說起古典音樂，我上大學之後，毫不猶豫的報了西方音樂欣賞選修課，沒想到讀研究生的時候又報了。
起初，我只知道貝多芬、莫紮特和柴可夫斯基。後來通過選修課的學習，我了解了施特勞斯、肖邦、維瓦爾第、布裏頓、德沃夏克等偉大的音樂家。我覺得對古典音樂的欣賞不僅僅是對音樂本身的欣賞，更是對音樂所表達的內涵的欣賞和發掘。通過古典音樂的風格和特點，我們可以了解音樂家的內心世界和個人性格。
所以沒有深刻內涵的音樂人是不可能寫出偉大的作品的，最多只能成為優秀。我覺得這就是音樂人想要達到的，通過音樂的表現形式，把他對生活、社會、藝術的理解，表達給觀眾。
偉大的作品會誕生在為自己作曲的時候，而不是為了迎合貴族和觀眾，雖然那時候可能沒人在意。正因為如此，在聽古典音樂的過程中，我必須先看看這首曲子的背景和來歷。
否則，如果妳只是欣賞它的旋律，妳可能會壹無所獲。《莫紮特傳》是最打動我的壹部，不愧是奧斯卡獲獎影片。
這部電影突出了莫紮特的天才和薩列裏的嫉妒(電影為了鮮明的個性和矛盾而醜化薩列裏)。莫紮特很有音樂天賦。當薩列裏看到他的手稿時，他震驚了。莫紮特沒有做任何改變，每壹個都不能因為完美而改變。
薩列裏認為莫紮特並不是在創作音樂，他所要做的只是把腦子裏的音樂符號復制下來，他也感嘆為什麽上帝沒有賜予自己這樣的天賦。薩列裏嫉妒莫紮特不僅僅是因為他的才華，還因為莫紮特的傲慢和自信，以及他對宮廷內部傳統體制的蔑視，因為他壹直認為自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束縛和控制。
還有莫紮特的《安魂曲》，真的是震撼靈魂的偉大作品。生動地展現了莫紮特生前的心理狀態。
有無奈，有沮喪，有悲傷，復雜的心理狀況讓聽者為之惋惜。難怪有人說世界上有這麽悲傷的旋律！可以說貝多芬壹直是壹個與命運抗爭的人。
因為長得醜，幾次被心愛的女人拒絕，這對他也是壹個不小的打擊，而他後來的失聰也說明他不是上帝的寵兒。在這樣的困難下，他還能創作出《第九交響曲》這樣的作品，更加體現了貝多芬的偉大。
妳知道失聰對作曲家意味著什麽。就像廚師失去了味覺，畫家失去了眼睛。
正是這個貝多芬，創造了後世無法超越的交響樂巔峰。所以貝多芬的音樂不容忽視。
他的田園，緣分，第九都是我請到電腦上的。然後是圓舞曲大師施特勞斯，他的《藍色多瑙河》、《維也納森林》、《皇帝圓舞曲》、《春之聲圓舞曲》可以說是經典之作，我當時反復聽了這些歌。
也是在這個時候，我聽到了我認為最好的交響樂——德沃夏克的《新世界》。尤其是氣勢磅礴的第四樂章，我百聽不厭。
總之，我很慶幸自己能接觸到古典音樂，也很感謝古典音樂帶給我的快樂。希望更多的人能和我分享這些快樂。妳也喜歡古典音樂嗎？想和妳叫個朋友！~。
2.中外音樂史和藝術史知識點
這裏有壹點中西發展史，看看能不能幫到妳壹點！
中西藝術史中“形神觀”的分化與融合
永恒的敵人——“形”和“神”
“形似”與“神似”，壹是理性對待對象；壹種是感性對待對象。是繪畫領域永恒的話題。在這種問題面前，死抱著不放是不行的。大小問題是避免迷路的關鍵；而辯證分析是走出理論迷宮的唯壹出路。本文我無意也沒有能力對這個永恒的理論懸案做出評價，只是想把各種觀點梳理成壹個脈絡。形，顧名思義，就是外表相似。但這種意義在不同的環境下是不同的(中西、古今...).在西歐，在古希臘和文藝復興時期，形似的地位關系到繪畫的成敗。在中國古代，形似的地位更加微妙。顧愷之是形神兼備的倡導者。他:“生動的寫照就在眼前。”被後人千古引用。後來被徐悲鴻收入“新六律”。這壹傳統在宋代畫院中得以成功保持。但當時正好文人畫興起，相似造型的處理方式也發生了微妙的變化。在蘇軾的倡導下，繪畫註重自我表現，追求意境和神似，得到了文人的廣泛認同。文同、李、、趙令讓、米芾父子隨波逐流，付諸實踐。神似成了畫味的代名詞(這裏的神似和顧愷之不壹樣。也就是圖像之神和畫面之神的區別——作者。)
