有兩種音樂，壹種是交響樂和輕音樂，另壹種是舞曲、流行音樂和爵士樂。
古典音樂常指嚴肅音樂，也指壹些公認的經典作品。
壹般演奏人數少於10，演奏古典音樂稱為室內樂。當每種樂器演奏壹個部分時，兩種樂器稱為二重奏，三種樂器稱為三重奏，八種樂器稱為八重奏，但鋼琴三重奏、弦樂四重奏和鋼琴五重奏最受歡迎。十人以上的稱為室內管弦樂。大型器樂演奏叫管弦樂隊，現代管弦樂隊也叫交響樂團、交響樂團。古典交響樂團成員超過30人，有時多達100或150人。演奏輕音樂和爵士音樂的樂隊，俗稱小爵士樂隊，壹般人數不多，但也有30人以上的輕音樂隊。現代舞樂隊不使用弦樂器，只是簡單地使用銅管和木管樂器作為主旋律樂器，與維也納華爾茲樂隊完全不同。
大型管弦樂隊的配置中，弦樂器數量約占60%，木管樂器約占15%，銅管樂器約占15%，打擊樂器約占10%。通常左前方是小提琴，中音在中間偏右，右前是大提琴，最右邊是大提琴。弦樂器後面是木管組，定音鼓在後排中央。小軍鼓、鈸和其他打擊樂器在定音鼓的左側。銅管樂隊在定音鼓的右邊。豎琴和鋼琴在中間的左邊。
管弦樂隊有四個主要部分:
(1)弦樂器
小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴(低音提琴)。
(2)木管樂器
長笛(橫笛)，短笛，雙簧管(英制管)，單簧管(黑管，單簧管)，巴松管(巴松管，巴松管)。
(3)銅管樂器
小號、長號(伸縮管)、法國號(圓號)和大號。
(4)打擊樂器
定音鼓、鼓、鈴鼓、鈸、三角、鐘、鑼、木琴、鋼琴等。
音樂的元素是聲音，作曲家無法像文字那樣清晰地表達自己的感情，只能用聲音的表達來喚起人的情感。音樂的四個基本要素是節奏、旋律、和聲和音色。節奏讓人想起肢體動作，旋律讓人想起精神情感。音樂通過旋律、節奏、聲音、和聲、音色的不同來表達情感。比如大調表示快樂壯闊，小調表示悲傷憂郁；緊張而短促的節奏表示憤怒，輕柔而悠長的節奏表示柔和，強音高表示熱情，低弱音調表示沈默；不和諧的聲音意味著鬥爭和爭執，和諧的聲音意味著和平與安寧；小號代表戰爭，雙簧管代表田園等等。
如何欣賞音樂？
每個人根據自己不同的欣賞能力和愛好來聽音樂。為了分析方便，我們把音樂的欣賞分為三個方面。
(1)美感
聽音樂純粹是音樂的快感，只有悅耳，只有感性的欣賞，沒有任何形式的思考，讓音樂的感染力把自己帶入壹個奇幻的境界。比如做事情的時候，打開音響，心不在焉地沈浸在音樂中。這時候光是音樂的感染力就把人帶入了壹種無意識但很有吸引力的心境。
美感在音樂中占有非常重要的地位，但也不應該讓它占據太多的位置。即使在這個聽音樂的初級階段，也要采用更有意義的聽法。
(2)表達
所有的音樂都有表達能力，音符背後總有某種意義，構成了作品的內容，能激起情感，這就是情感欣賞。
(3)純音樂
音樂除了愉悅的音響和表達的感情，還存在於音符和音符的處理中。為了跟隨作曲家的思維，有意識地去探索音樂的結構、主題的變化和作曲家技巧的運用，這是壹種理性的欣賞，是音樂欣賞的高級階段。
大多數聽眾不能完全理解這第三個方面。壹個明智的聽眾必須準備加強他對音樂素材及其發展的意識。他必須更自覺地去聽旋律、節奏、和聲、音色。跟著作曲家的思路走，了解壹些曲式的原理，顯得尤為重要。
