閱讀精煉
1，庫爾貝——自信，叛逆，瘋狂，輝煌。
他的自畫像可能是西方藝術史上最酷的自畫像，不同於其他畫家面無表情眼神空洞的自畫像。畫中庫爾貝正撩起頭發盯著妳，這是壹張令人難忘的自畫像。這幅畫也充分體現了庫爾貝奔放的個性，同時也帶有壹絲“誇張”和“作秀”的意味。
19世紀的法國繪畫是壹個“怪物”大量湧現的地方...而庫爾貝絕對是“妖怪中的猴王”。
但是還有壹點:庫爾貝是自學成才的！事實上，庫爾貝從小就跟著村裏的牧師學習繪畫技巧。到達巴黎後，他還在皇家美術學院和貝桑松美術學院接受正統繪畫教育...對於壹個中國畫家來說，重要的是“師從老師”。老師名氣越大，越有面子，作品越容易得到肯定。而外國人的畫家講究“個性”和“創新”，所以很少聽到像“某畫家100%繼承了他大師的風格”或者“他畫的和某大師壹模壹樣”這樣的話來評價壹個畫家。
庫爾貝說他有老師的時候沒有老師，因為在他看來，他沒有從這些老師身上學到任何東西，他的繪畫風格和主題都是自己摸索出來的。
19的40年代，他的原創“武俠”開始嶄露頭角，其中最著名的是他以自己為題材的壹系列“自戀作品”。庫爾貝用這個自拍系列迷倒了成千上萬的女粉絲(還有男粉絲)，成功邁出了“自我營銷”的第壹步。
在名氣爆炸的同時，他的作品也得到了權威機構的肯定，也就是第壹本書中經常提到的——法國官方沙龍。初出茅廬的畫家成名的唯壹途徑就是進入官方沙龍。官方沙龍是當時法國最權威也是唯壹的藝術平臺。作為權威機構，必須有壹個權威的標準，這也是對自己認為有才華的畫家負責。但是，制定這個標準的人，都是受過古典繪畫影響的老藝術家。這些“新新人類”的藝術風格與他們的標準相差甚遠。反正有壹點是肯定的。不是沙龍的拒絕造就了這些新藝人，而是他們遲早會紅起來。問題是在哪裏。庫爾貝就是最好的例子。
這是他在1849寫的Hornung人飯後休息。圖為庫爾貝的父親和幾位來到他家的客人。晚飯後他們正在休息和聽音樂。它們是放松和舒適的。但這種主題在沙龍裏很少見，因為不能上桌！沙龍裏的畫除了童話，還有帝王將相、才子佳人。而庫爾貝則側重於日常生活中隨處可見的普通人。雖然不上桌，但是主題很新穎。沙龍展出這幅畫後，受到好評。庫爾貝還被沙龍授予了“免死金牌”(以後可以不經批準送畫去展覽)。
同年，庫爾貝也創作了這種磚石。雖然從畫面上我們看不到他們的臉，但整幅畫能給人壹種悲傷的感覺...因為我們可以從畫面中清晰的看到兒子的未來，而他長大後也會變得像身邊的老子壹樣，繼續幹重體力活...