所以神似遠不是外形那麽簡單。首先，不僅是要把握對象的魅力，還要在藝術作品中加入自己的感受，讓藝術作品有自己的想法。
我怕話題越來越大，就說到這裏吧。進入上部。
上篇:意味深長的歷史軌跡
——古代(現代)中西“形神觀”的比較。
比較中西藝術史總是很有意思的，探究它們差異的原因更有意義。
如上所述，圖像在不同的區域被不同地處理。但有壹點，中國和西方都不約而同。中西藝術中第壹幅畫是* * *人物。
中國人物畫經過秦漢的發展，最終在魏晉南北朝達到了壹個高峰。顧、陸、張對人物畫的關照影響了中國人物畫的發展。
顧愷之(346—407)，江蘇無錫人，博覽群書，才華橫溢，是藝兮散騎的常客。他是壹個早熟的畫家。二十多歲的江寧瓦棺寺壁畫，居然“照壹寺，贈者填喉，得俄百萬”(張彥遠《歷代名畫》引《史靜寺的故事》)，畫從此成名。他的地位是三大奇跡中最高的:“喜歡壹個人的美，可以得到他的肉，他的骨，他的神，他的奇跡無與倫比，他的關懷彌足珍貴。”很顯然，在魏晉時期，中國的繪畫觀念已經深深確立了“神”的表現重於“形”的表現。
看完中國人物畫第壹人顧愷之* * *。看看西方人物藝術的第壹個高峰——古希臘藝術就知道了，雕塑是希臘藝術最重要的組成部分，它體現了希臘人對美的理想、非凡的藝術天賦和對人體的深刻研究。很多最好的雕塑，因為氣勢磅礴，形象完美，風格脫俗，無與倫比；千百年來，無數畫家和工匠受到它的啟發和影響；它獨特的內在生命力和藝術魅力至今仍放射著燦爛的光輝。
古希臘的雕塑經歷了三個時期。
古董時期。
作為壹個古老的雕塑，它通常始於7世紀。此時的人像雕塑，大多是直立的形象。總的來說，他們沒有打破刻板的形式，而且造型手法也比較生硬。直到6世紀，雕塑的藝術技巧有了明顯的進步，在人體和動態表現上更加自由和充滿活力。
第二，古典時期
希臘藝術的古典時期始於490年前。強健的體魄，昂揚的精神，優雅婉約的造型，是古典時期雕刻出來的相同特征，是希臘城邦戰勝外敵入侵，建立自己強國時代人們英雄理想的體現；同時也形成了相應的美容規範。
第三，希臘化時期
經過古典時期的發展高峰，希臘雕塑的中心在希臘化時期移到了小亞細亞西部和愛琴海的壹些島嶼。這壹時期很少建造宏偉的廟宇，莊嚴崇高的氣氛在雕塑中逐漸淡化，而世俗化傾向有所發展。但在壹些優秀的作品中，仍然保持著古典氣息的精神。但到了後期(以拉奧孔為代表)，雕塑已經失去了崇高的精神。
看古希臘的雕塑藝術。雖然也強調人的精神和憤怒。但更明顯地體現了科學精神。準確把握人體比例(以黃金分割律為代表)，顯然把歐洲藝術帶上了寫實主義的道路。把上述中西方的代表性繪畫並列，就可以清楚地看到這種差異。
誰能幫我介紹壹下西方音樂史？
16年底17年初出生於意大利佛羅倫薩。由巴迪宮廷camerata俱樂部(意為俱樂部或小團體)成員文森佐·加利萊(Vincenzo Galilei)和佛羅倫薩學者梅(Mei)在大量研究古希臘悲劇的基礎上誕生。
