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服裝案例插畫師——當代世界最火的時尚插畫師是如何煉成的?

服裝插畫師的工作是什麽?服裝插畫師的工作如下:

1,服裝圖案設計與配色。

壹個好的服裝插畫師首先要懂得服裝搭配,所以平時要多看服裝搭配方面的書,在工作中善用流行元素設計服裝,緊跟時代潮流,甚至走在時代前端。

2.畫服裝插圖。

服裝插畫師的主要工作就是畫圖。搭配好衣服後,要在藝術品上表現出來。

3.用計算機對手繪稿進行後處理。

壹份好的手繪稿,經過電腦處理,可以壹龍點睛。所以,壹個插畫師不僅要會手繪,還要學會繪圖的電腦軟件,並且操作熟練。

4.時尚人物速寫。

插畫師不僅要描繪衣服,還要在衣服上畫出人物,或妖嬈或明亮或簡單的人物素描。

當代最熱門的時尚插畫師!是怎麽做出來的?他是最炙手可熱的插圖畫家。

也是時尚最好的代言人。

大衛唐頓,大衛唐頓,

1959出生於倫敦。

從小到大,

對他來說最好的款待就是壹張大白紙。

然而

大衛沒想到的是,

時間長了,他就可以靠畫畫謀生了。

▲大衛·唐頓年輕的時候在畫畫。

▲畫室是自己的畫,不亞於畢加索的畫室。

▲妳可以在壹個“有趣且有知識性”的工作臺上創作出令人驚嘆的作品。

大衛最初學習平面設計,

他的第壹部作品是在20世紀80年代初。

計算機雜誌的封面。

▲大衛·唐頓在紐約的1998時尚插畫。由墨水和醋酸纖維素紙制成。

▲大衛·唐頓為克裏斯汀·拉克魯瓦(Christine Lacroix)拍攝的1998時尚插畫,采用墨色盒紙。

有15年,

大衛是壹名自由職業的插圖畫家。

不管發生什麽,

他喜歡自由插畫師的生活。

▲大衛·唐頓為讓·保羅jean paul gaultier設計的時裝的1999插畫。黑色連衣裙搭配黑色墨鏡更出彩。大衛以凱特·莫斯為原型,以流行風格展現時尚的經典魅力。該作品在時尚界頗有名氣,是近年來時尚插畫領域最具代表性的作品之壹。

▲大衛·唐頓為華倫天奴拍攝的1999時裝插畫。與拉克魯瓦、埃裏克等人相似,他的色彩充滿了現代感。

▲大衛·唐頓1999倫敦時尚插畫PalomaPicasso。由水粉、墨水盒紙和醋酸纖維紙制成。

▲大衛·唐頓1999在倫敦完成剪紙瓶貼,以伊曼為模特。潘通紙上塗有醋酸纖維紙,然後塗上墨水。

大衛的作品線條簡潔流暢。

很有質感,風格也不做作。

壹個可以很好展示的優美姿勢。

因為這種獨特的繪畫風格,

有人開始邀請他做時尚插畫。

其中,它包括

卡門·戴爾·奧利菲斯,壹個85歲的神話,

她也是大衛的繆斯之壹。

▲大衛·唐頓2000年在紐約的時裝插畫,模特是卡門·戴爾·俄耳甫斯(Carmen Dale Orpheus),設計師是蒂耶裏穆格勒(ThierryMugler)。這幅畫首先用油畫棒畫在潘通紙上,用醋酸纖維素紙覆蓋,然後用墨水畫。

▲大衛·唐頓2001為歐洲某著名時尚雜誌主編安娜·佩吉畫像。他成功俘獲了這位“時尚教母”的靈魂。誇張的配色,俏皮的表情,桀驁不馴的態度,結合看似狂野卻非常純熟的筆觸~完美!