理想的聽眾是壹個既能進入音樂又能超然於音樂之外的人。他壹邊欣賞音樂，壹邊欣賞，不斷加深對音樂的理解。
要理解音樂，唯壹的方法就是聽。從頭到尾認真聽，直到熟悉為止，才能加深理解。當妳聽到壹段旋律，能認出來，妳就有了欣賞音樂的條件。如果妳能聽出不同演奏者在演奏同壹首曲子時的差異，理解作曲家的想法，那麽妳就已經踏入了欣賞音樂的大門。
音樂有表達能力，所以它有某種意義，但無法用語言表達清楚，也不需要找到合適的詞語來表達音樂的意義。
音樂表現方法大致可以分為兩類:絕對音樂和節目音樂。以音樂本身為目的的音樂稱為純音樂，純音樂只由聲音和形式構成，與音樂本身以外的任何事物都沒有明確的聯系。大多數器樂，如交響樂和奏鳴曲，都屬於這壹類。以具體標題暗示文學、思想、繪畫等內容的音樂，總稱為標題音樂。
奏鳴曲是由四個獨立的樂章組成的器樂，每個樂章都有自己的結構和風格，分別由鋼琴、小提琴和大提琴演奏。鋼琴演奏叫鋼琴奏鳴曲，小提琴演奏叫小提琴奏鳴曲，大提琴演奏叫大提琴奏鳴曲，室內樂也是奏鳴曲。
協奏曲是由獨奏樂器和管弦樂隊在平等的基礎上共同演奏的器樂作品。協奏曲通常使用小提琴、鋼琴、大提琴或長笛作為獨奏樂器。
交響樂是由管弦樂共同演奏的奏鳴曲式器樂。通常分為四個樂章，音色的復雜程度和色彩的豐富程度是所有樂曲中最高的。
組曲是由若幹小段組成的管弦樂或鋼琴組曲，其中每壹小段都是相對獨立的。
序曲最初是指歌劇、清唱劇或戲劇總譜開場前由管弦樂隊演奏的器樂，但在現代，有專門為音樂會制作的單樂章管弦樂序曲。
前奏曲多為短小的管弦樂，常用於大型音樂和電影的前奏。
間奏曲是在戲劇或歌劇的場景之間演奏的音樂，具有暗示場景和改變觀眾氣氛的作用。也有獨立作品，形式相對自由，篇幅較短。
托卡塔是壹種以自由形式展現各種華麗技巧的鍵盤音樂。
小夜曲是黃昏或夜晚在戶外演奏的壹種獨奏或器樂，音樂意境感人，委婉含蓄。
夜曲是壹種格調高雅，充滿浪漫色彩的音樂。旋律充滿歌唱性，常帶有精致的裝飾音，並伴有琶音或和弦。它是小夜曲的壹個分支。
即興(1mpromptu)是壹種即興的器樂小品。
敘事曲是壹種具有抒情性和浪漫主義特征的器樂，具有其最初的敘事意義。
學習是壹種用來提高器樂演奏技巧的音樂。
諧謔曲也稱諧謔曲，是壹種速度快，節奏活躍明確，強弱對比頻繁突然的器樂。
幽默劇，瀟灑自由，具有幽默奇幻的特點。
隨想曲(Capriccio)是作曲家根據幻想創作的音樂的總稱，是壹種以自由的形式表現變化的音樂。
狂想曲是作曲家為英雄、民族或抒情主題創作的器樂。
幻想曲是壹種以幻想和自由為特征的器樂，是壹種帶有浪漫主義色彩、沒有固定形式的短小的器樂。
田園牧歌，曲調柔和，是模仿牧羊人使用的樂器發展而來的田園詩般的音樂。
貢多拉是壹種緩慢而搖擺的音樂，旋律優美流暢。
變奏曲是以某壹主題為基礎的器樂交響樂，以不同的方式演奏。它們也被稱為音詩，由李斯特首創。它們通常表現詩意和藝術的內容，只有壹個樂章，在結構上可以自由發揮，在音樂形式上不受限制。它們是比交響樂短得多的交響樂作品。
進行曲是用來伴隨團體前進的音樂，多為四拍，突出強拍。通常用管樂演奏，在軍隊中常用來使隊伍整齊，鼓舞士氣。還有婚禮、葬禮、凱旋慶典等遊行。
搖籃曲又稱搖籃曲，形式簡單，速度緩慢，主旋律輕柔抒情，節奏搖擺不定，以模擬搖籃搖擺的節奏使嬰兒入睡。
