意大利語中聲音的意思和唱歌的意思不壹樣。奏鳴曲是壹種專門為某種樂器而寫的音樂。除了鋼琴奏鳴曲，大部分奏鳴曲都有鋼琴伴奏，但也有巴洛克時期為三種樂器譜寫的三重奏奏鳴曲(實際上是四人合奏，但不包括伴奏者)。回旋曲:回旋曲是古典時期的壹種輕節奏形式。主要段落將與其他段落交替出現。回旋曲多出現在協奏曲或奏鳴曲的最後樂章，也以獨立音樂的形式出現。
協奏曲:協奏曲
在古典音樂作品中占有相當的地位。通常，在壹般管弦樂音樂會的第二部分，這個人由壹個或幾個表演者獨唱，由管弦樂隊伴奏。如前所述，作為獨奏者，他在壹首樂曲中起著重要的作用，由此可見這首樂曲的價值。從17世紀末開始，演奏方式轉變為以少量弦樂器為主要演奏方式(稱為協奏曲，soli)，以管弦樂隊其他成員的演奏為伴奏的方式為大家所接受。通常樂團的規模和主要演奏樂器都是隨著音樂而變化的，沒有壹定的限制。
序曲(序曲)
現在有兩種:第壹種是歌劇、清唱劇或芭蕾舞劇的前奏；第二個是管弦樂音樂會的前奏。
但現在已經沒有了細致的區分，有時候在戲曲表演中聽到的序曲與其內容無關，這對於Xi宋來說是常有的事。
17、18世紀，序曲分為三個樂章，法國序曲是三個(慢-快-慢)，意大利序曲是三個(快-慢-快)。
但在18世紀後期，德國作家格盧克(Gluck，1714 ~ 1787)認為序曲的作用是要把觀眾帶入劇情，這壹觀點得到了莫紮特、海頓、貝多芬等同時代作曲家的贊同，並沿用至今。
小夜曲
壹種音樂類型是壹首用來向心愛的人表達愛意的歌曲。騎士文學起源於中世紀的歐洲，在西班牙、意大利等歐洲國家傳播。起初，壹個年輕人在夜晚對著愛人的窗戶唱小夜曲，傾吐愛意。旋律優美、委婉、纏綿，他常常用吉他或曼陀林伴奏。隨著時代的發展，其形式也有所發展。刊登在《國內外名曲》上的舒伯特和托西尼創作的小夜曲在世界各地廣為流傳。
幻想曲
自由形式，給人即興創作或自由幻想感覺的器樂。
諧謔曲
諧謔曲節奏強、速度快、輕松活潑的三拍音樂或原聲音樂。
序幕
有自由結構的短旋律。常放在結構嚴謹的樂曲或套曲前作為序言。
賦格曲
壹種復調音樂。賦格是在戲仿的基礎上，在16 ~ 17世紀的聲樂經典和器樂中由盲腸演變而來的。
賦格分為兩個主要部分:①呈現。依次指每個聲部中主題的初始陳述。開始時，主題在主音中單獨從某壹聲部進入，然後第二聲部在從屬音中模仿主題，稱為回答，而原主題聲部繼續與回答對立出現的旋律稱為回答。如果答案嚴格模仿主題，那就叫純答案；如果與主題形成防禦性模仿，則稱為防禦性回答。在賦格中重新出現時保持不變的對偶稱為固定對偶。經常隨主題變換旋律或回答問題的，稱為自由提問。呈現部分的主題條目數量等於賦格部分的數量。②開發部。根據賦格的總體布局，這壹部分可能是最後壹部分，也可能分為中間部分和再現部分。所以賦格有兩種類型:二段式和三段式發展部的主題進入相對自由，條目數量也無規律，調性轉換更為頻繁復雜。此外，根據樂曲中使用的主題數量，還有單賦格、雙賦格、三賦格等多種形式。
套房
由幾小段組成的管弦樂曲或鋼琴曲。其中，每首歌都有相對的獨立性。有古典和現代的套房。古代的組曲也叫“舞蹈組曲”；現代組曲也叫劇情組曲。
變體:
《變奏曲》寫的曲子叫《主題與變奏曲》，是由壹個主題加上自己的段落和根據這個主題重復的幾個段落組成的。
