而現代作曲家多由電腦作曲家伴奏，采用MIDI或直接錄音的方式來完成這首曲子。樂理的應用是壹致的，但不同時代做出的歌曲也各有特色。樂理說到底就是作曲理論。但由於過於專業化，很難普及。這裏只簡單介紹重要的內容，為自學者提供方便。1.和聲和聲學是研究多種聲音同時發聲的效果和規律的學問。如果把旋律比作“骨頭”，和聲就是“肉”。只有和諧，聲音才能變得飽滿、和諧、優美。和聲和聲學很重要，是所有樂理的基礎。很多音樂家都為和聲和聲學做出了傑出的貢獻。但是和聲由於內容繁多，規則繁多，不容易學。中篇小說《妳別無選擇》(劉索拉《新時期爭鳴作品》)中的教授聲稱自己八年都沒學好，可見難度之大。但是掌握和聲的基本知識是最有益的，值得壹試。下面簡單介紹壹些重要的基本概念和術語。由根音、上三度音和上五度音組成的和弦稱為三和弦。三和弦是構成和弦功能的最基本和弦，使用最多。三和弦按結構分為“大三和弦”、“小三和弦”、“減三和弦”(只有壹個)。按功能可分為“主和弦”(以主音符為根音的三和弦)、“從屬和弦”(從屬音符的三和弦)和“從屬和弦”(從屬音符的三和弦)。此外，每個三和弦都有兩個移調和弦。主語、屬、從三個和弦稱為“正三和弦”，其他四個稱為“輔助三和弦”。這四個小三和弦分別屬於“從屬功能”組和“從屬功能”組。現在把自然音階的七個音組成的原位三和弦全部分類如下:根功能類符號1主和弦大三和弦T(或ⅰ)2第二和弦(屬類)3第三和弦(屬類)3第三和弦4次和弦大三和弦S(或ⅳ)5次和弦大三和弦D(或ⅴ)6第六和弦(屬類)3第六和弦7第七和弦(屬類) 由第三個音(根音的第七個音)疊加在第二十七和弦、第九和弦和可變和弦的三和弦上形成的和弦稱為第七和弦。 第七和弦是不和諧的。最常用的七和弦是“七和弦”(七和弦構成的七和弦)。大和弦和負七和弦是經常遇到的。如果在第七和弦上加上第三個音(即根音的第九個音)，就是第九和弦。九和弦也是不協和和弦。如果壹個和弦不是根音，而是被改變成另壹個音，而不遵循原來的規則，那麽這個和弦就被稱為“可變和弦”。九和弦和變和弦的功能色彩比較特殊，很難把握，所以很少使用。基本不會出現在簡單的作品中。三聲部和聲壹般由高音、中音、次中音、低音四部分組成。在寫和聲的譜裏，高音在上面，低音在下面，中音和男高音都在裏面。所以高音和低音部分常被稱為“外音部分”，中音和次中音部分則被稱為“內音部分”。高音部分壹般是主旋律部分；兩個內聲主要是配置和聲，也就是常說的“填聲”。在和諧連接的過程中，內部要飽滿穩定，不允許各部分交叉。低音永遠是和聲中最低的音，決定著根音，所以它不僅起著基礎的作用，還引領著和聲的方向，作用非常重要。“四和聲”的寫作是作曲的重要技巧之壹，作品無論大小，都要從這裏開始(主旋律確定後，就要開始和聲寫作)。配器將和聲織體具體化。(因為不同的樂器屬於不同的聲部，所以樂譜可以按照和聲聲部來寫，也可以按照樂器來分組，比如弦樂聲部、銅管樂器聲部、木管樂器聲部...)不同作曲家的和聲風格是不同的:氣勢磅礴，渾厚大方，或清澈通透。比如瓦格納的作品就以氣勢磅礴著稱。第四，和聲的進步、聯系和“解”要在音樂的過程中不斷地轉化、變化和懸浮；正因如此，所有的聲音都要進行適當的過渡和連接。所以這是寫和聲的基本功。調和級數的基本特征是從“穩定”到“不穩定”，再到“穩定”；從“和諧”到“不和諧”再到“和諧”的交替循環其功能的圖式是:T-S-T，T-D-T或t-s-d-t，這就是小說《妳別無選擇》中多次提到的所謂“功能圈”。小說中也提到了“解”這個詞。這是指不協和和弦(如第七和弦)在連接過程中轉化為協和和弦的方式。基本規則是將每個聲部的音轉移到它們最接近的協和音，如7→1；4→3等。；和聲保持不變。論和聲的力量，《妳別無選擇》中名叫森森的高飛熱衷於模仿貝多芬，卻因為貝多芬的力量，整天在鋼琴上砸來砸去尋求力量。他的壹句口頭禪是“狗屎，實力！”通常強度是指聲音強度，用文字表示，如“P”表示“弱”，“F”表示“強”，“sf”表示“極強”等等。但這裏的力度是另壹個概念，否則用腳踩鋼琴的“力度”壹定會超過貝多芬。小說中的“力度”主要是指音效的力度，也就是和聲的力度。和聲的強度大概與和弦中包含的泛音系列的共振譜有關。所以也跟零件數量和間隔距離有關。