就有了壹個關於藝術的特殊標準，顯然這個分工和標準是以前體制的產物。阻礙人性的健全發展。在不斷變化的社會條件下，將這些現有標準視為最高法律是不合理的。而“現成藝術”就是完全無視現有的藝術標準甚至文化標準，用壹種看似滑稽實則深刻的思想來嘲諷人類在文化領域的拘謹和手藝，從而呼喚壹個充滿自由和創造精神的新時代的到來。
(4)叫做解除技術的限制。人們早已習慣於把藝術創作當作壹種專門的技術操作，所以有美院，有專業畫家。“現成”的藝術與作者個人的技術無關，只需要壹種選擇的眼光，而選擇是壹種思維過程，與物質產品的生產技術無關。杜尚告訴這裏的人們，藝術的價值在於思想。有了思想，任何物質產品都可以成為藝術作品，這種將藝術等同於思想的方法，客觀上取消了傳統的藝術學科，隱含著藝術和藝術史即將終結的理論判斷。
美國畫家德·庫尼希說:“杜尚自己發起了壹場運動——這是壹場真正的現代運動，它隱含著壹切:每壹個藝術家都能從他那裏獲得靈感”，這似乎是壹個“現成的產品”，輕易地扭轉了西方藝術的發展方向，是杜尚留給後人的先鋒形象。杜尚之後，反對壹切既定的藝術模式和準則，以無拘無束的自由精神為藝術創作目標，成為西方藝術界的* * *知識。
桌面遊戲-現代藝術
在近幾年新興起的桌面遊戲中，有壹款非常經典的桌面遊戲:現代藝術，通過四輪競價，遊戲可以通過購買或出售畫作來最大化自己的金錢，錢最多的壹方獲勝。遊戲鍛煉了玩家的最佳收支比例，特別適合有經濟頭腦的人娛樂。