合唱最初是德國民歌和基督教贊美詩，後來成為器樂。
有六種舞曲。(1)圓舞曲，也譯為華爾茲，是壹種三拍舞曲，在每個小節都有翻拍，實用性和藝術性兼備。它的伴奏由低音的第壹拍和高音和弦的第二、三拍組成。主旋律流暢舒展，和聲和音樂結構簡單明了。Gavit，法國舞曲，2/2拍充滿活潑氣氛。⑧小步舞，原為法國民間舞蹈，中速3/4，是壹種緩慢而優雅的舞曲。(4)瑪祖卡(Mazurka)是壹種波蘭民間舞蹈音樂，具有中到快三拍，流行於農村地區。⑤波羅乃茲和馬祖卡壹樣，是波蘭舞曲的代表，流行於貴族社會，有獨特的三拍，速度適中，節奏莊重。也被翻譯成波蘭舞曲。⑥波爾卡，19世紀流行於波希米亞的快速雙拍子舞曲。
套曲是壹種輕松愉快的組曲。
浪漫最初是壹些以傳奇敘事詩為歌詞的抒情歌曲和器樂。
序曲是最古老的器樂體裁之壹，它在其他器樂體裁，尤其是交響樂和交響詩的發展中起著重要的作用。顧名思義，序曲可以比作壹部作品的序言或引言。在音樂上，最初指歌劇、清唱劇、合唱、芭蕾或其他戲劇作品演出前的前奏器樂，即主要是壹種嘈雜的音樂。然而，這種早期嘈雜的音樂非常簡單，其實只是幾聲響亮的小號聲，相當於今天劇院演出前的三次鳴響。最古老的民間集市舞臺或木偶戲就是如此，甚至在17世紀初的意大利歌劇中也是如此，比如蒙特威爾第的歌劇作品(1567-1643)。
17世紀末，兩種不同類型的戲劇序曲開始出現——法國序曲和意大利序曲。所謂法國序曲，是由法國國家歌劇院的創始人露莉·盧爾65438+Y (1632-1687)創立的。這種序曲以宏大、莊嚴、緩慢且往往是音樂性的引子開始，接著是壹段快速而活躍的音樂，多以復調風格寫成，最後重復開頭的緩慢音樂，或以緩慢的小步舞曲結束。這部法國歌劇序曲具有“慢-快-慢”的結構。另壹方面，意大利序曲也可以分為三個不同的部分，但它的第壹部分速度快，積極有力，其中插入了緩慢的，歌曲般的旋律，最後使用了快節奏的舞蹈段落，並經常使用意大利民間塔蘭泰拉或吉格的節奏。這樣，意大利序曲就構成了“快—慢—快”的結構。這部意大利歌劇序曲主要由意大利作曲家a·斯卡拉蒂(1660-1725)創作，可以說是壹個世紀後出現的多樂章交響曲的雛形。由於當時的法國歌劇主要用於波旁王朝的節日慶典，而意大利歌劇的受眾更廣，自然，意大利歌劇序曲在風格和內容上都不如法國序曲優雅高貴。而這兩種17、18世紀的歌劇序曲，與歌劇本身的內容和意境並無深層次的聯系。因為當時輕浮的觀眾在角色介紹之前總是忙著招待朋友，劇場秩序無法安靜，作曲家知道觀眾從來不關註序曲的演奏，所以他不想在這方面多花時間。就這樣，壹首歌劇序曲在不同的歌劇中被多次使用，已經司空見慣。無論作者還是觀眾，都沒人在意。
序曲作為壹種藝術形式，已經成為戲劇的重要組成部分，始於十八世紀下半葉。當時，德國歌劇作曲家格魯克在進行歌劇改革時，為序曲定下了劃時代的準則——他在自己的歌劇《北極》的導言中寫道:“我認為序曲應該暗示作品的主旨，並使觀眾在情感上為將要觀看的戲劇做好準備。”格魯克的歌劇《厄裏斯的伊菲革涅亞》序曲是當時這類歌劇序曲的優秀範例之壹。這種由格魯克首創的古典歌劇序曲，直到十八世紀末才最終定型，基本采用奏鳴曲式的結構。莫紮特的歌劇序曲大多屬於這壹類。