▲大衛·唐頓在2002年為香奈兒的設計總監阿曼達·哈裏特畫了壹幅肖像。

他壹直對拉克魯瓦,安東尼奧,

艾瑞克,這些藝術家很崇拜妳。

因此,

早期繪畫風格中的色彩和線條有相似之處。

他為雜誌制作高級時裝展覽的插圖。

從65438年到0997年,他開始活躍在巴黎高級時裝秀上。

壹開始,他眼花繚亂,完全沒有準備。

但是,

巴黎時裝秀真的是,

激發藝術家的靈感。

巴黎有最漂亮的女人和最好的設計作品。

這裏的壹切都很迷人。

當模特走貓步時,

大衛從不畫畫。

因為他發現這是不可能的,

他只是拍照或者看手表,

真正感受每壹個感動的瞬間。

他抓住任何其他機會畫畫,

模特壹動不動的任何時刻都逃不過他的眼睛。

例如,在裝配過程中,

有時候甚至在發布會上模特休息的時候。...

▲化妝品也是他的工具。是筆與筆之間的纏綿,兩種色調都適合。

大衛說:“當我剛開始畫畫的時候,我認為根據舞臺上的走秀還原衣服本身是我的責任。”但是,我第壹次參加時裝秀是在範思哲的秀場上。凱特·莫斯失蹤前,我只畫了她的手臂!所以,欣賞當前車型所展示的任何細節都是最好的選擇。"

▲選秀也在動。

大衛認為最重要的是衣服下身體的感覺。

然後就是比例、顏色等壹些細節。

然而,這更難做到。

▲選秀也在動。

大衛畫了無數設計草圖,

然後選擇最好的,

畫的差不多了,他就開始淘汰。

“分解-重構”它們。

他繼續畫畫,

直到它們看起來自然。

他是全世界著名的媒體。

比如《泰晤士報》和《獨立報》,

以及《哈珀·本雅明》(澳大利亞版)等。

寫關於時尚的報道。

並在倫敦舉辦了三次個展。

他還在紐約舉辦了個展。

近年來,

他還為香港的購物中心設計視覺形象。

為《Vogue》女性時裝系列畫插圖。

▲2004年大衛·唐頓為《周六晚郵報》畫封面。這件作品創作於巴黎,由水粉、水彩和紙制成。

▲2004年9月大衛·唐頓為Topshop的時裝秀設計的廣告海報。這個品牌是年輕設計師的作品。

▲大衛·唐頓2005年受《Vogue》(中國版)委托,擔任ValentionFitting的插畫。由墨水、水粉和紙、醋酸纖維紙制成。

▲大衛·唐頓2006年為YSL拍攝的時裝插畫。材料是墨水、水彩和紙。

▲大衛·唐頓2006年為YSL畫的時尚插畫,由墨水、水粉、炭筆和紙組成。

▲大衛·唐頓是2007年《夫人》雜誌(德國版)委托拍攝的時尚插畫。這幅畫先用油畫棒畫在紙上,用醋酸纖維素紙覆蓋,再用墨水和水粉畫出來。

▲大衛·唐頓的插圖是2007年倫敦《泰晤士報》委托制作的。材料是墨水、水粉和紙。

▲大衛·唐頓在2008年為他的雜誌《PourquoiPas》畫了壹幅插圖。模特是Tita Wantis,服裝由Lacroix設計。材料為墨水、水粉和紙,醋酸纖維紙上覆有薄膜。

大衛有沒有把舞者畫的惟妙惟肖~

要努力,鐵杵磨成針~

想要擁有超越別人的能力,

壹定能練到極致!

時裝畫:有500年歷史的“時尚魔鬼”時尚插畫已經存在了近500年。既然服裝產生了,就要把設計服裝的理念或形象轉化為時尚插畫。這種視覺形式起源於插畫、繪畫和油畫,也被稱為“時尚素描”。服裝設計師主要使用“服裝草圖”在紙上或數字方式進行頭腦風暴。它在設計中的主要功能是在縫制實際衣服之前預覽和可視化最終結果。

接下來我們就來看看時尚插畫這個有著500年歷史的“時尚惡魔”的歷史發展過程。

1.時尚插畫的開始

時裝插畫始於16世紀,當時全球的探索和發現導致人們對世界各國人民的服裝著迷。解釋不同社會階層和文化適合穿著的書籍被印刷出來,以幫助消除對變化的恐懼和這些發現引起的社會動蕩。

