介紹壹下侯孝賢同誌？

侯孝賢是廣東梅州人。從65438到0948，不到半歲的侯孝賢隨家人從廣東梅州搬到臺灣花蓮。這家人想在這裏呆幾年，但由於政治原因，他們不能回到自己的祖國。所以可以說，侯孝賢是在臺省長大的:“十二歲父親去世後的那個夏天，吃過午飯，侯孝賢像往常壹樣，光著腳從後門走到縣令府前廳，坐在墻上偷芒果。墻外是路。壹般都是小孩子摘芒果跑了。年輕的侯孝賢選擇保持冷靜，享受他的成就。整條街都很冷清。遠處自行車吃力的聲音是如此微弱，以至於無法分辨自行車從哪裏來，要去哪裏。樹下是壹個獨立的世界。有些人出來走走，然後就消失了。少年侯孝賢坐在樹上，清晰地感受到微微的熱風，安靜的蟬鳴和人類的活動。他突然感到孤獨。好像時間和空間都被濃縮在那裏了。這種印象成為他作品最重要的基調，直到他長大後開始創作:壹個俯瞰世界的旁觀者。溫暖，卻帶著距離，所以絕對清醒。”

65438-0969年，侯孝賢退伍，進入當時的國立藝術專科學校電影系作為第壹誌願(現已改制為國立藝術專科學校)。1972年，侯孝賢順利從學校畢業。這壹年，他25歲。畢業後，侯孝賢在外漂泊了壹年，終於在1973參加了李行導演的《心與千千結》的拍攝。這是他第壹次正式接觸電影制作，他是壹名記者。1975後寫了電影劇本《桃花女鬥周公》《早安臺北》。1979後，擔任《我是乘風破浪來的》等電影的編劇和副導演。從此，他開始踏入電影圈。壹開始他開始讓臺灣省人接觸和喜歡，從1979的秋荷，1980的秋涼，到1985的童年好友和童年回憶。其中《小畢的故事》(1933)獲得第二十屆金馬獎最佳劇情片獎和最佳編劇獎。

1981年，侯孝賢拍攝了第壹部故事片《她在流浪》。他獨樹壹幟，大膽地用長鏡頭創造了獨特的視覺風格，這種風格後來成為侯孝賢電影的標誌。1982年拍攝《河邊綠草》。1983，他的投籃技術日臻完善。作品《風櫃人》呈現了壹幅平靜悠閑的漁村景象。主角阿清和他的同伴們整天無所事事，他們看白戲，賭博，英勇戰鬥。終於有壹次，他們因為鬧得太大被警察處罰，於是壹起離開了風閣，澎湖列島的壹個小島，他們的家來到了詭異的高雄。壹切都變了，他們對這座城市感到陌生，陌生，焦慮，害怕。在兩種人生狀態的轉換中，侯孝賢要傳達的情緒是不言而喻的。同年，他拍攝了《我兒子的大娃娃》，這是我第壹次接觸侯孝賢導演的電影。沒錯，不是《悲情之城》，也不是《塵埃中的愛情》，但這部電影卻悄悄透露了父愛:小城無業青年坤叔為了養家糊口，給電影院做“三明治廣告員”。他扮成小醜，在身前身後掛著厚厚的廣告牌，頂著烈日和酷暑在街頭遊蕩宣傳。然而，當坤叔卸掉妝容的顏料時，他的小兒子並不認識他的父親，被嚇哭了。他別無選擇，只好再次裝扮成小醜，以博取兒子的歡心。當我周圍的人微笑時，我不得不擦去彌漫在我眼中的淚水，想起曾經是我的馬的父親。《風閣來的人》和《我兒子的大娃娃》也奠定了侯孝賢的敘事風格:就像壹個旁觀者，他時而侃侃而談，時而沈默不語，冷靜地用他的長鏡頭展開了壹幅幅充滿中國山水畫的無盡畫卷，而臺灣省的小城，穿便衣的少年，臺灣省的老爺爺...壹切都在這個簡單的鏡頭下讓觀眾拭目以待。