這兩幅畫也奠定了庫爾貝繪畫風格的基礎。他認為古典主義和浪漫主義太假，太做作。“如果妳想讓我畫壹個長著翅膀的小天使，那妳可以先抓壹個給我看。”庫爾貝只畫他的“現實主義”，堅持關註日常生活中的普通人。在獲得榮譽、名聲和金錢之後，他開始畫自己喜歡的東西。這是他最著名的代表作《奧南的葬禮》。有才華的“叛逆者”尤其受歡迎。
1871加入巴黎公社，當選為公社美術家協會主席。1871 5月16日，庫爾貝帶領壹群憤怒的青年推倒了壹根柱子。這根柱子叫“文多姆柱”，由200門大炮鑄造而成。這根柱子是法蘭西帝國的象征，更重要的是象征著拿破侖家族的榮耀。巴黎公社失敗後，庫爾貝被捕。庫爾貝為此蹲了六個月的監獄。出獄後，他收到了政府的壹張賬單——30萬法郎，這筆錢是用來修復文多姆柱的。錢用完了，庫爾貝從此流亡，整天借酒澆愁，不久，他在瑞士洛桑死於酗酒。
庫爾貝的作品影響了當時的許多畫家。比如後來的“印象主義之父”馬奈。
他狂放不羈的個性使他成為壹位“鶴立雞群”的藝術家，壹次又壹次震撼了整個畫壇...這是他真實的個性表達還是刻意的自我營銷？無論是“真實”還是“表演”，他的永不妥協的精神，他在藝術上創新求變的態度，都值得我們尊敬。
2.在筆者看來，單就名氣和影響力而言，畫家基本上可以分為四個等級:
第四檔是油漆工。其實就是個手藝人。畫畫只是壹個養活自己的工具，壹種生存手段。主要是肖像畫家，只要畫的像，畫的讓客戶滿意。
第三檔是藝術家。再厲害壹點，有自己的想法，甚至自己的風格。繪畫對他們來說不僅僅是壹份工作，更是壹種興趣，壹種表達個人情感的方式。
二檔為主。壹個畫家能進這個檔，基本可以用“偉大”來形容。他們不僅在藝術史上做出了傑出的貢獻，他們的作品甚至會影響很多三四年級的藝術家。
1檔案是壹個傳奇，裏面充滿了才華橫溢的天才，在藝術史上具有劃時代的意義，而被劃入這個檔案需要壹些“運氣”。可以是“運氣好”，也可以是“運氣不好”。他必須是壹個“有故事的人”。就像選秀節目，如果某個東西不錯，妳能再加點料，那就更出彩了。
在荷蘭畫壇，“1檔”畫師至少可以拼壹桌麻將！“二檔”畫師幾乎可以組成幾個足球隊。)我把這壹桌麻將稱為“荷蘭四大天王”。
其中兩幅是梵高和倫勃朗，還有維米爾·約翰內斯·維米爾，1632 ~ 1675。因為他除了畫幾乎什麽都沒留下。
3.神秘人:維米爾
所以“神秘人”這個稱號可以說是名副其實。弗米爾留下了多少幅畫？這個問題到現在也沒有定論，或者可以說有35+1張，1張待定。
因為他的30多幅畫可以說是傑作了！珍珠耳環少女看似簡單的肖像，卻能抓住每壹個觀者的視覺神經，讓人過目不忘。壹幅300多年前的畫，居然能感動我們現代人。這就是弗米爾本身的魔力。
我們來看看他的“自畫像”(或疑似自畫像)-“工作室”。其實這個小洞應該是針眼。弗米爾在這個位置紮壹根針，在針上繞壹根線，根據線畫出的輔助線完成整個構圖。為什麽小洞的位置在這裏？因為維米爾想引起妳對這壹點的註意——在妳不知情的情況下。
事實上，“控制”觀者的視覺註意力是荷蘭畫家的慣用手法。但其他畫家通常會用畫中人物的手指或其他身體部位指向他們希望妳看到的點。只有維米爾在不知不覺中控制了妳的視覺。這也是弗米爾的慣用伎倆，隱藏明顯的線索，讓畫面更耐人尋味...
某種程度上，維米爾也應該算是壹個“攝影師”，只不過普通攝影師按下快門只需要“哢嚓”壹聲，而維多利亞大學的攝影師則需要半年按壹次快門——所謂的“人肉相機”。
弗米爾以30多幅畫作登上“超級大師”的寶座，是因為他的每壹幅畫作都包含了許多精心設計的細節，像偵探小說中的線索壹樣勾住觀眾，讓人不由自主地揣測畫作背後的含義。
比喻:很多畫家都會用比喻，但弗米爾用得很多。
