羅伯特·歐文在工作室裏創作早期的線條畫，1962(？馬文·西爾弗，由馬文·西爾弗和克雷格·克魯爾畫廊提供)(點擊放大)
他在20世紀50年代開始了他的畫家生涯，但在20世紀60年代，他轉向裝置藝術，成為壹名先鋒。他的工作有助於定義西海岸光和空間運動的美學和概念。他早期的作品經常使用光線和薄紗來改造畫廊和博物館的空間，但從1975開始，他也將景觀項目融入到他的實踐中。Irwin已經在Gator Center (1992-98)、DIA: beacon (1999-2003)和德克薩斯州Marfa的Chinati Foundation(2001-16)等機構構思了超過55個特定場所的項目。洛杉磯當代藝術博物館1993第壹次回顧他的作品。2008年，聖地亞哥當代藝術博物館又展出了壹件，他的職業生涯持續了50年。歐文於1976獲得古根海姆獎學金，於1984年3月獲得麥克阿瑟獎學金，並於2007年當選美國藝術與文學學會會員。他在加州聖地亞哥生活和工作。
羅伯特·歐文，“無題”(1969)，丙烯顏料在成型丙烯上，53 1/4英寸。直徑。，裝置視圖，赫什霍恩博物館和雕塑花園，華盛頓州，DC(藝術品？2016羅伯特·歐文/藝術家權利協會[ARS]，紐約，凱西·卡弗攝影)
出發點
羅伯特·歐文出生於1928加州長灘，羅伯特·歐文和戈爾迪·安德伯格·歐文。從1946到1947在美國陸軍服役後，他加入了幾個藝術機構:從1948到1950在LA的奧蒂斯藝術學院，從1951到1952的傑普森藝術學院。接下來的兩年，他生活在歐洲和北非。從1957到1958，在Chouinard藝術學院任教。
“波士頓的樂隊”(1962)、“玫瑰之床”(部分)(1962)和“無題”(部分)(1962)，在赫什霍恩博物館和雕塑花園(藝術品？2016羅伯特·歐文/藝術家權利協會[ARS]，紐約，凱西·卡弗攝影)
工作
1977中，羅伯特·歐文寫了壹些關於自己的信息:“我在壹個不知名的地方開始做畫家，幾乎沒有任何問題...我的第壹個真正的問題涉及到我繪畫的隨意性...我用我的畫作為壹個循序漸進的過程，每壹個系列的新作品都直接回應了前壹個系列提出的問題。我先質疑商標是壹個意義，再質疑它是壹個焦點；然後我把框架看作是對懷疑的包容，把邊緣看作是我所見的開始和結束...考慮到沒有什麽東西真的超越其周圍環境的可能性...我盡量直接回應自己所處的每壹個情境的好壞，而不是成批地將其轉化為壹個新的或理想的環境，而是直接參與其性質。當它充滿了真實和可觸摸的事件時，壹個空間怎麽能被認為是空的呢？”(羅伯特·歐文，1977)羅伯特·歐文的藝術觀念源於壹系列的經驗感知。作為壹個抽象而開明的思想家，他首先把經驗呈現為感知或感覺。他總結說，認知或認可感有助於澄清感知。比如“我們知道天空的藍色，更不用說“天空”甚至在我們知道它是“藍色”之前。
《羅伯特·歐文:所有的規則都會改變》(藝術品？2016羅伯特·歐文/藝術家權利協會[ARS]，紐約，凱西·卡弗攝影)(點擊放大)
他後來解釋說，抽象思維的概念通過自我的概念發生在思維中。然後，識別物理形式，並將其傳達給社區。然後，客觀復合發生，描繪行為規範和藝術規範，變得可識別。然後邊界和公理引入邏輯和推理，可以做出決策:歸納或演繹。形式主義隨之而來，證明和說服關於感知對象的決定。歐文的研究表明:“所有的思想和價值都來自經驗，它們可以在任何時候被分離出來，並在功能和用途的基礎上直接發展，這兩者實際上都與條件有關，即我們的主觀和客觀存在。”羅伯特·歐文(Robert Irwin)的哲學將他的藝術概念定義為壹系列美學探索、文化創新的機會、與社會的交流和互動以及復雜的歷史發展。