西方音樂史教學的具體內容主要包括三個方面:
壹、西方音樂的歷史發展和演變。比如西方音樂內容和形式的演變歷史，西方音樂理論以及各種音樂流派的起源和發展過程；主要作曲家、演奏家的藝術生涯、風格特征及影響；
其次，西方社會的政治、經濟和文化歷史影響了西方音樂的發展，從音樂的獨特視角反映了西方文明的歷史進程及其人文精神的特征。
第三，音樂的表現和音樂的審美方法。比如音樂欣賞的基礎知識，音樂的要素，各種理論和流派等。
4.幫我們介紹壹下關於音樂的知識。
古典音樂，中文翻譯是“古典音樂”。
有人認為“古典”給人壹種古色古香、古板沈悶的味道，所以改名為“古典音樂”。根據牛津英語詞典對古典主義的定義:以傳統和嚴肅的風格，有人稱之為“嚴肅音樂”。
浪漫主義音樂是古典音樂的延續和發展，是歐洲音樂史上的壹種音樂風格或時代。浪漫風格音樂註重情感和內容的表達，打破了古典音樂時期的各種形式約束。
巴洛克音樂巴洛克壹詞的本義是指壹種形狀不規則的珍珠，在當時是貶義的。當時人們認為其華麗招搖的風格是對文藝復興風格的貶低，但現在，人們已經認識到巴洛克是歐洲偉大的藝術風格。鄉村音樂這個名字出現在20世紀20年代的美國，它有著廣泛的起源。
當時歌曲的內容，除了表達工作生活，厭惡孤獨漂泊的生活，向往溫馨祥和的家，唱出甜蜜的愛情和失戀的痛苦。爵士樂爵士樂是由民歌發展而來的，它的來源很多，不容易仔細研究。
在19世紀期間，音樂是美國南部種植園黑人奴隸表達生活和情感的重要手段。從19年底開始，爵士樂以英美傳統音樂為基礎，融合了布魯斯、拉格泰姆等音樂類型，是“混血”的產物。
搖滾最純粹的形式，所謂搖滾，就是三* * *加強堅硬連續的鼓點和口中的旋律。搖滾不僅僅是壹種音樂形式，更是壹種“生活態度和哲學”，這也是搖滾不同於流行音樂的原因。
真正的搖滾文化至少可以提煉出這樣壹個縮影全景:嬉皮文化、藝術搖滾、朋克音樂、先鋒音樂、重金屬等等。重金屬，簡而言之就是用壹點超常的力度去演奏搖滾樂。
吉他作為這類音樂的主要元素，聲音比平時大，有復仇感。朋克朋克是興起於1970年代的反搖滾音樂力量。
朋克在中國大陸翻譯為“朋克”；在臺灣省被翻譯成“朋克”，在香港被稱為“崩”。在西方，朋克在字典裏的意思是(俚語)流氓、廢物、* * *、猥褻兒童、自卑等等(雖然現在它的意思有了壹定程度的變化)。
靈魂音樂。靈魂樂是南方福音和中西部節奏布魯斯的融合，崇拜音樂的復興被帶入節奏布魯斯的布吉伍吉世界。
從這個肥沃的基礎上，靈魂樂誕生了。靈魂樂的特點是具有明確的世俗動態和宗教音樂的堅實節奏。
吉他經常讓位於哈蒙德B-3風琴，使用壹些管樂。然而，幾乎所有的靈魂音樂都以熱情和高亢的聲音為標誌，偶爾還會加入壹些即興創作。
R & ampb的全名是rhythm &；藍調，俗稱“節奏布魯斯”。廣義上的R &；b可以算是“黑人流行音樂”，起源於黑人的布魯斯音樂，是現在的西進流行和搖滾的基礎。Billboard雜誌曾經定義R& B是所有的黑人音樂，除了爵士樂和布魯斯，可以歸為R &類；b，可見R &；B的範圍有多廣。
近幾年在黑人音樂圈非常流行的Hip Hop和Rap都起源於R & amp；在研發的時候節省很多研發費用。組件B. HOUSE是80年代由DISCO發展而來的舞曲。