從65438年到0985年，侯孝賢計劃拍攝半自傳體電影《童年》，這部電影被影評人視為其早期作品的代表作，但在大多數觀眾看來，它所傳達的漫長的成長歷程著實讓人落淚。影片開頭，他自己的聲音講述了壹個家庭遷徙的故事，從梅縣到臺灣鳳山。安靜固定的鏡頭，拍的是他童年的家和他的父親，這個家的中心。然後鏡頭拍到了老奶奶，喊了壹聲“顧！”用她溫柔的聲音。——也就是侯孝賢，在字幕的時候，突然發現它的英文標題《活著的時間和死去的時間》，大概就是《童年往事》裏表達的思想吧！影片中死亡的三個場景給大家留下了深刻的印象:從父親去世時全家人的悲痛，到母親去世時兒子的肅穆沈默，最後是奶奶的離世，這已經成了只有旁白的自述。在《童年》的結尾，侯孝賢用壹段旁白回憶婆婆的死:“我看見螞蟻在婆婆手裏爬，才發現她可能已經死了很久了……”仿佛遺憾多於悲傷的旁白壹下子讓整個畫面充滿了淡淡的憂傷。有人說侯孝賢的作品浪漫而富有詩意。那麽“童年往事”只是這種說法最自然的註解。

侯孝賢的早期作品不僅在美學上成功地創造了壹種“視覺現實主義”，而且通過人物和空間的選擇、情節和故事的安排，記錄了臺灣省的“成長過程”。前者是美感，後者是特定歷史時空中人們生活的情境和社會關系；前者吸引觀眾的目光，後者凸顯觀眾的社會地位。在長鏡頭下，觀眾從遠處關註著這個社會，卻在近距離清晰地感受到壹種強烈的情感積澱——屏幕上淳樸的村莊、生動的田野、循規蹈矩的人們，在壹個預設的生活軌跡上點綴著時空，故事往往就發生在這樣的歲月和地方。在侯孝賢的電影裏，我們看到了小時候玩的遊戲，在門口等大人回來的體驗，吃壹個冰淇淋的快樂...這些瑣碎平淡的情節看似只吸引了孩子，卻恰恰構成了壹部感動了整個電影院的作品。如果說侯孝賢試圖通過鏡頭說服觀眾被感動，或者說，觸動觀眾心靈的不是侯孝賢，真正觸動我們的是我們自己。

1987《尼羅河的女兒》讓侯孝賢受到了前所未有的批評:鏡頭長度比《河邊的綠草》長得多，用了幾個靜止的長鏡頭而不是分鏡頭，這讓很多習慣欣賞長鏡頭風格的人對這種撲朔迷離的“侯式”鏡頭產生了懷疑，雖然在這部影片中，侯孝賢試圖表現出它隱藏在臺北的霓虹燈下。《尼羅河的女兒》中，人物中彈，是突然中彈，然後死亡。完全沒有事先的安排，也完全沒有辦法讓觀眾的情緒慢慢醞釀。盡管侯孝賢認為刻意的安排代表了自然的缺失，但這是無法忍受的。侯孝賢接受了所有善意或挑釁性的批評，但比平時更沈默。當年的《愛塵埃》壹掃《尼羅河的女兒》中晦澀難懂的鏡頭意義，出現在觀眾視線中的是壹個平凡而真實的愛情故事和自然的人生歷程。主人公去金門當兵，發生了兵變。女主角嫁給了每天送信的郵遞員。這個本來壹句話就能說完，但是看人心，真的花了102分鐘。每個人都試圖通過電影找到自己的影子。誰都知道這段愛情的結束不是誰的錯，但他們還是會順著阿元的目光，看著他回到家鄉的遠山，然後不自覺的發現他已經流下了眼淚，摸了摸毛巾。