勞倫斯·韋施勒(Lawrence Weschler)在他的代表作《看見和忘記壹個東西的名字》中，記錄了歐文在南加州青年時代的早期過程，以及他成為後抽象藝術界領袖的過程。韋施勒在他的書的封面註釋中描述了這些作品迷人且常常迷人的品質:
拉裏·貝爾的《6 x 6即興創作》，2014
1980年5月，羅伯特·歐文回到了加州威尼斯的市場街，在那裏他保留了壹個工作室，直到1970年，他完全放棄了工作室的工作。梅林達·懷亞特在他舊工作區旁邊的大樓裏開了壹個畫廊，邀請歐文創作壹個裝置。
羅伯特·歐文的《向廣場致敬》?在Dia: Beacon，Dia藝術基金會，6月1，2015–5月2017
他把長方形的大房間打掃幹凈，調好天窗，把墻刷成白色，然後敲敲臨街的墻，換成透明半透明的白色素色棉布。這個房間似乎已經從過去的壹天改變了面貌:人們來了，坐在馬路的對面看著，有時是幾個小時。
由於其作品的短暫性或微妙性，這本書不僅是壹個介紹，也是許多藝術家和藝術學生體驗羅伯特·歐文作品的主要途徑。2007年，他告訴《紐約時報》的喬裏·芬克爾，人們仍然會在他的講座上要求他的簽名。在那篇文章中，任命歐文“設計我們的迪亞:燈塔體驗”的LACMA主任邁克爾·戈萬(Michael Govan)表示，他認為這本書“說服了更多的年輕人成為藝術家，而不是創造搖滾音樂家的天鵝絨地下樂隊”。
類似於加布裏埃爾·道的作品，但沒有任何聯系，這是另壹系列懸掛的彩色繩子，看起來像運動和反射。我可以想象，絕對令人震驚和勞動密集型。
畫
歐文的早期作品始於繪畫。1959年，他畫了壹系列手持物件，並作為個人參展商第二次在洛杉磯Ferus Gallery展出。第二年，1960，他被要求在帕薩迪納美術館再次展出。到那時，他開始了壹系列連續的實驗。1962年開始在加州大學洛杉磯分校任教，並再次在費羅斯畫廊展出。那壹年，他開始了他的線描。他於1964年在Ferus畫廊展出了他的點畫。
羅伯特·歐文。洛杉磯Sprüth Magers安裝視圖，1月23日至4月21，2018。感謝藝術家和斯普呂特·馬格斯。攝影:羅伯特·魏德邁。
從1966到1967，他開始畫鋁板。他被邀請作為個人參展商在紐約佩斯畫廊。從65438年到0968年，他開始在加州大學歐文分校任教。在接下來的兩年裏，他開始了他的工作，使用壹個透明的丙烯酸圓盤，白色凸起的結構固定在墻上，用壹盞燈照亮。1970開始研究“柱子”，這是壹系列透明的亞克力柱子。從65438年到0972年，他開始研究中國西南地區的“景象”和“地方”。
羅伯特·歐文。洛杉磯Sprüth Magers安裝視圖，1月23日至4月21，2018。感謝藝術家和斯普呂特·馬格斯。攝影:羅伯特·魏德邁。
輕型工程
歐文在20世紀70年代首次使用熒光燈。從1998到2000年，他的現場條件裝置Excursus:致敬廣場3，對畫家約瑟夫·艾伯斯的沈思和他對色彩關系的探索在Dia:Chelsea展出。由18個小房間組成，用嚴密的紗網墻隔開；每個房間的光線，其值取決於與窗戶的距離，由四個白色和彩色雙熒光燈泡增強，每個燈泡垂直懸掛在每個墻壁的中心。2015在Dia:Beacon重新安裝，2017繼續展出。2015在紐約佩斯畫廊舉辦的展覽中，他安裝了幾排柱燈，用彩色凝膠塗上不同的燈，改變光線傳播。
