音樂的巴洛克時期壹般認為大致是從1600到1750，也就是從蒙特維爾到巴赫和亨德爾。1750年，復調大師約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的去世，標誌著巴洛克巔峰時期復調音樂的結束，巴洛克時代的終結。這個時期之所以被稱為巴洛克，是因為壹個時期的音樂表現手法和方式基本上都有壹些相似之處，所以用這個術語來標記它並沒有什麽特別的意義。巴洛克壹詞來自法語，其來源是葡萄牙語barroco，意思是形狀不圓的珍珠。最早是巴洛克末期的評論家在評論這壹時期的音樂時使用的，壹般含有貶義，指的是粗糙的音樂，奇怪而誇張的音樂。巴洛克之後的古典時期的音樂家傾向於簡化和規範音樂語言。在他們看來，巴洛克音樂過於張揚，不夠規範。因此，巴洛克壹詞被批評家用來指代17世紀和18世紀早期的藝術和音樂作品。如今，隨著時間的推移，我們可以用更深入細致的歷史眼光來看待這壹時期的音樂。巴洛克不再有粗糙、粗獷的含義，但與巴洛克前後的音樂作品相比，確實具有誇張、有些不規則的特點。
文藝復興時期的藝術註重清晰、統壹和協調。但到了十六世紀末，藝術中的情感因素日益增多，清晰、明確、完美的形式被表達感情的需要淹沒了。在美術方面，可以從卡拉瓦喬(1573-1610)色彩豐富、富有戲劇性的畫作中看出。在音樂上，我們已經從馬倫齊奧和卡洛·格蘇阿爾多的牧歌和道倫德的古歌中看到了端倪，他們的下壹代有了進壹步的發展。為了產生這些強烈的效果，必須發展壹種新的音樂風格。總的來說，文藝復興時期流暢的復調音樂已經不適合新時期所需要的特點。巴洛克時期最重要的創造是“對比”的概念。文藝復興時期的音樂流暢，所有聲部(通常是四到五個聲部)交織同步。1600以後，這種織體越來越少使用，只能在教堂音樂中見到，因為教堂音樂受傳統固定禮拜儀式的束縛，所以最保守。
“對比”可以表現在不同的方面:聲音的高低；快慢速度(快慢段落之間或快慢聲部之間的對比)；強勢和弱勢；音色的差異；獨唱(歌唱)和合奏(合唱)等等。這些都存在於巴洛克時期的音樂結構中，各有各的位置。巴洛克時期的很多音樂家都使用協奏曲或者復合協奏曲(這個詞本身就意味著明顯的對比因素)。這種形式的基本特征是織體的變化，有時是壹個聲部(獨唱)或幾個聲部，有時是更大的團體合奏。
最明顯、最強烈的反差是，當時出現了壹種叫做“monody”的新流派。是獨唱歌曲，上面有流暢的人聲部分，配以琵琶或大鍵琴，伴奏較慢。這壹流派的代表人物(某種程度上可以說是創作者)是作曲家兼歌手卡奇尼。約1545-1618)在他劃時代的作品《Lenuovemusiche》中，人聲的旋律根據歌詞的含義變化很大，在節奏和織體上可以從很簡單到很有裝飾性；而且與幾乎固定聲音類型的伴奏部分形成對比。卡奇尼屬於佛羅倫薩的“Camerata俱樂部”(壹個由音樂家、詩人和貴族組成的團體)。上世紀七八十年代，他接觸到了再造古希臘音樂中表達感情的觀點這壹概念。這個組合沿襲了這壹理念，采用了“壹部曲”的形式。
文藝復興時期的音樂幾乎不考慮“伴奏”這個詞。作為壹種理念，屬於巴洛克時期，也就是說樂器的位置不壹樣。其實巴洛克音樂最重要的特點就是它的伴奏，也就是通奏低音。通奏低音演奏者在大鍵琴或管風琴(或彈撥樂器琵琶或吉他)上演奏低音，上面的數字指示他應該演奏的滿弦和弦。通奏低音常由兩人演奏，壹人配大提琴(或中提琴或巴松管)之類的可以延伸。
音響樂器演奏低音部分，另壹個人演奏填充和弦。這個使用通奏低音的織體是:人聲或樂器的旋律部分在上面，低音樂器在下面，和聲在中間，這是典型的巴洛克音樂。上面常有兩個聲部，有時是為兩個歌手寫的，有時是兩把小提琴(此時稱為三重奏鳴曲)。這種結構在巴洛克音樂中也很典型，尤其是通奏低音，這表明低音產生的和聲概念對巴洛克音樂是多麽重要和核心。這個概念的出現並不突然。在16世紀，復調音樂中的低音聲部是與上述線條區分開來的，但直到巴洛克時期，這種風格才被明確確定下來。