團
這原本是壹個天主教儀式。由於在宗教生活中的重要地位及其龐大的結構和1500年的歷史，群眾音樂可以說是歐洲最重要的宗教音樂形式。
為了區別於宗教儀式，我們稱其音樂部分為“彌撒”。彌撒分為“普通彌撒”和“特殊彌撒”。大眾通常指的是前者。普通大眾中的詞和歌是有固定搭配關系的。* * *分為1。慈悲經，2。榮耀經，3。信經，4。三在經，和5。羊羔經。
五個段落穿插著神職人員的朗誦，“特別彌撒”和不同內容的宗教儀式。彌撒也分不同的類型:如參加儀式的神職人員較多，普通彌撒的五首樂曲寫得完整而精致，稱為“盛大彌撒”或“莊嚴彌撒”，反之，如果沒有朗誦等宗教儀式，則稱為“音樂會彌撒”，巴赫的《B小調彌撒曲》和貝多芬的《莊嚴彌撒》就是音樂會彌撒的典範。
安魂曲
也稱為紀念音樂和紀念彌撒。顧名思義，我們可以知道它是彌撒的變體，用於悼念場合。我們現在聽到的安魂曲壹般是由管弦樂隊伴奏的合唱組曲。從這個角度來看，它的形式有點類似於清唱劇。傳統安魂曲都是宗教題材，歌詞都是拉丁文。所以勃拉姆斯在1860左右用德語歌詞寫的《安魂曲》被視為開山之作，這部作品也因此被稱為‘德語安魂曲’。現代作曲家也喜歡用這種體裁來表達莊重的哀悼。當然，拉丁語已經不再使用，也很少帶有宗教色彩。
交響詩:
李斯特(1811—1886)是19世紀匈牙利著名的作曲家和鋼琴家。他壹生最突出的貢獻是創造了壹種新的音樂體裁——“交響詩”。交響詩是19世紀的壹種“標題音樂”，它把壹首交響曲的四個樂章濃縮成更自由的單樂章交響音樂形式。交響詩壹般以文學作品為題材，強調文學意境與音樂發展的內在聯系，註重音樂形象的塑造和音樂的情感表達。交響詩作為壹種“標題音樂”，繼承了貝多芬《序曲》和韋伯《歌劇序曲》的標題和戲劇傳統，成為19世紀的主要交響音樂形式之壹。1854年，他的《塔索》在德國魏瑪演出時，李斯特第壹次使用了“交響詩”這個名稱。他認為，通過這種體裁，作曲家可以“再現他在其中的精神印象和經歷，以便與他們交流。”“交響詩”的出現與19世紀浪漫主義文學藝術的發展密切相關。交響詩作為戲劇交響樂的潮流，體現了19世紀不同類型的文藝形式“相互靠攏”的趨勢。“交響詩”是作曲家將音樂與文學、詩歌、藝術甚至哲學溝通的結果。“交響詩”是李斯特壹生為之奮鬥的藝術形式。李斯特寫了13首交響詩。其中，最著名的交響詩是《前奏曲》。這首交響詩也被稱為《生命的序曲》，是19世紀交響音樂寶庫中的經典之作。
歌劇
歌劇是壹種多元化的表演藝術，極具舞臺魅力——它不僅呈現音樂之美，還融合了文學、戲劇，甚至舞臺設計、時尚潮流等等。歌劇舞臺上呈現的，其實是我們日常生活的縮影。歌劇舞臺反映了我們的生活，而在歌劇情節中，妳可能會發現妳淺薄的個性，這種個性在劇中變成了壹個人物，真實地呈現在舞臺上。歌劇情節大多不脫離男女愛恨情仇，也不脫離民族意識和宗教神話，可以作為歌劇背景的主題。通過音樂和戲劇的結合，把妳的思緒帶入壹個跨時空的情境。壹旦妳接受了歌劇，妳會發現它是所有音樂形式中最感性的(聽覺和視覺)享受，讓妳不知不覺愛上歌劇，無法自拔！
清唱劇
宗教歌詞(包括戲劇、敘事、祈禱等)的長譜。)
清唱劇