羅伯特·歐文。洛杉磯Sprüth Magers安裝視圖，1月23日至4月21，2018。感謝藝術家和斯普呂特·馬格斯。攝影:羅伯特·魏德邁。
固定
自1968以來，歐文專註於場地本身，在房間、花園、公園、博物館和各種城市場所創作裝置。特別是受到約翰·麥克勞林、歐文和其他光與空間藝術家的繪畫的影響，他開始對推動藝術和感知之間的界限感到好奇。20世紀70年代，羅伯特·歐文離開了他的工作室，在戶外和改善的室內場所，追求與光直接相關的裝置藝術和空間:視覺感知的基礎。這些設備允許藝術家和觀眾進行開放式探索，通過操縱環境而不是保留單個藝術作品的範圍來創造不斷變化的體驗。參與光與空間運動的其他藝術家包括約翰·麥克拉肯、詹姆斯·特瑞爾、彼得·亞歷山大、拉裏·貝爾、克雷格·考夫曼、道格·惠勒、瑪麗亞·諾德曼等。
光與空間，2007
115熒光燈
271 1/4 × 620英寸
689 × 1574.8厘米
1970年，現代藝術博物館邀請歐文進行裝置創作。利用整個項目空間，歐文在離地面10英尺的地方掛了壹塊白色的素色棉布，在墻上貼了閃亮的不銹鋼絲。1971年，沃克藝術中心委托藝術家為愛德華·拉拉比·巴恩斯(Edward Larrabee Barnes)設計的建築首次展覽創作《無題(傾斜/光線/體積)》。對於1974安裝在紐約佩斯畫廊的軟墻，歐文只需要清理並粉刷壹個長方形的畫廊，在其中壹面長墻前掛壹個薄薄的半透明的白色劇場網格，就能營造出壹種效果。壹個空蕩蕩的房間，壹面似乎永遠失焦的墻。艾倫紀念美術館入口走廊的永久墻裝置，無題(1980)尺寸正好復制了對面的深窗。20世紀80年代初，歐文被邀請作為合作藝術家參與邁阿密國際機場的復興和改進設計。1997年，他翻修了聖地亞哥當代藝術博物館拉荷亞分館的壹間俯瞰太平洋的房間。為慶祝其125周年，印第安納波利斯藝術博物館委托歐文創作了“光與空間III”(2008)，從而成為第壹個擁有永久室內裝置藝術家的美國博物館。為了這件作品，歐文在自動扶梯周圍的墻上布置了帶有不規則網格圖案的熒光燈泡，兩邊各有壹層稀松布框架；當博物館的參觀者在樓層間上下移動時，他們會穿過這件作品。Trifecta(喬氏酒吧&燒烤店)是位於印第安納州韋恩堡的瑞士再保險公司總部的壹座三層永久燈，於2012年完工。
1?2 ?3 ?4?, 1997
現有窗戶上的開口
115 × 320 × 221英寸
292.1×812.8×561.3厘米
2013年末，壹個33英尺高的歐文丙烯酸柱在聖地亞哥聯邦法院大樓亮相。這位藝術家與他的長期朋友和合作者，建築師馬丁·普瓦勒和景觀設計師安德魯·斯普爾洛克在法院的室外廣場合作。這個三層的丙烯酸柱建於幾十年前，但由於壹系列不可預見的情況，它從未被賦予壹個合適的住所。當陽光穿過大廳時，會折射光線，投射色彩。柱子的制作和材料相關的技術問題都是由傑克·布羅根(Jack brogan)來完成的，他是光和空間運動技術進化的核心人物。Brogan發明了將柱子拋光到所需透明度的挑戰和技術，至今仍是該領域的高水位線。
棱鏡，1971
丙烯酸的
143 7/10×5 9/10×5 9/10英寸
365 × 15 × 15厘米
歐文為拉克馬創作了壹個原始棕櫚樹的室外裝置(Primal Palm Garden，2008-2010)和壹個室內36英尺高的熒光燈雕塑《奇跡英裏》(Miracle Mile，2013)，它在背後24小時發光。
無標題，1969
鑄造丙烯酸樹脂上的丙烯酸漆
53 × 24 1/2英寸
134.6 × 62.2厘米