與上述變化壹起，並與之相關的，是放棄復調(更準確地說，復調音樂已經成為壹種老式的方法，幾乎只在教會中的某壹種音樂中使用)。重視和聲必然會導致壹首樂曲中出現幾個和聲級數的終止點，稱為終止點或收斂點，是由壹系列具有壹定水準的和聲級數形成的。與此相關的是節奏的進步。在聲樂中，旋律必須遵循(甚至誇張)語言的自然節奏來表達歌詞的情感。對器樂中的舞蹈節奏有用(包括壹些聲樂，尤其是合唱)。因為低音使用了舞曲的節奏，所以加速了調性的發展和向某壹特定音調的傾向。同時，新的樂器的出現也加速了這壹進程，其中最重要的就是小提琴家族。當時的提琴琴發音適合復調音樂的清晰度，但缺乏節奏力量感。然而，小提琴幹凈活潑的弓動作和演奏輝煌的技術音樂的能力適合演奏舞蹈節奏音樂，它比單聲部歌曲更能演奏技巧。聲樂風格和器樂風格的交替是典型的巴洛克技法，巴洛克音樂中為了新穎和效果有兩種不同的風格。
巴洛克早期的重要音樂形式是單聲部歌曲(相對於前期的復調音樂)以及與之相關的歌劇和清唱劇，強調聲音和音樂的緊密結合，在歌劇中也有布景的作用。單體音樂不使用對位法，其曲式是旋律與低音相結合而發展起來的，如分段曲式、回回音樂結構、重復低音部分上的變奏等。在樂器方面也有相應的發展，比如適合演奏通奏低音的合奏樂器，適合演奏小提琴而不是提琴家族的樂器。Violqin的家庭樂器更加靈活，可以演奏更高的音域。
第二，巴洛克時期歐洲各國的音樂
在巴洛克時期，音樂藝術得到了前所未有的快速發展。並促成了後來洛可可藝術的興起。這壹時期的音樂在德國、意大利和法國最具代表性。
1.巴洛克時代的德國音樂
巴洛克時代的德國音樂，以徐慈、巴赫、亨德爾為代表。如果把中世紀以來的復調音樂比作壹座金字塔，他們的音樂就像塔頂，因為他們不僅吸收了文藝復興以來的意大利新音樂，還開辟了壹條全新的道路。徐慈(1585-1672)24歲赴意大利留學，師從威尼斯音樂學院的大加布裏埃利(1557-1612)。回國後發表了第壹部德國歌劇《達芙妮》，後來又寫了許多激情。徐慈剛好比巴赫和亨德爾晚了壹百年，他的風格對這兩位巴洛克大師的創作有著重要的影響。
亨德爾和巴赫的音樂作品，無論是在傳統音樂的綜合上，還是在追隨新思潮上，都放射出音樂史上的異彩。亨德爾的作品多為歌劇和清唱劇，他的器樂也包含強烈的聲樂因素，明顯受到意大利的影響；巴赫的音樂在聲樂作品中包含了強烈的器樂因素，為古典時代的到來奠定了堅實的基礎。
2.巴洛克時代的意大利音樂
歌劇這壹偉大的藝術形式誕生於“音樂的搖籃”——歐洲文明古國意大利。在當時的佛羅倫薩，有許多偉大的藝術家和壹批對古希臘藝術非常感興趣的貴族，他們決心賦予希臘戲劇新的生命，這些貴族開始為古希臘故事作曲，合唱隊穿上服裝演唱整個故事，這就是歌劇的雛形。後來故事裏的角色都是歌手來演；合唱節目之間，男女歌手分別是獨唱。當人物的文字柔和時，臺詞被當作半唱半說，像聖歌，稱為宣敘調；而強烈的感情是用真實的旋律來表達的，這就叫詠嘆調。然後，專門用詠嘆調來炫耀歌手優美的音色。當時，無論是在意大利、英國還是德國演出歌劇，其詠嘆調總是用意大利語演唱，而宣敘調部分則用本國語言演唱。
在意大利巴洛克音樂中，有可以與早期歌劇相媲美的弦樂。當時戲曲的古代序曲和協奏曲主要是弦樂。這壹時期的意大利小提琴家很多，比如朱塞佩托雷裏(1650-1708)、考勒裏(1653-1713)、維塔利(T.AntonioVitali)、1665-1735)、維瓦爾第(AntonioVivaldi，1675)這些音樂家不僅是著名的小提琴演奏家，也是小提琴音樂的作曲家。在意大利北部阿爾卑斯山的克雷莫納中，小提琴制作者可謂是層出不窮，如阿瑪蒂、瓜內利、斯特拉迪瓦裏等。他們精心制作的小提琴依然活躍在舞臺上，展現出無盡的藝術魅力。
歌劇的序曲必須分為快開始、慢中間和快結束三個部分，後來成為協奏曲和交響樂的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦樂器仍然是管弦樂隊中不可或缺的樂器，也是極其重要的室內樂和獨奏樂器。可見巴洛克時代的意大利音樂影響深遠。
3.巴洛克時期的法國音樂
當時，在法國巴黎，歌劇和古鋼琴音樂在各個王公貴族的宮殿裏非常流行。這壹時期的法國歌劇是從意大利歌劇傳統中獨立出來的，並接近於芭蕾舞的形式。巴洛克時代，法國最具代表性的歌劇作曲家是JeanBaptisteLully(1632-1687)。他的歌劇簡潔、清晰、悠揚，同時具有很強的舞蹈性。其內容辛辣、幽默、精辟。
與歌劇同時，古鋼琴音樂盛行。古代的鋼琴往往飾有巴洛克文化，這是現代鋼琴配大鍵琴的前身。當時的古琴大師有庫普蘭(1668-1733)和莫拉(1683-1764)。他們為古代鋼琴曲寫了許多組曲，其中許多至今仍被廣泛使用。1722出版的《和聲聲學概論》(雷默著)是音樂史上最早的和聲聲學理論著作。