控制視覺:維米爾喜歡用他的繪畫來控制觀者的視覺，同時他試圖用各種道具把妳擋在畫面之外...也許這就是所謂的“距離之美”。除了使用桌椅，弗米爾還會用色彩來控制視覺。“代爾夫特風景畫”是風景畫中的“勞斯萊斯”。
為了達到操縱視覺的目的，他經常通過擺弄房間裏的陳設來引導觀眾。動與靜是相對的，弗米爾刻意營造水波的“假象”，就是為了襯托整個畫面的寂靜。
4.“黃金畫家”古斯塔夫·克裏姆特·古斯塔夫·克裏姆特:藝術與設計的“雙重天才”。
他從不談論他的作品，甚至他自己。他曾經說過:“如果妳想了解我，就去看我的畫。”
他的父親是雕塑家，雕刻黃金！這些用於裝飾的幾何圖形後來經常出現在克裏姆特的作品中。這也是克裏姆特作品裝飾性強的原因。克裏姆特絕對是大師級藝術家中最“全面發展”的。可以是“人肉攝像頭”，也可以是壹堆抽象的東西。最好的是把寫實和抽象完美結合，沒有任何違和感。代表作:阿黛爾·布洛赫-鮑爾肖像，1907。
克裏姆特也是壹個能賺錢的藝術家。他知道人們喜歡什麽。克裏姆特的作品常常給人帶來無限遐想，直到今天也不會覺得過時。而且他能把設計和藝術完美結合。設計講究創意，藝術講究感覺。
5.埃貢·席勒的埃貢·席勒
當時誰也不會想到，他會在未來的20年裏大放異彩，甚至取代克裏姆特成為維也納新的藝術之神...克裏姆特是席勒的“貴族”。那個時候席勒已經找到了自己的風格，很多畫家壹輩子都做不到的事情。他是19歲做的。說到席勒的繪畫風格，就不得不提他所屬的“流派”。專家學者喜歡把他歸為“表現主義”。壹種色彩鮮艷、扭曲、不追求繪畫技巧、漫不經心、平淡無奇、缺乏透視、不理性(憑感覺創作)、以恐怖和性為主要題材的繪畫風格。
具體操作方式如下:
1.準備工具(顏料、畫布、畫筆等。)繪畫所需；
2.先不要開始畫畫，先讓大腦處於壹種空虛的狀態，身體要放松；
3.選擇幾個妳認為最鮮艷的顏料；
4.現在，妳腦海中浮現的第壹幅畫，用妳選擇的這些顏料塗在畫布上。
註意:不要擔心畫的“像不像”，讓妳的手領著畫筆，跟著妳的想法在畫布上走。
在我們這些普通人眼裏，很多表現主義大師的作品看起來真的很像瞎畫。然而，其實它們遠沒有看起來那麽簡單，就像武術高手在登峰造極的時候，不需要任何復雜的招式就可以幹掉對手壹樣。即使同屬於表現主義，根據每個畫家不同的生活經歷和對繪畫技法的不同理解和掌握，他們所表現出來的作品也可以大相徑庭。換句話說，首先要看妳腦子裏有沒有“物質”；然後看妳手裏有沒有“功夫”；最後，看妳對兩者的偏好(哪個占的百分比更多)。表現主義沒有統壹的畫法，更像《水泊梁山》，每個英雄都有自己的本事。只要說出自己的真實想法，都是好兄弟。所以，表現主義也可以算是壹個“大雜燴”。不知道自己應該是什麽流派的藝術家，基本都被扔進了表現主義。還有壹些超級巨星，比如Edvard Munch，他的《吶喊》家喻戶曉。
席勒畫靜物、風景和肖像。但他最擅長、最喜歡畫畫的應該是人體。席勒人體的幾個標誌性特征:
1.臺詞。優美流暢的線條是他作品的標誌。就像梵高的色彩、倫勃朗的光影效果壹樣出名，是壹種可以無形中“殺人”的絕技。困擾藝術大師幾個世紀的透視和立體感，都被席勒用寥寥幾行字解決了。
2繪畫方法。除了線條，席勒的繪畫風格也很獨特。他壹般先畫壹個線條畫，然後在他認為對的地方加上他認為對的顏色。色彩就像我之前說的:“不是為了追求真實，而是為了表達情感。”
所以他的人類皮膚上經常出現很多五顏六色的斑點。從現實的角度來看，這些點看起來有點像淤青或者痘痘，但有趣的是，整個畫面讓人感覺非常和諧，仿佛那些點就應該在那裏。
3主題。關於席勒人物畫的主題，壹言以蔽之，只有壹個字——“性”。在他的65，438+00幅人物畫中，有9幅含有性暗示。