沈寂兩年後，他終於向世人展示了他的傑作《悲傷之城》。他成功地完成了壹次從關註臺灣省民生成長過程到關註社會歷史問題的自然淡入淡出。然而，“人”仍然是侯孝賢永恒的關註。說起《悲情之城》，我相信有太多的人用自己的方式去欣賞，去品味，影片中的很多場景都成了大家耳熟能詳的經典。《悲情之城》的美好與苦澀，讓每壹個看過的人都無法釋懷。這是壹部以歷史事件為背景的大型制作。鏡頭依舊放在畫面的壹邊，依舊是那種冷漠不著邊際的畫外音。依然是溫暖親情的柔和生動的光環。大家都很熟悉。它仍然是侯孝賢！《悲傷之城》中的悲傷，來自於文清和寬美在時空邊緣艱難維系的愛情，來自於《放逐三部曲》的寬容和大家的激情演唱，也來自於“妳應該活得有尊嚴。雖然妳父親死在監獄裏，但請相信他父親是無辜的。”遺書來源於歷史背景下壹切都被踐踏和忽視的人的尊嚴。《悲傷之城》為臺灣省人民心中長久以來的禁忌和恐懼留下了最痛苦的記憶。無論是以陳毅為代表的官方敘事，還是片中慷慨的日記，都向觀眾展示了所謂光復臺灣的歷史敘事是如此的充滿斷裂和悲涼。侯孝賢本人在接受采訪時表示:“這部電影想要捕捉的感覺，與其說是試圖註解臺灣過去幾十年的歷史，其實更像是在唱壹首臺灣老歌。歌詞簡單，情感直接，但歌者和聽者都會在歌中找到自己的空間，不是逃避，只是人的韌性。”。

1993期間，侯孝賢悄然發布新作《人生之夢》，這是壹部記錄木偶戲大師李天路在臺灣省被日本殖民統治時期坎坷壹生的紀錄片。侯孝賢對導演重塑場景的個人回憶，創造了壹部時空交替、多視角的李天路回憶錄。再壹次呈現了被歷史無情打壓的人們的悲哀。為了恰當地呈現這位臺灣省籍藝術家的半生經歷，侯孝賢放棄了單獨的特寫效果，以避免蒙太奇對觀眾視角的刻意操縱，試圖將觀眾推出任何特定的視角，從而將觀眾與人物的內心世界隔離開來，以平靜的心態捕捉非戲劇性的日常活動片段。“生活本身就是歷史”是侯孝賢信奉的理念。這部電影的配樂也很特別。臺灣的秦越取代了傳統的吉他。撥開秦越，那些來自農村的歌謠，通過那些簡單的聲音唱出，卻在壹瞬間，散落在嘈雜的人群中，或者泥土氣息的空氣中。很像侯孝賢的電影風格——再多的痛苦和感情，鏡頭壹轉，到處都是青山綠水。

從65438到0995，侯孝賢延續了他的長鏡頭風格，但放棄了靜止鏡頭的沈穩，帶來了上下晃動的動態效果，讓當時很多熟悉他的粉絲感到驚訝。《好男好女》中描寫的愛情，也已經鮮明地打上了時代的烙印:少女蔣碧玉遇見鐘時，才十六七歲。當時江是個年輕護士，鐘略顯神經質，因勞累過度住院。他們經常在壹起聊天。當時，鐘的國家觀念很強，說自己是革命分子，不能結婚。蔣碧玉總是聽他講，講他的遠大理想和浪漫的祖國意識。這是壹輩子的事情...《好男人好女人》《夢幻人生》《悲情之城》三部連續上映、反映不同時代背景的電影，成為臺灣省的“悲劇三部曲”。這也是侯孝賢中期創作的壹個顯著特點:直接對話臺灣省過去的歷史，敘事時間軸不再單壹，不同的時空交錯。

《海上花65438至0998》是壹部華麗而頹廢的作品。據說整個妓院建在臺灣省，藝術家們煞費苦心地尋找能反映生活痕跡的“無用之物”。海上花，上海花，是上海英租界裏有名的妓女。可惜它們被關在溫室裏，只能白白等待最美的花期。雖然他們受到歡迎和寵愛，但他們仍然是孤獨的。華麗，但頹廢。很難想象臺灣的侯孝賢在拍攝《老上海》的時候會如此流暢和內斂。也有人說，侯孝賢在回答記者關於《海上花》時空限制的問題時是:“...用冷靜客觀的角度看那些妓女的生活，所以我故意不拍外景，因為她們被困在這種情況下，跑不掉。其實每個人都是，生到這個社會就跑不掉了。”這樣的斷言真的很酷。

據說侯孝賢又在策劃自己的新片《千年曼波》:全片共分七集，如《五百萬的愛》、《昨日止戀》等，每集都會剪輯3分鐘先在網上播放，讓網友回應和質疑，並以此為主題繼續開發新的故事。這樣的分支會無限延伸，傳統電影的框架會被徹底打破。想到侯孝賢可以這麽前衛，笑容早就掛在嘴邊了。