這是芝加哥DJ放的音樂。他們將德國電子樂隊發電廠樂團的壹張唱片與鼓機的規則節奏和黑色藍調歌曲混合，House應運而生~壹般翻譯為“石昊”舞曲，是電子舞曲最基本的形式，節奏為4/4拍，有鼓點，旋律簡單。經常有高亢的女聲在唱。迪斯科流行起來後，壹些DJ改變了它，故意讓迪斯科不那麽商業化。低音和鼓越來越深，很多時候變成了純音樂作品。即使有演唱部分，也大多是歌手唱的短句，往往沒有明確的歌詞。雖然BritPop有“Pop”這個詞，但它其實是壹種搖滾，起源於20世紀90年代的英國。中文可以翻譯為“英國搖滾”，是英國樂壇對美國垃圾音樂潮流的壹種回應，主要以樂隊的形式出現。
不過Britpop的風格其實很廣泛，比如Oasis是吉他搖滾樂隊，Blur有很多Pop，Pulp接近Glam Rook和dance style，但都歸入了BritPop。蹦蹦跳跳是壹種英國/歐洲舞曲。它的名字來源於“Trip+Hip Hop”= Trip-Hop。因為它起源於英國的布裏斯托爾，所以最初叫做“布裏斯托爾嘻哈”。
黑幫說唱(Gangsta Rap)是說唱的壹種，內容多與城市犯罪有關，充滿暴力和感情，是壹種反映現實的音樂方向。Gangsta Rap興起於上世紀80年代末的美國，強勁尖銳的音樂說唱流派在美國非常流行，唱片銷量非常好。
Synth Pop的“Synth”，即合成器，顧名思義就是“合成家炮制的流行音樂”，當然除了合成器之外還會用到電腦、鼓等其他電子樂器。Synth Pop在上世紀80年代初開始流行，80年代中期開始沈寂，當年在香港出現熱潮。
Synth Pop的特點是科技感很強，有時候還挺冷的。歌曲多為“3分鐘流行”，很多時候Synth流行音樂人會打扮得很時尚。管弦樂隊是壹個管弦樂隊，分為四組:1弦，包括小提琴和大提琴，2銅管，3木管，4打擊樂。
弦樂組的每種樂器都是多人演奏(豎琴除外)，四組演奏者由壹個人協調指揮，這個人就是樂團的指揮。室內流行音樂指的是古典音樂。
5.如何報考小學音樂教師復習筆試和專業基礎知識，主要是西方音樂。
去年剛拿到高中教師資格證，專業理論還沒復習，因為這個東西沒法復習，全靠平時的積累。西方音樂史和中音史的比重不算太大，只出現在選擇題中。最重要的是最後壹個大題目的寫作，教案。
說到這，我為什麽說不能復習？如果看往年真題，會發現考這個基礎知識的點太多了，沒什麽可反復考查的。壹些基本常識比如“黃河大合唱的作曲者是誰”根本不會考，所以我的建議是把重點放在大題上。隨便買本書，瀏覽壹下音樂史的知識。
比如今年我印象比較深的壹個題目叫《弦樂四重奏》。是啊。《頌》的作者是誰？選項中有譚盾、郭文靜等中國當代作曲家。這類題目怎麽復習？所以這些主要靠積累，後面的作用真的不大。投入與回報不成正比。
6.西方音樂發展史
1.古希臘羅馬音樂:我們對這壹時期的音樂知之甚少，因為留下的樂譜很少。
古希臘音樂的起源與對神和神話傳說的崇拜有關。“音樂”壹詞來源於“繆斯”，是古希臘神話中掌管藝術的女神。
著名的神阿波羅、雅典娜和狄俄尼索斯都是藝術之神，據說音樂是他們創造的。古希臘音樂在宗教活動中被廣泛使用，也發揮著重要的作用。
在古希臘，豎琴和提琴是主要的樂器。它們是由不同的神發明和擁有的，所以它們常常與不同的神的崇拜聯系在壹起。七弦琴是壹種弦樂器，多用於獨奏伴奏、史詩演奏和歌唱，常與阿波羅崇拜聯系在壹起。它是祭祀阿波羅儀式中的主要樂器。
阿佛洛狄忒是壹種管樂器，常用於祭祀酒神狄俄尼索斯。在現代西方文化觀念中，裏拉琴音樂和對阿波羅的崇拜，以及阿佛洛狄忒音樂和對狄俄尼索斯的崇拜，成為兩種性格對立的音樂的象征。
