中國畫與西畫的交流與碰撞？向上帝求助

文化差異造就了藝術差異，文化交流導致了藝術的碰撞。近年來，東西方文化交流日益升溫。中國有“法國年”、“意大利年”，西方國家也競相舉辦“中國年”。中國美術和西方美術在激情碰撞中擦出了燦爛的火花，兩者都在對方的領域贏得了無數的聲譽。從印象派畫展到第400屆意大利美展再到紐約現代美展，從故宮珍本展到現代中國畫家聯展再到吳冠中個展，這幾年我收獲頗豐，對國畫和西畫的比較也有壹些見解。第壹，工具材質不同。中國畫家用毛筆、墨汁和礦物、植物顏料作畫，載體是宣紙或絲綢，簡單純粹。西方畫家使用的工具材料要復雜得多。比如油畫就是用透明的植物混合顏料，在布、板或紙上作畫；水彩畫是利用顏料的透明性，通過水彩的混合、滲透、疊加，在紙上作畫；水粉畫是將膠水和粉狀不透明顏料加水混合，在紙上作畫；版畫是通過畫稿、雕版、印刷三個步驟完成的(有些就像年畫的制作)。第二，繪畫技法不同。首先，中國畫往往用線條勾勒出事物的輪廓，人的眉毛、衣服的皺紋、枯萎的樹皮、葉脈，都是沒有墨線的，而傳統的西洋畫(後印象主義之前)是沒有輪廓的。他們通常使用明暗對比和背景來反映事物的形狀，看起來更接近現實，甚至有些畫家努力追求極其真實的效果，以使他們的作品看起來更像壹張照片。其次，中國畫不講究透視(透視法是在平面上表現三維物體)。中國畫家不需要自然光的輔助。更準確的說，它們不需要色彩過渡，不需要背景渲染，不需要明暗對比，最多只是墨跡的深淺。但是很多時候中國畫表現的東西並不會讓人覺得是平面的東西，比如畫風景，畫面附近有壹條河，畫面中間有壹條船。山巒起伏，層次感強，在畫面的上方，畫家會用朦朧淺淡的筆墨表現遠處的山巒，營造出壹種雲霧感，視覺效果由近及遠，讓人感覺深遠。而西方繪畫則非常重視透視，因為西方畫家努力表現真實物體的形狀和環境的真實氣氛，他們盡力研究光線對物體的影響和陰影的表現。可以看出，在西方繪畫中，靜物或屋內物體的形狀都是正確的，畫家對明暗界限變化的恰到好處的表現，使畫中的東西就像實物壹樣，也能在幾寸之間表現出幾尺的距離，讓人在方寸之間感到捉摸不透。第三，西方人物畫中的解剖原理，在中國畫中是沒有過的。西方畫家往往非常重視解剖學的應用，以反映現實。我們總是在壹些裸體畫中看到對人物的細致刻畫，人物比例協調，包括肌肉和骨骼的細微差別。比如古典大師的《天使的噴泉》和倫勃朗的《浴室裏的示巴女王》就是最好的。萊昂納多·達·芬奇即使不是畫家，也是公認的好醫生。而中國的人物畫，主要表現人物的姿態和神韻，所以不談人物各部分的大小和比例，畫中人與人物的正常狀態相去甚遠。妳看國畫裏的男人，從來都不帥不帥，而女人有蛾眉唇肩。如果妳脫下這些角色的衣服，他們會看起來很可怕。但也可以說，通過人物眉眼中透露出來的表情和動作服飾來表現人物的性格是恰到好處的，就像是在問神而不是看形。第三，色彩表達不同。國畫不使用自然光，不註重物體的色彩變化，所以著色方式多為平面繪畫，追求物體固有色彩的效果，很少改變光影。即使要做色彩過渡，也只是主要用白色來改變深淺，略微體現明暗的變化。在純黑白水墨畫中，我們只註重墨的深淺，以揉、擦、光、染的相互作用，幹、濕、濃、光的合理分配。中國畫的色彩之美，在於此墨濃淡共存，最濃次之，淡與淡。強的部分壹定要精彩但不停滯，淡的部分壹定要精致。可以說，中國畫的色彩是清麗脫俗的，意境是深遠的。西洋畫給人的感覺完全不壹樣。西方畫家總是用較大的色彩來表現人和事物，肖像畫往往用較暗的背景來烘托明亮的人物，明暗對比明顯，給人以視覺上的沖擊。風景畫和靜物畫色彩豐富，表現細致，講究光與色的和諧，體現自然的偉大和光的偉大，給人美的享受，有時會覺得畫的內容處於次要地位。可以說，西洋畫的色彩勝在精致、美麗、真實、可信。另外，西洋畫是用顏色畫的，不留空白。它們大而厚，略顯暗淡，而中國畫講究“數白為黑”，非常註重空白的管理。空白部分可以用作水、雲或月亮...並成為整個畫面不可或缺的壹部分。第四，主題不同。如果按題材來分，中國畫可以分為人物、山水、花鳥三大類。雖然山水往往是中國畫的常態，但中國畫家往往什麽都能畫，比如各種果蔬、花草、動物。比較著名的有齊白石的《蝦》和徐悲鴻的《馬》，充滿了生活情趣，還有很多宗教題材，比如敦煌石窟的飛天壁畫等等。此外，中國畫，尤其是山水、花鳥，往往含有象征意義。例如，梅花和松樹象征著不屈不撓的與寒冷和大雪作鬥爭的精神。雖然在中國繪畫史上，也有過貶低工筆、擡高寫意、貶低青綠山水、排斥水墨山水的時代，但中國繪畫的發展總體上是非常自由的，沒有政治等外界的限制。可以說，正是這種自由，讓中國的繪畫百花齊放。從希臘時代開始，西方繪畫就壹直以人物為主旋律。早期以宗教和神性文化為基礎，大部分以童話故事中的人物為原型。中世紀主張壹切藝術都是神學的奴隸，大部分宗教畫都是以群眾為基礎的，比如最後的審判，壹幅畫裏面有無數的人。17世紀，隨著社會的發展和階級地位的變化，藝術也發生了很大的演變。新興的資產階級和中下層平民開始在繪畫中扮演重要角色。刻畫人物不僅表現了他們的社會地位和外貌，而且註重探索他們的內心世界和性格特征。偉大的荷蘭畫家倫勃朗是17世紀為歐洲繪畫開辟新境界的大師。可以說，肖像畫是當時西方畫壇正統的繪畫題材，其他題材都不被上流社會所接受。直到19世紀才有了獨立的山水畫。盧梭和柯羅的出現促進了風景畫的發展，他們對氣氛的發現導致了印象派對外界光線分析的研究。但獨立後，山水畫在很長壹段時間內仍然不被社會主流所接受。時至今日，雖然現代藝術中出現了許多風格各異的派別，但人物畫並沒有讓位於它，它仍然是西方繪畫的主旋律。總之，中西方藝術都有各自獨特的風格。中國傳統繪畫，自由、瀟灑、飄逸，不拘泥於物象外觀的相似，而是強調畫家主觀意趣的表達，強調“以形寫神”，觀畫後能感受到畫家的崇高情懷，而西方傳統繪畫，正統、規範、飄逸，註重“神”的表達，更註重“以形寫形”，觀畫後能揣摩畫家的環境。有人說西畫是“再現”的藝術，中國畫是“表現”的藝術，我對此深信不疑。由於對現代藝術的涉足有限，上面提到的觀點主要指的是中國傳統繪畫和後印象派的西方繪畫。