首先，史前繪畫
已知最古老的畫作位於法國Grotte Chauvet，壹些歷史學家認為它可以追溯到32000年前。這些畫是用紅赭石和黑色顏料雕刻和繪制的，主題是馬、犀牛、獅子、水牛、猛獁象或狩獵歸來的人類。
洞穴壁畫在世界各地都很常見，比如法國、西班牙、葡萄牙、中國、澳大利亞和印度。這些畫的發現引起了許多關於它們存在目的的不同猜測。壹些假說指出，那些畫被當時的人認為是繪畫可以捕捉動物的靈魂，讓它們更順利地狩獵。
有的假說認為是萬物有靈的現象，表達自己對自然的尊重；還有壹種假設，人類天生就有自我表現的需求，那些畫就是結果；另外，也有觀點認為是應用信息的傳播。
第二，東西方傳統
西方文化以油畫和水彩畫為主，在形式和題材上有著豐富的傳統。東方繪畫以水墨和礦物顏料為主，在形式和題材上有著豐富的傳統。
三、近代至今
攝影術的發明對繪畫產生了巨大的影響。第壹張照片出現在1829。幾十年後，攝影技術不斷進步，被廣泛應用，於是繪畫原本記錄現實世界的功能也受到了挑戰。
從65438年到2009年底和20世紀初的壹系列藝術活動，包括印象主義、後印象主義、野獸派、表現主義、立體主義和達達主義，挑戰了文藝復興時期對藝術的看法。但是東方藝術和非洲藝術仍然保持著以前的風格，沒有受到攝影的影響。
現代藝術和當代藝術的觀點與傳統藝術的歷史價值和觀念有很多不同，所以在1960說嚴謹畫風已死。然而，這並沒有阻止大多數畫家繼續把繪畫作為他們創作的壹部分或全部。
繪畫在21世紀的活力和可變性蓋過了先前嚴謹藝術已死的宣告。在壹個以文化多元為特征的時代，沒有對時代代表風格的認識。藝術家以不同的風格和審美氣質繼續創作，成就留給市場的評價。
21世紀初，仍在延續的繪畫流派有單色繪畫、硬派繪畫、幾何抽象、挪用、超現實主義、攝影現實主義、表現主義、極簡主義、抒情抽象和大眾藝術；
Op藝術、抽象表現主義、色域繪畫、新表現主義、柯拉琪、Intermedia繪畫、集合繪畫、電腦藝術繪畫、後現代繪畫、新達達繪畫、三維畫布繪畫、環境壁畫、傳統人物畫、山水畫、肖像畫、玻璃畫動畫。
擴展數據:
壹.要素
1，亮度
明度是指色彩明度(深度)淺，即亮度高，亮度低。繪畫中的壹個元素是亮度的感覺和效果。空間中的每壹個點都有不同的亮度，在繪畫中可以用黑色、白色和中間的各種灰色來表示。
在實踐中，畫家可以通過並列不同亮度的點來表達物體的形狀。反之，如果只用相同亮度的不同顏色，可能只能代表壹個圖像的形狀。繪畫的基本技巧將包括幾何圖案，許多不同的觀點和組織(透視)和符號。
舉個例子，當壹個畫家看著壹面特定的白墻時，由於陰影和周圍物體的反射，每壹個點都會有不同的亮度，但理想情況下，即使在壹個完全黑暗的房間裏，白墻仍然是白色的。因為即使房間裏沒有燈光，壹片漆黑，物體依然存在，沒有消失，所以可以證明其理論是正確的。
2、顏色和色調
色彩和色調是繪畫的基礎，就像音樂中的音高和節奏。顏色是高度主觀的，但它的心理效應是可以觀察到的，但它的效應可能因文化不同而不同。比如，在西方文化中，黑色代表死亡和哀悼，而在東方文化中，則用白色來代表。
壹些畫家、理論家、作家和科學家(包括歌德、瓦西裏·康丁斯基和牛頓)都提出了他們的色彩理論。而且，語言只能代表壹種抽象的顏色。例如，單詞red可以代表可見光譜中接近純紅光範圍內的光。
就像在音樂中，不同的音樂家對中央C還是C感興趣？對* * *，有壹個共同的定義，但不同的畫家對色彩並沒有壹個公認的定義。對於畫家來說，色彩不僅僅分為基本色或衍生色(如紅、藍、綠、棕等。).
作畫時，畫家用顏料作畫，所以畫家的“藍”可能是以下顏色之壹:午夜藍、靛藍、鈷藍、群青等。色彩的心理和象征意義與繪畫技法沒有必然聯系。色彩可以增加壹些潛在的、衍生的意義，所以壹幅畫的感覺是很主觀的。
這部分可以比作音樂。音樂中的音高(比如中心C)類似於繪畫中的光，陰影類似於力度，顏色類似於不同樂器的音色。雖然這些可能不會形成壹個旋律，但可以在音樂中加入壹些不同的內容。
3.非傳統元素
現代畫家們擴展了繪畫，比如拉琪，他是從立體派中衍生出來的。嚴格來說，不是畫。有些現代畫家會因為材質的不同而融合不同的材料，比如沙子、水、稻草或者木頭。
像讓·杜布瓦和安塞姆·基弗這樣的作品就屬於這壹類。也有越來越多的藝術家使用電腦和軟件如Adobe Photoshop或Corel Painter在數字畫布上繪制顏色，如果需要，也可以在真實的畫布上打印。
4.節奏
繪畫中的節奏和音樂中的節奏壹樣重要。如果把節奏定義為“序列中的停頓”，繪畫也有它的節奏。這樣的停頓可以讓想象力參與其中，產生新的創作、風格、旋律和色彩。
這些形式(或任何壹種信息)的分布在藝術作品中非常重要，會直接影響作品的審美價值。在審美價值上，知覺的自由流動被視為美。不僅在藝術或科學中，能量的自由流動將提高其美學價值。
二、美學與理論
美學是對藝術和美的研究，是18、19世紀康德或黑格爾等哲學家討論的主題之壹。柏拉圖、亞裏士多德等希臘哲學家對藝術和繪畫也有專門的論述。
在柏拉圖的哲學體系中，畫家和雕塑家的地位很低。他認為繪畫不能描述真實，繪畫只是復制了實際的東西，除了手藝沒有其他成分，就像鞋匠和鑄鐵壹樣。
然而，在達芬奇時期，人們對繪畫的認識與柏拉圖不同。當時認為“La Pittura è cosa mentale”(繪畫是壹種精神上的東西)。
康德區分了美和壯麗，並分析了它們的異同。雖然他沒有提到繪畫，但像約瑟夫·馬洛德·威廉·特納和卡斯帕·弗裏德裏希這樣的畫家將他們的概念擴展到了繪畫上。
黑格爾認為不能給美下壹個普適的定義。在他的美學研究中，他認為繪畫、詩歌和音樂是三種“浪漫”的藝術，其中有象征性的和高度智慧的目的。
第三，繪畫風格
繪畫是捕捉、記錄和表達不同創作目的的壹種形式，其參與者的數量同樣龐大。繪畫的本質可以是自然的、標誌性的(如靜物或風景畫)、攝影繪畫、抽象畫、敘事、象征、情感或政治。
歷史上很大壹部分繪畫都是以精神主題和概念為主導的，從陶器上的神話人物到西斯廷教堂內墻和天花板上的聖經故事場景，都是通過人體本身來表達精神主題。
參考資料:
百度百科-繪畫