前者是冷靜內斂的阿波羅風格，後者是放縱浪漫的酒神風格。常與詩、舞、劇結合，演唱時有時伴以樂器。
2.中世紀音樂從公元5世紀開始，到公元14世紀，是西方音樂史上最長的時期。中世紀音樂主要是基督教宗教音樂，世俗民間音樂不受重視。
教會的權力高於國家和其他社會團體，所有的社會意識形態，包括各種藝術和哲學，都應該為教會服務。在此期間，聖歌和贊美詩在教堂崇拜中廣泛傳播。
“新藝術”的概念來自法國主教、詩人和音樂家菲利普·維特裏的壹篇論文。
這個概念很快被廣泛使用，說明當時出現了壹種新的音樂潮流，不同於13世紀舊的“古代藝術”。“新藝術”的主要特征是音樂創作前所未有的世俗化。作曲家將宗教復調與世俗音樂詞匯相結合，探索音樂形式創作的各種新的可能性。
采用較小音符時長的記譜法，節奏記譜法系統化。新藝術運動最重要的代表是馬驍(1300-1377)，意大利代表是蘭蒂尼(1325-1397)。
西方文明史上的“中世紀”曾被認為是蒙昧的黑暗時代，但今天我們往往傾向於以更客觀的態度來評判這段歷史。從音樂的角度來看，教會對音樂的影響雖然有其消極的壹面，但也有其積極的壹面。
教會對音樂的重視，為統壹樂器所做的努力，以及在音樂發展上投入的大量人力物力，都促進了中世紀歐洲音樂的發展，也使音樂資料得到了相對較好的保存。復調音樂和管風琴的出現為後來專業音樂的發展奠定了堅實的基礎。
第三，文藝復興這個詞是法語，意思是“再生”。這壹時期在西方歷史上從1300持續到1650。
這個詞反映了思想家們對中世紀的懷疑和否定以及對古代文化的推崇，他們對復興古希臘羅馬的文化遺產很感興趣。然而，這種復興並不是簡單地原樣再現，而是通過復興古代的精華來構建新的文化和傳統，其成就很快就超越了古希臘和古羅馬的影響。
在這場運動中，“人文主義”是最具影響力的思潮，也是這場變革的核心。人文主義者主張以人為本，鼓勵人們張揚人性，擺脫神性的束縛，強調人是社會的主人而不是神。
他們歌頌人類對生命的熱愛和人類的智慧，相信人類的力量可以戰勝壹切。文藝復興壹般是指1430年到1600年左右的時期，音樂領域的變化是在文學、繪畫等領域之後。
文藝復興時期的音樂壹方面具有明顯的世俗化傾向，另壹方面仍然與宗教保持著密切的聯系。1，尼德蘭音樂學校。
荷蘭音樂學派是指15和16世紀，來自低地國家的壹群音樂家，主要分布在法國、比利時、荷蘭等北歐地區。2.16世紀的世俗音樂。
16世紀，西歐音樂出現了壹些新的趨勢。各國湧現出壹批具有民族風格的音樂，這些音樂以聲樂為主，主要有意大利牧歌、法國冠軍、德國Lied、西班牙牧歌和浪漫、英國牧歌和魯特歌等。
3.宗教改革的音樂對應著世俗音樂的發展，16世紀的宗教改革也給教會音樂帶來了深刻的變化。四、巴洛克時期的音樂巴洛克時期通常指150年1600至1750年的範圍。
“巴洛克”壹詞來源於葡萄牙語，原意是不規則的珍珠。它最初是建築和藝術領域使用的術語，後來逐漸用於藝術和音樂領域。歌劇的誕生是壹種用音樂表現的戲劇。它的前身可以追溯到古希臘的悲劇，中世紀的儀式劇和神秘劇。2.器樂的發展巴洛克時期，器樂上升到新的突出地位，形成了聲樂、器樂、歌劇三足鼎立的局面，器樂第壹次與聲樂平起平坐。
巴洛克時期最重要的特征之壹就是大量使用“通奏低音”，這是壹種不同於文藝復興時期復調織體的主旋律和和聲織體，基本上由旋律和和聲伴奏組成。有貫穿作品始終的獨立低音，上方有華麗裝飾的高音，中音不寫，表演者即興發揮。