要保持序曲與歌劇本身的有機聯系，最簡單的辦法就是直接選取歌劇中與戲劇發展或旋律發展密切相關的片段(如詠嘆調等。)最能體現歌劇主角性格的作為主題。莫紮特的《唐璜序曲》和格林卡的《羅斯蘭和柳德米拉序曲》都是這方面的例子。但有些序曲與歌劇本身的主題無關，如莫紮特的《費加羅的婚禮》序曲，羅西尼的《塞維利亞的理發師》序曲。
貝多芬的序曲在音樂史上具有重要意義。在序曲這個小體裁中，他用簡單、凝練、高度概括的音樂形象表達了深刻的思想內容。他的戲劇序曲已經遠遠超出了壹般的“引子”功能，成為全劇中心內容的集中體現。
但貝多芬的才華還是在交響曲中得到了體現，序曲的發展最終落到了他年輕的同時代人，德國浪漫主義歌劇之父——韋伯的身上。韋伯的歌劇序曲無論是音樂主題還是情感色彩，都與歌劇本身息息相關，成為壹種精致的聲音和畫面，將聽者引入歌劇的情感氛圍。韋伯的歌劇《自由射手》《奧布朗》《尤蘭蒂》都是這類代表作。
19世紀上半葉是浪漫主義歌劇序曲的黃金時代，隨後，序曲的影響力明顯消退。原因有二:壹是19世紀下半葉，壹些作曲家，如瓦格納，認為歌劇本身就足以說明戲劇故事的情節，序曲不需要涉及故事的內容。因此，許多作曲家傾向於縮小序曲的規模。我更喜歡切換到較短體裁的前奏，僅限於在幕前醞釀壹種情緒；其次，當時抒情劇院的新觀眾壹般都是誠心來看演出的，也有壹定的欣賞能力，沒必要用響亮的音樂來拖延開場時間。其結果是，就像19世紀末意大利作曲家普契尼的歌劇《波希米亞人》壹樣，幾乎只有幾個小節的引子，就馬上轉到了歌劇的第壹幕。
除了歌劇序曲，19世紀的許多作曲家也熱衷於創作壹種新的不起到“前言”作用的序曲。這個序曲不從屬於任何戲劇作品，但它往往有壹個標題，與某些詩意的內容有關，如古典文學或民間作品創造的意象和情節、民間生活的畫面等。這個獨立的標題序曲叫做音樂會序曲。它的創始人是德國作曲家門德爾松。第壹部專門為音樂會演奏而寫的序曲是他的《仲夏夜之夢》序曲。頭條音樂會的序曲有很多，比如門德爾松的《手指的洞穴》、格林卡的《西班牙序曲》、柴科夫斯基的《1812年的莊嚴序曲》和《羅密歐與朱麗葉的幻想序曲》。其中壹些序曲實際上是標題交響曲或交響樂的變奏曲。
在音樂史上，樂器的分類通常與配器密切相關。樂器的分類不僅反映了人們(民族、人類)的生活習慣和風俗，更重要的是反映了當時人類認識的各個階段的音樂生活內容、音樂形式、科技水平和生產力...中國古代樂器最重要的分類是“八音分類法”，即根據樂器制作的材料，將中國古代樂器分為八類。西周(約公元前11世紀-公元前771年)出現。
“普通話？周瑜治下？《靈州論樂》曰:“所以，最重要的樂器是細，而最重要的樂器是大，所以金上輿、石上轎、瓦上宮(瓦是土、陶等。)，竹的還在討論中，木的就換了。“八音是金(如鐘、都鐸)、石(如清)、絲(如琴、瑟)、竹(如簫、池)、舒(如笙、茹)、土(如茹、茹)、革(如茹)
民樂中還有壹種分類，大致將樂器分為吹、拉、彈、奏四類。如:奏(嗩吶、笛子)、奏(胡琴)、奏(三弦、琵琶)、奏(揚琴、鈸)。
西方音樂分為五類:
(1)木管:單簧管和長笛，單簧或雙簧(後來用金屬制成)的樂器，如雙簧管和巴松管；
(2)銅管:由金屬制成，最初由木頭制成。早期的實物只能演奏全音階甚至兩個八度以內的泛音，如小號、圓號、大號；