在臺灣省，我只對電影和人喜歡他；而且我很尊重他(妳知道這不像是尊重長輩，因為有點舍不得。)而是發自內心的真誠尊重。他對生活的態度和他在電影中的表現很像，總能在大自然中表現出他的偉大精神。(吳念真)

-朋友侯孝賢

就在我沈迷於對侯孝賢電影的追憶和向往時，發現紀錄片裏的侯孝賢已經和好朋友壹起唱了卡拉ok，留下吳念真出來抱怨自己驚天動地的初戀故事《愛塵埃》是如何被侯孝賢“蹂躪”和“毀掉”的；朱天文是如何把童年的記憶寫進寒假和寒假的？

當初，當吳念真和羅大佑合寫《同樣的月光》時，他們從未想到他會成為侯孝賢最好的搭檔。吳念真的電影“Dosan”是“父親”的日文名字。深受侯孝賢電影風格的影響，吳念真的電影不僅表現了父權文化的影響，還講述了壹段感人的父子關系。《塵埃落定》講述了吳念真的初戀故事。《塵埃落定》的海報上，男女主角穿著高中校服，走在鐵軌上。童年純真甜蜜的愛情油然而生。每次看到這張收藏多年的海報，總是心存感激。由於侯孝賢和吳念真的合作，所有人都陷入了電影中暗淡的畫面和初戀的淡淡悲傷。朱天文是典型的女性代表。她習慣了自己小說中描述的頹廢或戲劇化的情感重疊，作為與讀者的精神約會。然而，我沒想到她的作品在侯孝賢的影像中被解讀為靜止長鏡頭時會如此感人。侯孝賢電影敘事的不連續性和不切題性在《冬冬假期》中得到了充分的體現，而朱天文則將整部電影用短篇故事疊加，讓觀眾自然而然地融入到影片中。這部電影很受歡迎，朱天文和侯孝賢之間的老朋友關系得到了證實。正如朱天文所說，“不要怨恨或憤世嫉俗，只專註於做妳願意做的事情。我經常摔倒，然後又爬起來，高高興興地上路。”而她，他，他會在這條路上緊緊跟隨。

《青梅竹馬》中的男主角侯孝賢，因為他的臉像壹輪滿月，所以得到了他的藝名“侯派”和比薩餅侯。

派·侯孝賢

在壹個介紹侯孝賢的地方，看到上面這句話，我忍不住笑了。想起紀錄片裏他會無緣無故摸孩子的頭，笑著，那臉真的是餡餅。然後我看見他和高捷在KTV裏大聲唱歌。誰能想到這麽可愛的人會拍出《悲情之城》這樣壹部到處都是無盡壓抑和悲傷的電影？據說《悲情之城》的創作沖動最初來自香港壹首叫《夜雨》的音樂中的薩克斯節奏，我很感動。“我想把臺灣省的歌拍成那種江湖氣，情色浪漫，帶點本地流氓和日本。”(侯孝賢)，沒想到的是，侯孝賢也有壹副渾厚的嗓音，唱著電影《Dosan》的主題曲，沈醉其中，沈浸在眼神中，十分溫暖。但是不要以為他會是壹個超級懷舊的人。他最近創辦了壹個網站——戲弄電影網。去過網站的人都會有壹種新奇的感覺。網站的大版面，鮮艷的色彩，前衛的旁白，精致的隨筆，都讓人過目不忘。不過侯孝賢德第壹次親密接觸互聯網是在1998年《海上花》有了網站，他開始有了壹點概念。沒想到，兩年時間，他已經知道了這些。難怪他擅長拍長鏡頭，現在還聲稱:“電影需要近距離觀察！”

2000年春末，我壹個人在壹個小工作室裏，看壹部紀錄片——《侯孝賢畫像》(HHH:臺法侯孝賢畫像，1997)。看到侯孝賢嚼檳榔，吃地攤，給老人喝茶，唱卡拉ok，我忍不住和侯孝賢壹起在片尾大呼“爽”！

侯孝賢作品年表:

演員的作品

聖母節:HHH，侯孝賢肖像(1997)

沒有陽光的日子(1990)

老娘狗騷(1986)

梅清·馬竹(1985)從小。

付沈(1986)

青梅竹馬(1985)...２８：１）　（聖經）亞倫（摩西之兄

導演作品

我們最好的時代(2005)

咖啡時光咖啡吉扣(2003)