源自意大利語“歌唱”壹詞，即歌唱音樂。它由詠嘆調、朗誦、二重唱和合唱組成，是壹種為聲樂家、合唱隊和器樂家表演的，以詩意的故事為基礎。最早的清唱劇主要用情歌進行獨奏或數碼低音伴奏。意大利作曲家羅西和賈科莫是清唱劇的先驅。清唱劇是指18世紀後期的宗教或世俗合唱作品，但不壹定包括獨唱，由樂隊伴奏，其內容往往是抒情的，類似於小型清唱劇。
藝術歌曲
18年底，09+65438年初，流行於歐洲的抒情歌曲的統稱。其特點是歌詞多采用名家名句，重在表達人的內心世界，旋律表現力強，表現手段和作曲技法復雜，伴奏起著重要作用。
音樂劇誕生於本世紀初的歐美，它融合了各種藝術門類的特點，緊密結合了音樂、舞蹈、戲劇的特殊魅力來塑造人物形象、表達情感，從而呈現出壹個完整的故事。其中音樂源於正宗的美國黑人爵士音樂，舞蹈融合了爵士舞和踢踏舞。65438年到0927年，羅恩·科恩的水舞臺迎來了音樂劇時代，插曲《老人河》在當時家喻戶曉，傳遍全球。此後，音樂劇以其獨特的魅力隨著各國的經濟發展而迅速持續繁榮，直至今日。
音樂的
今天的音樂劇主要包含三個要素:
1.充分發揮唱、舞、道的綜合表演。
2.大規模制作豪華壯麗的舞臺布景。
3.娛樂和文化交流的現代藝術水平。
音樂劇可分為音樂劇、舞蹈音樂劇和歌劇音樂劇。
再加幾個~ ~
什麽是巴洛克音樂？
巴洛克壹詞來源於葡萄牙語單詞Baroque，最初指珍珠的奇特形狀。最初是用來形容意大利雕塑家貝尼尼作品的風格，後來泛指17年至18年盛行於德國和奧地利的華麗輝煌的建築風格，集雕塑和繪畫於壹體。巴洛克壹詞在18世紀被引入音樂批評，被借用來形容與這壹時期相比的歐洲音樂文化風格，含有墮落、墮落的貶義。19世紀後，被藝術史學家肯定為壹種藝術潮流，壹般指1600-1750年巴赫和亨德爾發展的音樂，即音樂史上的巴洛克時期。
什麽是古典音樂？
古典主義的萌芽發生在巴洛克時代的意大利。後來由於維也納出現了海頓、莫紮特、貝多芬，形成了古典音樂。因此，音樂中的“古典學派”實際上指的是“維也納古典學派”。最早發生在文學藝術領域的古典藝術，以恢復希臘羅馬的古典藝術為目的，講究形式上的對稱與和諧，主要側重於對客觀美的追求。
浪漫主義音樂是古典音樂的延續和發展，是歐洲音樂史上的壹種音樂風格或時代。浪漫風格音樂註重情感和內容的表達，打破了古典音樂時期的各種形式約束。
貝多芬是古典音樂的終結者，浪漫音樂的先行者。浪漫主義音樂摒棄古典音樂的統壹性，強調多樣性，發展和聲的作用，刻畫人物的特殊品質，更多地運用變調和半音。韋伯是浪漫主義歌劇的代表，舒伯特是音樂的代表。
什麽是浪漫音樂？
浪漫主義音樂體現了廣泛影響和民族分化的趨勢。法國出現了柏遼茲，意大利出現了羅西尼，匈牙利出現了李斯特，波蘭出現了肖邦。浪漫主義音樂終結於瓦格納和勃拉姆斯時代。
什麽是民族主義音樂？