在1520年至1610年之間,出版了200多種這樣的版畫、蝕刻畫或木刻,包括穿著特定民族或等級的人的畫板。這些是最早的服裝插圖,也是現代時裝插圖的原型。這些插圖很可能被服裝設計師、裁縫和他們的顧客用來激發新的設計靈感。

17世紀的藝術家JacquesCallot和AbrahamBosse都使用現代雕刻技術制作逼真的服裝和時代細節。

這些期刊從1670年代開始在法國和英國出版,被認為是最早的時尚雜誌,包括Lemecure Gallant,The Lady's Magazine,LagalleriedesModes,LecabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期間,出版期刊的數量有所增加,這是對越來越渴望了解市場最新時尚新聞的女性讀者的回應。直到18年底和19年初,男性風格插畫才變得和女性插畫壹樣重要。

2.19世紀的時尚板塊

fashionplate在18世紀晚期率先出現,在巴黎風靡壹時。在此期間,HoraceVenet的“IncroyablesetMerveilleuses”和Georges-JacquesGatine在拿破侖壹世時期雕刻的壹系列水彩時裝畫等出版物聲名鵲起。

法國作為時尚仲裁者的地位確保了國內外對時尚插畫的持續需求。這種對時尚服裝的興趣和對時尚服裝日益廣泛的獲取,導致了19世紀出現了150多種時尚期刊。這些非常詳細的時裝插圖捕捉了流行趨勢的信息,並提供了壹般的服裝指南。

也是在這個階段,高級時裝出現了(在1860的)。時尚公司雇傭插畫師,他們將直接與女裝設計師合作。當設計師把布料掛在活模特身上時,插畫師會勾畫出新的設計。他們還將為完成的系列中的每個設計繪制插圖,然後他們可以將它們發送給客戶。

到19年底,手工彩印被全彩印取代。時裝圖案開始使用兩個圖形,其中壹個可以從背面或側面看到,這樣可以從更多的角度看到衣服,從而使復制變得更容易。19世紀插畫師關註的重點是準確和細節。它們遵循靜態圖像慣例,以便為觀眾提供全面的信息和指導。

三。二十世紀的時尚雜誌和插圖

在二十世紀初的幾十年裏,現代意義上的時尚插畫第壹次繁榮起來。隨著最新時尚款式的發布越來越賺錢,時尚插畫師的工作已經成為壹種職業。時尚曾經是壹個藝術家的作品,但現在它正在成為壹個產業,以前所未有的數量生產新的商品來填補百貨商店的空缺。這些商店創造了壹種新的消遣方式——購物文化。

法國奢侈品雜誌Gazette從1912到1925出版,匯集了壹群在詮釋時尚方面獲得前所未有自由的年輕藝術家。Iribe是這些時尚插畫師中的領軍人物,他向著名出版物投稿,包括CharlesMartin、EduardoGarciaBenito、GeorgeBarbier、GeorgesLepape和UmbertoBrunelleschi。他們為《公報》制作的印刷版顯示了日本木刻版畫的影響和裝飾藝術風格的新變化。

在美國,大眾市場時尚雜誌Vogue和Harper'sBazaar涵蓋社交場合和當代時尚趨勢。《Harper 'sBazaar》雜誌與爾特簽訂了獨家合同,從1915持續到1938,是出版史上最長的合同之壹。

從1910到二戰爆發,《Vogue》雜誌的封面壹直是圖文並茂。《Vogue》的早期封面展示了美國插畫師海倫登(HelenDryden)、喬治·沃爾夫普蘭(GeorgeWolfPlank)、喬治·勒龐(GeorgesLepape)和F.X .萊延德克(F.X.Leyendecker)創作的藝術作品。