壹般來說，小和弦的力度沒有大三和弦強；單個音程的強度沒有復合音程(超過八度的音程)強；協和和弦沒有不協和和弦強(減和弦除外)。這就是森森“在九和弦上疊加壹個七和弦”的原因。*如何學習和聲學(1)。充分理解基本概念，不必死記硬背規則。聲學規則數量眾多但有限。況且，記住這些“禁止”也不會犯大錯，所以還是先記住“禁忌”吧。(2)堅持做操。音樂不同於數學和物理。它沒有絕對的標準，習題不是壹個答案。只有多做多練，才會記住，才會提高。(3)多聽名曲。這其實是最有效的手段。初學者可以聽簡單易懂，好聽的歌。2.形式主義曲式是指音樂的結構形式。有單、二、三、變奏曲、奏鳴曲、回旋曲。每個主題段落用“A，B，…”來表示。比如“二段體”的音樂圖式是“AB”；“三段”的圖式是“ABA '”，第三段A '與第壹段基本相同。兒歌多為兩段甚至壹段；流行歌曲多為三步曲。“圓舞曲”通常是回旋曲。3.復調“復調”是相對於“主旋律”而言的。如果只有壹個聲部充當主題旋律，其他聲部只是作為陪襯，這樣的音樂就叫主音音樂。如果旋律聲部不止壹個，而各個聲部在橫向上相互獨立，在縱向上又形成和諧的關系，形成壹個和諧的有機整體，那麽這樣的音樂就叫做“復調音樂”。在復調音樂中，每個聲部的旋律按照主次關系分別稱為“主旋律”和“副旋律”。只有壹個主題。復調是壹種重要的作曲技術，被廣泛應用。其理論基礎是和聲聲學。“賦格”是復調形式之壹，巴赫發展了它的技巧。4.對位是復調音樂的寫作手法之壹。它以和聲聲學為基礎，使每個聲部既和諧又相對獨立。比如重合唱(三重奏、四重奏)就是用對位法寫的。對位法可分為“嚴格對位法”和“模仿對位法”。俄羅斯和德國的音樂理論家尊重和遵守嚴格的對位法。5.旋律就是旋律。它是壹首音樂區別於其他音樂的根本特征，就像壹座建築的風格和節奏。“音位”構成“理據”，理據進壹步發展為主題，形成旋律。具體來說，就是將某種“音型”和“節奏型”按照特定的節奏規律組合起來，形成壹段旋律。旋律是視覺的:它體現在旋律線上(符頭的連接線)。早期有些音樂人追求“旋律線條之美”，認為好的旋律也應該是視覺上的美。旋律創作靠的是天才、靈感和練習。旋律寫作的技巧性很強，發展手法多種多樣，最為豐富。常用的開發技巧有:重復、建模、模仿、收縮、擴展、變化、對比、變異等。大部分概念要用板書和視聽來解釋。(見音樂鑒賞講座(三))。6.管弦樂配器(Orchestral orchestration)是管弦樂的壹種寫作手法，所以也被稱為“管弦樂”或“樂器的方法”。而所有樂隊的演奏，甚至流行歌曲的伴奏，都離不開配器的使用，所以學習壹點配器知識是很有實用價值的。學習配器就是要解決以下問題:各種樂器的發聲原理、音色、音量、演奏方法，各種樂器之間音量的匹配關系，正確選擇樂器，才能正確表達作品的主題和風格。現在假設壹個例子:我寫了壹首小提琴協奏曲。但是小提琴手拿到樂譜，來找我說，我不會彈。我堅信寫作沒有錯:優美的旋律，飽滿的和聲。有什麽問題？可能有三個。第壹，樂譜的音域不對，上限或下限超出了小提琴的音域。第二，我把三和弦寫成三個音符，但小提琴只能同時演奏兩個音符，鋼琴家不會。三、和弦音程過大:比如壹個音在G弦(四弦)，壹個音在A弦(兩弦)。它們之間有壹根線。怎麽能讓他(她)玩呢？！再比如某鄉鎮企業買了壹堆外國音樂，組了個樂團，排練節目，請專家過來指導。列車員看完可以搖頭，表示幫不上忙。原因是(1)樂器數量不匹配，有的超過大樂團；(2)專業音樂家不註重配器，很難統壹演奏。以上兩個案例的失敗原因都是因為對適配器常識的無知。此外，在流行歌曲的伴奏中，如果配器方法運用不當，可能會出現壹些問題，如“亂調”、“篡奪主持人角色”等。但是電聲樂器的發音、音色、功能特點、演奏技巧與傳統樂器有很大的不同，所以傳統的配器方式基本不適合純電聲樂隊聽自己的音樂。有必要寫下妳哼唱的旋律...這是靈感。如果妳不寫下來，下次就沒那麽容易記住了...或者妳可以先自己錄然後把樂譜撕出來~所以聽力壹定要好~
還要註意詞組的動機什麽的~就是前後杠的銜接要協調，要照顧到~
這些都是我自己的感受，覺得好就行~寫主流歌曲的要求不是很嚴格。古典歌曲的需要更多~
建議:有時間可以扒壹扒別人的歌，感受壹下別人作曲的方向，起伏，結構，對自己也有好處。
靈感是自己的~沒有規則~老師教不了妳怎麽創作~
記住，靈感來了，壹定要抓住~