民族主義音樂在19世紀西方浪漫主義音樂中占有重要地位。浪漫主義發展於19世紀中後期，其思想文化已經滲透到歐洲大部分地區。許多相對封閉國家的作曲家繼承了德國、奧地利等成熟的主流音樂文化，創造性地結合自己民族的音樂素材，做出了傑出的、不朽的創作，顯示出音樂交流與碰撞的強大生命力，成為浪漫主義音樂延續的重要新生力量。但有條件孕育出具有民族色彩的音樂，並被世界廣泛接受，成為具有普遍意義的成熟音樂。按照郎的說法，“在文藝領域裏，只有質的加成才有價值”。壹種“民族”音樂“只有當它為世界藝術貢獻的新的聲音和色彩不僅僅是地方色彩時，才具有普遍的價值和重要性”。民族的性格、情感、生活環境，“如果客觀反映出來，就反映為普遍人類的典型，如果與人類社會有關，就可以成為普遍的藝術”，當壹件藝術作品的內部形式和色彩是民族的，但其內容是普遍的，就發生了融為現實世界藝術的過程。“由此可見，世界民族音樂的成熟至少需要兩個條件——壹個成熟的、有特色的民族本體文化和壹種能與世界接軌的通用情感語言。
什麽是印象派音樂？
從19世紀末到第壹次世界大戰前，在音樂史上被稱為“現代音樂”。這壹時期，以印象派音樂為代表的幾個音樂流派實現了從晚期浪漫主義向二十世紀現代音樂的過渡。1.音樂中的印象主義印象主義音樂產生於19世紀末，是壹種受“象征主義文學”和“印象主義繪畫”影響的音樂流派。印象派音樂有壹種完全抽象的超驗色彩，這是音樂進入現代主義的開始。它的曲式、織體、表現手法、基本審美觀點、藝術目的、藝術效果都與古典主義、浪漫主義有很大不同。古典音樂的創作原則和風格嚴謹而有規律，浪漫主義音樂則註重情感的表達和激情的發揮。相比之下，印象派音樂並不通過音樂直接描繪現實生活中的畫面，更多的是描述那些畫面給我們的感受或印象，渲染出壹種神秘朦朧的氛圍和基調。在音樂形式上，常采用短小不規則的形式，以更好地體現印象派音樂相對自由的特點。印象派音樂並沒有盛行很久，很快就被更加激進多樣的現代音樂所取代，但印象派音樂是音樂發展史上非常重要的壹個階段，從那以後，音樂藝術開始了根本性的變化。正因為如此，印象派音樂受到了極大的重視，其藝術性和重要性被越來越多的人所了解和認可。法國音樂家德彪西和拉威爾是公認的印象派音樂大師。此外，法國作曲家杜卡和意大利作曲家雷皮基也是印象派音樂的代表人物。二、法國印象派音樂和法國其他作曲家的作品壹樣，德彪西的音樂是標題音樂而不是絕對音樂。19世紀末，法國出現了壹批被稱為“印象派”的畫家和詩人。他們追求壹種夢幻般的美，所以作曲家德彪西試圖用音樂達到印象派用繪畫達到的效果。德彪西是現代音樂使用新和聲和音樂的先驅。他所構建的奇特而非俗世的音樂，主要使用了完全沒有半音關系的“全音階”，以及許多在空氣中根本聽不到的“泛音”。德彪西還在管弦樂隊中使用各種樂器的不同組合來產生柔和閃爍的聲音效果。剛開始人們聽他的音樂會覺得莫名其妙，但是習慣了就覺得很有趣。模仿德彪西的最重要的作曲家是他的同胞拉威爾，但拉威爾不像德彪西那樣大量使用全音階和聽起來奇怪的和弦。他更擅長從管弦樂隊中提取音色的深淺，這是無與倫比的。比如《波萊羅舞曲》，節奏和旋律壹遍又壹遍的重復，但這首西班牙舞曲，借助拉威爾對力度(由輕到響或由響到輕)的巧妙運用和音色的巧妙組合，聽起來變幻莫測，妙趣橫生。三、印象派音樂的影響印象派音樂是浪漫主義音樂和現代音樂之間的橋梁之壹。雖然這個音樂流派主要集中在19世紀末20世紀初的法國，但這種風格對現代音樂的發展起到了不可估量的作用。後來，20世紀的幾個音樂流派，如表現主義、十二音體系、序列音樂等，都在壹定程度上受到了印象派音樂的影響。