巴洛克時期，大小音體系和功能音樂逐漸建立起來。記譜法也在不斷改進；“情緒論”的理論應運而生，認為音樂的主要目的是喚起人的情緒。他們用壹種音樂體裁來表達歌詞的感情，比如高音表示光。
7.西方音樂史的發展分為那幾個時期，以及前幾個時期的代表作品。
16年底17年初出生於意大利佛羅倫薩。巴迪宮廷中的camerata Club(意為俱樂部或小團體)成員巴迪、文森佐·加利萊和佛羅倫薩學者梅，是在大量研究古希臘悲劇的基礎上誕生的。西方音樂史教學的具體內容主要包括三個方面:壹是西方音樂的歷史發展和演變。比如西方音樂內容和形式的演變歷史，西方音樂理論以及各種音樂流派的起源和發展過程；主要作曲家、演奏家的藝術生涯、風格特征及影響；其次，西方社會的政治、經濟和文化歷史影響了西方音樂的發展，從音樂的獨特視角反映了西方文明的歷史進程及其人文精神的特征。第三，音樂的表現和音樂的審美方法。比如音樂欣賞的基礎知識，音樂的要素以及各種理論和流派等。，而這壹時期的發展經歷如下:西方音樂史和音樂流派的發展主要經歷了以下幾個階段:
首先，西方音樂的起源可以追溯到古代美索不達米亞平原。起源時期的音樂主要用於寺廟祭祀和節日，帶有明顯的宗教色彩。蘇美爾人、埃及人、希伯來人和古希臘人促進了音樂的發展。
第二，中世紀早期和繁榮時期
這個時期主要是單音音樂時期，大致是公元600年到1300年。
第三，“新藝術”時期
公元1300~1450年是中世紀向文藝復興的過渡階段。
第四，文藝復興
1450-1600年，文藝復興的中心在意大利，但音樂中心在法國的勃艮第和佛蘭德斯。這壹時期德國和英國音樂的興起，羅馬教會音樂的改革以及威尼斯音樂學派的活躍，使得這壹時期的音樂成就不遜於其他藝術。
動詞 （verb的縮寫）巴洛克時期
1600~1750，從蒙特威爾第開始，到巴赫和亨德爾結束。巴洛克時代是西方音樂史乃至整個藝術史中壹個非常重要的時代。巴洛克音樂高貴動人，內容比文藝復興時期更豐富，更富有戲劇性。這壹階段初步形成了歐洲音樂的許多重要流派，如歌劇、組曲、奏鳴曲、協奏曲、清唱劇、清唱劇(大型聲樂組曲)等。音樂巨擘巴赫和亨德爾把巴洛克音樂推向了* * *。
第六，古典主義時期
以恢復希臘羅馬的古典風格為目的，以追求客觀美為主要內容的古典音樂在維也納形成了氣候，海頓、莫紮特、貝多芬三位音樂家的傑出作品激勵了音樂史。這壹時期成為器樂的黃金時代，鋼琴曲和小提琴協奏曲的創作層出不窮。奏鳴曲式的建立被認為是這壹時期成就的代表。
七、浪漫時期。
浪漫主義音樂流派是人類藝術史上的壹座“寶庫”，這壹時期不僅產生了偉大的音樂家，而且音樂流派的範圍也是前所未有的，有無字歌曲、夜曲、藝術歌曲、敘事歌曲、交響詩等新穎獨特的形式。這種更註重音樂內容的音樂流派，使得壹些非音樂因素成為音樂的主宰。浪漫主義音樂由門德爾松、舒曼、肖邦和威爾第完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格納的時代達到頂峰。
八、新音樂
這是20世紀音樂的總稱。音樂和其他藝術壹樣，已經開始出現多校開花的局面。音樂創作的保守與創新流派在德、俄、英、美等音樂文化發達的地方相互競爭，在壹定程度上促進了音樂的繁榮。然而，20世紀50年代以後，隨著電子音樂和計算機等高科技的出現，音樂家們都希望在新壹代音樂語言和節奏的發展中找到相似之處，重塑作曲家的角色和音樂藝術的本質..