Irwin在Marfa的裝置-壹個U形建築，面積約為65，438+00，000平方英尺-將於2065，438+05年初開始，並完成向公眾開放。該設備位於前軍營醫院的建築中，將是自2004年以來加入Chinati基金會的第壹個主要設備，也是Irwin第壹個致力於他的工作的設備。
黃色夾克，2015
6英尺。單針-14管和6英尺。雙針-1燈管，熒光燈，彩色凝膠
72 × 95 1/5 × 3 1/2英寸
182.9 × 241.9 × 8.9厘米
其他裝置還有:破碎的光——部分平紋棉麻織物——紐約現代藝術博物館的眼平(1970-1971)；紐約惠特尼博物館黑線室部門+延伸形式(1977)；華盛頓特區老郵局的48架影子飛機(1983)；進入城市現代藝術博物館(1994)；以及法國裏昂當代藝術博物館的雙鉆石(1997-1998)。
雕塑/配置2T 3L，2018
丙烯酸的
119 × 36 × 32英寸
302.3 × 91.4 × 81.3厘米
景觀工程
在發展了壹種體驗空間的風格後，歐文轉向了景觀項目，將他學到的線條、顏色和最重要的光線投射到建築環境中。從1975開始，歐文已經構思了55個網站項目。9 Space 9 Tree (1980-3)最初受西雅圖藝術委員會委托，作為1980的公安大樓屋頂；它於2007年重新構思，位於華盛頓大學校園內。歐文的細絲線(1979)是由馬薩諸塞州的韋爾斯利學院制造的。它由壹條不銹鋼線組成，沿著湖邊的草脊延伸，壹些葉子狀的圖案被切割在裏面。他的1983作品《兩個奔跑的紫羅蘭V形》，兩根塗塑鐵絲網穿過藍紫羅蘭，用高桿固定，是加州大學聖地亞哥分校校園內斯圖爾特系列藝術作品的壹部分。歐文為位於帕薩迪納市中心的哨兵廣場(1990)選擇了小型沙漠植物和仙人掌。他後來查閱了Dia:Beacon的總體規劃，尤其是室外空間的設計和景觀，以及入口建築和窗戶設計。
# 4x 8英尺。四折，2012
光+陰影+反射+顏色
96×17 1/4×4 1/4英寸
243.8 × 43.8 × 10.8厘米
後來，他設計開發了洛杉磯蓋蒂中心的中央花園，建於1997。在中央花園中，歐文將體驗關系與建築環境融合的理念非常清晰。那些體驗元素填滿了空間。該項目因其設計和工藝廣受好評。134000平方英尺(12400平方米)的設計有天然峽谷和林蔭步道，引導遊客體驗景點、聲音和氣味。他選擇了花園中的壹切，以突出光、色和反射的相互作用。規劃始於1992，是蓋蒂中心項目的重要組成部分。中心自1997開業以來，中心花園壹直隨著植物的發展而發展。歐文的名言“永不改變，永不相同”被刻在廣場的地板上，以提醒遊客這種生活藝術的千變萬化。令藝術家沮喪的是，20世紀50年代的Fernandéger雕塑被放置在花園的廣場上。
瑞士制造，2015
熒光燈，彩色凝膠
72 × 95 3/10 × 3 1/2英寸
183 × 242 × 9厘米
歐文最近在2007年完成了在洛杉磯縣藝術博物館安裝原始棕櫚花園的第二階段。棕櫚花園呈“T”字形排列，中間有東西軸線。周圍有各種各樣的當代藝術博物館和雷斯尼克展館。南北軸線以椰棗網格結束，作為藝術家克裏斯·伯頓的城市之光裝置的對位法。歐文長期以來壹直對南加州的棕櫚樹如何捕捉和反射光線感興趣；棕櫚花園的設計為歐文提供了壹個同時掌握棕櫚現象和文化概念的機會。各種各樣的棕櫚樹被種植在現代的普通木制苗圃箱中。雕塑容器指的是傳統上代表藝術作品的基座。歐文對棕櫚樹的使用考慮到了棕櫚樹和洛杉磯圖像之間無處不在的標誌性聯系。