這些人留下了許多經典的作品和事跡，感動了無數人，但他們卻早早地離開了我們...當然，任何人英年早逝都是不幸的，但換個角度想想，他們在輝煌中把經典留在了那裏，把生命定格在最輝煌的時刻，也是壹種幸福。回顧席勒的油畫、素描甚至海報設計...即使在今天，也不會有過時的感覺。而他在我們心中永遠年輕帥氣。
正如他曾經說過:“藝術不是時尚，藝術應該是永恒的。”
6.愛德華·馬奈，“萬人迷”，1832 ~ 1883:被譽為“印象派之父”。
有了錢，有了地位，有了好的繪畫功底，很難受到追捧。法國“馬克”的人氣真的不錯，包括莫奈，左拉，德加。他的朋友遍布整個行業。
雖然馬奈不屬於印象主義，但他受到整個印象主義的追捧和崇拜。這壹切都來自於他的壹幅畫《草地上的午餐》。如果說印象派運動是藝術史上的壹次大爆發，那麽馬奈的繪畫就是壹個導火索。主題和構圖都是大師的“貢品”，再給人物加上壹套時髦的西裝。有什麽大不了的？學習真的就在這件衣服裏。
拿破侖三世是壹個非常熱衷於藝術的領袖，但他喜歡的藝術家很少有能在藝術史上留名的，反而被他拒絕的大多是紅紫。從本章前面介紹的庫爾貝到馬奈，再到印象派，都成為了藝術史上的大師，壹個如此熱愛藝術的人，卻成為了歷史上最無知的收藏家。唉！是拿破侖三世的沙龍“不成功的展覽”成就了馬奈。在壹般人看來，這幅《草地上的午餐》大概就是壹幅令人費解的裸女圖。對於壹群“新銳”藝術家來說，這幅畫不僅顛覆了當時所有的主流藝術觀念，還從這幅畫中看到了希望——同樣是被沙龍拒絕的作品，如此轟轟烈烈！如果說草地上的午餐是劃破夜空的閃電，那麽奧林匹亞就是真正的“身體打擊”。官方認為這幅畫是馬奈對主流藝術的公然挑釁！
女神遊樂園的酒吧:馬奈用自己的作品最後壹次向自己敬仰的大師“致敬”。這壹次，是他最崇拜的“鏡子畫家”貝拉斯克斯。觀眾看著這幅畫，面對著吧臺後面的女人，卻能從鏡子裏看到酒吧裏的壹切，這正是女人眼中的樣子...
馬奈有很多偉大的頭銜——印象派之父，現代藝術的奠基人，然而在他的墓碑上，只刻著壹行短短的字，據說是德加寫的:“妳比我們想象的還要偉大”。
7.貝爾特·摩裏索特可以成為女藝術家。首先，她有錢。她的“錢”在骨子裏，有錢到連自己都沒意識到自己有多有錢。隨之而來的是壹個藝術家庭的誕生。爺爺是洛可可藝術大師——讓·奧諾雷·弗拉戈納，他畫了《秋千》。壹位開啟洛可可藝術全盛時期的藝術家她的老師是卡米耶·柯羅，巴比松大師。法國巴比松畫派的代表，19世紀最傑出的抒情山水畫家，也是19世紀留下最豐富畫作的藝術家。他今天的生活，凝聚了無數人的夢想，有錢，做藝術的事，到處旅遊。後來，莫裏索把戶外繪畫的理念帶到了印象派，成為印象派的創始人之壹。如果說雷諾阿的畫洋溢著幸福，那麽莫裏索的表現就是溫暖與和諧。她的代表作《搖籃》僅僅從妹妹艾瑪的眼神和動作中就能體會到母愛和溫柔。她的噱頭是她寫的女人總是那麽有魅力。也許這就是女畫家的優勢，她們似乎能畫出壹個女人的內心世界。每當我站在她畫的女人面前，我都會情不自禁地被她們的眼神吸引。有時候只是兩個簡單的黑點，有時候她連看都不看妳壹眼，卻依然能毫不費力地抓住觀者的註意力。
莫裏索在馬奈的畫布上出現了12次，是他最喜歡的模特。其中最著名的是這幅肖像。在小顧個人看來，這幅畫的動人程度和藝術價值堪比《戴珍珠耳環的女孩》和《蒙娜麗莎》，但沒有那兩幅那麽神秘。莫裏索的黑眼睛似乎只有在馬奈的畫布上才特別動人。
實際應用
1.用高科技技術讓畫的更準，沒有錯。關鍵是讓技術為人服務，讓自己有更多的時間和精力去完善自己想要的東西。
2.註重作品的裝飾性，將寫實與抽象完美結合。
3.現實主義，關註日常生活中的普通人。無論是攝影還是繪畫，都可以關註這樣的作品，源於生活，高於生活。
下壹步
1.練習人畫的線。
2.學習人物畫中的色彩添加，可以隨意添加幾筆，而不是全彩效果。
3.學習弗米爾作品中的各種細節和視覺引導。
每日壹句
設計講究創意，藝術講究感覺。