第壹次世界大戰後,歐洲藝術家加入其中,包括EduardoBenito、CharlesMartin、PierreBrissaud和AndreMarty。

4.時裝畫的黃金時代

1920年代到1930年代這壹時期代表了時裝插畫的“黃金時代”。每個商業藝術家都被視為時尚藝術家和完美的繪圖員。很多人可以用權威和信仰來代表面料的質感、光澤甚至重量。

隨著攝影和印刷新技術的發展,照片的復制被直接放在雜誌的頁面上,這意味著時裝圖案不再是現代生活的代表。到1930年代初,照片開始成為雜誌的首選。《Vogue》雜誌1936報道,照片封面的銷量更好,插圖開始放入內頁。

隨著1929股災後的經濟衰退,美國時尚界對巴黎時裝的依賴度降低。在兩次世界大戰期間,美國的服裝制造業取得了巨大的進步,改進了大規模生產方法,實現了尺寸的標準化。中產階級女性可以依靠熟練的裁縫以負擔得起的價格購買最新的時尚設計,而《Vogue》和《Women'sJournal》等雜誌發布的圖案對家庭裁縫來說是無價的。

《Vogue》雜誌的主要目的是盡可能地向讀者展示時尚。攝影將插畫師從對服裝的精確記錄的需求中解放出來,並傾向於詮釋時尚服裝。據該雜誌的出版商稱,“藝術家主要對獲得有趣的圖片和裝飾效果感興趣。他們厭倦了忠實地報道任何關於當代時尚精神的東西,所以他們很無聊。”

迪奧在1940年代後期的“NewLook”為戰後時尚復興提供了靈感。從很多方面來說,這是壹種倒退的風格,回到過去而不是展望未來,但這也象征著回到壹個更加開朗樂觀的時代。

動詞 (verb的縮寫)時尚插畫的毀滅與復興

到了1950年代,時尚編輯在攝影的剪輯和傳播上花了更多的預算。後來,時尚攝影師晉升為名人,這意味著插畫師必須滿足於制作和附加文章或從事廣告活動。

在1960年代,時尚插畫在雜誌出版業的地位不斷消失,這壹趨勢在青年雜誌這壹新類別中得到了體現。許多這樣的雜誌出版於1960年代,所有這些插圖都使用插圖作為攝影的廉價替代品。

AntonioLopez是這壹時期唯壹定期出現在《Vogue》雜誌上的藝術家,他的職業生涯始於《女裝日報》。

20世紀下半葉,時尚插畫已經難以生存,直到1980年代才開始復興。在Lamoden Peinture (1982)、Condenast ' s Vanity(1981)、VisionAire (191)等雜誌上發表新壹代藝術家。這種復興歸功於廣告活動,尤其是巴尼在1993-1996的紐約廣告活動。

6.今天的時尚插圖

介於美術和商業藝術之間,時裝插畫最近被重新評價為壹個重要的流派。因為美麗和優雅在時尚和藝術領域已經過時,時尚插畫有時似乎回到了更早的時代。

攝影非常擅長記錄服裝的細節信息,所以插畫師的重點不再是服裝的準確呈現,而是解釋服裝和可能的穿著者。20世紀末20世紀初,在數字工具和社交媒體平臺的支持下,它發展出了壹系列獨特的藝術風格。從65438年到0990年,Edtswaki、Graham Rounthwaite、Jasonbrooks和KristianRussell等先鋒插畫師開始在計算機圖形學領域崛起。

這壹時期見證了電腦設計程序AdobePhotoshop和Illustrator的出現,也見證了傳統的基於藝術的時尚插畫形式的復興。紐約帕森斯設計學院和FIT學院開始在他們的時尚課程中提供插畫作為特殊元素。手工制作的“傳統”插畫已經復興,時尚插畫師經常回顧過去的大師,尋找風格靈感。基於古典方法的時尚插畫成功地補充了那些由更現代的方法創造的插畫。

最近,通過時裝設計師和插畫師的合作,插畫開始流行起來。隨著社交媒體的使用,時尚插畫師開始吸引人們的註意力。時尚插畫充滿了充滿活力的色彩,錯綜復雜的圖案,無窮無盡的個性,給人留下了深刻的印象。

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