(3)打擊樂器:鼓、鈸、響板；
(4)鍵盤:從最初的自然鍵盤到後來的揚克四分之壹鍵盤(與傳統東方樂器不太相似)，如鋼琴、大鍵琴、管風琴；
弦樂器:弦樂器的種類從紡織品、羊腸線、鯨骨、鋼到尼龍...如琵琶、小提琴、吉他和豎琴。
庫特。薩克斯(Kurt Sachs 1881—1959)和Hornbostel根據聲學原理對不同時代和文化的樂器進行了研究和分類，並在1914(第壹次世界大戰爆發)設計了壹套區分五類樂器的術語[後來稱為“薩克斯(薩克斯
(1)體唱樂器:用自然發音材料制作的樂器，如青、三角鐵(2)膜唱樂器:有拉伸膜的樂器，如定音鼓、小鼓、腰鼓；
(3)氣鳴樂器:包括無簧管振動和使用自由振動簧舌的樂器，如風琴、笙等；
(4)弦樂器:弦樂器，如小提琴、三弦等；
(5)電子樂器:電子、電聲類，如電子琴、電風琴。
八角劃分是歷史上就有的分類，現在已經不用了。體現了中國古代的科技水平，也反映了當時重技術輕理論的社會狀況(及其對人文形態的影響)。八度劃分其實是壹個相對初級的技術劃分。因為中國歷史上從來沒有“科學”，只有技術和工藝，所以這種分類很不幸地未能體現和貫徹科學原理。按照這個分類，銅鼓和編鐘屬於金，陶鐘和銅鐘屬於土和金。所以八度法在實際的音樂演奏、組織、活動中未必實用。它只是體現了中國古代學者的初步整理和他們試圖整理。吹、拉、奏生動地體現了樂器的演奏方法。民樂通常用於婚喪嫁娶或自娛自樂，沒有固定的樂隊安排。參與者的數量和方法是靈活的，通常壹個人同時演奏幾種樂器。和壹起演奏的人也許能演奏這種琵琶和阮。而且學民間樂器的教授是師徒型，手工作坊和手工藝特色很強。吹拉子彈的分類很好理解，也符合手藝的特點，類似於泥瓦匠和制革工的區別。因此在民間廣為流傳，占據主導地位。
其實西方古典樂器的分類也有很強的手工藝特征，也不科學——比如現在的木管樂器都是金屬的，而最初的銅管樂器是木頭的，但是木管和銅管的名稱已經固定了——也不系統。之所以存在，是因為其背後還有另壹個系統的、理論的規律:協調人法，使得這種分類有了它的實用價值和規律。配器是為管弦樂隊作曲的藝術，講究樂器的音色、技法、演奏和有效音域，以及樂器的組合、運用和配樂調配。從根本上說，配器法是建立在樂器的這種分類基礎上的，也使得西方樂器的這種分類得到了有效的應用——這種應用也許並不嚴格科學，但卻體現了科學的精神和理念。
所謂“薩克斯(樂器)分類”，其實並不是壹個準樂器分類。只是薩克斯根據自己提出的五個術語(甚至不是概念)對樂器的分類。雖然已經初步系統化、結構化，但還沒有完全精確化、科學化。是因為音樂中使用的聲音材料廣泛、復雜、多樣...這就決定了用來產生這種聲音的工具越來越精良，越來越復雜(包括演奏方法)。我們的分類總會趕上來的，這是人類科學的驕傲，也是藝術的癢處，樂器的分類壹方面致力於嚴謹的科學體系，另壹方面又要有效地指導不斷變化的音樂和音樂生活與實踐，不是壹朝壹夕可以做到的。“薩克斯(樂器)分類”是現存最好的分類。是目前所有樂器分類中最科學最嚴謹的分類。我們應該繼續建設這座大樓，豐富它，改善它。這甚至需要幾代人的努力，因為這門學科越來越融入越來越多的科學成分和技術含量，更重要的是還有結構越來越復雜、內容越來越豐富、越來越生動的現代和未來音樂。