從繪畫的內容來說，可以分為:人物畫、山水畫、花卉畫、花鳥、動物、昆蟲和魚畫、界畫等等。人物畫是中國傳統繪畫題材之壹，其內容主要是描寫人物。由於繪畫的側重點不同，可分為肖像畫、故事畫和風俗畫。據記載，春秋時期人物畫已經達到很高的水平。從戰國楚墓出土的帛畫可以看出當時人物畫的成就。人物畫壹直是中國傳統繪畫最重要的題材。山水畫，簡稱“山水”，是我國繪畫學科之壹。這是壹幅以描繪山川自然風光為主題的畫。魏晉六朝時逐漸發展，但仍作為人物畫的背景。到了隋唐時期，出現了許多獨立的山水畫。到了五代北宋時期，越來越成熟，作者也多了起來。從此成為中國畫的壹大繪畫題材。主要有綠松石、金碧輝煌、無骨、淺絳、墨香等形態。在藝術表現上，強調商業立場和意境。花鳥畫是中國傳統繪畫題材之壹。以描繪花卉、竹石、鳥獸、昆蟲和魚類為畫面主體。四五千年前陶器上簡單的魚鳥圖案，可以算是最早的花鳥畫。據張彥遠《唐代歷代名畫誌》記載，東晉南朝時期，繪於帛帛上的花卉畫逐漸形成獨立的繪畫分支，出現了壹些專門的畫家。到了五代兩宋時期，這壹繪畫分支更加成熟。界畫也是中國的繪畫題材之壹。陶在《明代輟耕錄》壹書中提出，繪畫應分十三支:佛與菩薩、玉帝與稻香王、金剛與神羅漢、風雲龍虎、古代人物、全景畫、花與竹羽、野獸、人獸、界畫梯田、眾生、農織、雕青與嵌青。有分界畫塔之分。是指以宮殿、陽臺、房屋等建築為題材的繪畫，用直線繪制的也叫“宮殿”或“宅木”。從繪畫的形式或色彩上，可分為:水墨、青綠色、金碧輝煌、淺絳等。水墨畫是指中國畫中的純水墨畫。相傳始於唐代，成於宋代，盛於元明，清代以來繼續發展。以筆法為主導，充分發揮墨法的作用，達到“水暈墨印”和“同時出彩”的藝術效果。它在中國繪畫史上占有重要的地位。張湯顏淵《歷代名畫筆記》:“墨運五色。”所謂“五色”，說法不壹，或指焦、濃、重、淡、青，或指濃、淡、幹、濕、黑。其實是指墨色變化的豐富程度。綠松石是指中國畫顏料中以石青和綠松石為主要顏色的畫。如果是山水畫，有大綠松石和小綠松石。前者勾多，筆畫少，著色重；後者是以水墨的淺色為主。金碧指的是中國畫顏料中的泥金、石青和石藍。凡是以這三種顏料為主色調的山水畫，都叫“金藍山水”，比“綠山水”多了泥土和黃金。泥金壹般用於勾染山形輪廓、石紋、斜坡、沙嘴、彩霞、官房、亭臺樓閣等建築。淺絳是在水墨畫的基礎上，以赭色為主色調的淺色山水畫。元代畫家黃、王蒙等作山水畫，自成壹派。赭石又稱“土朱”，是由火和水構成的。畫中的赭石出現在赤鐵礦中。原石是用赤鐵礦制作的，手摸感覺油膩，是很好的原料。發源於陜西雁門，古屬戴軍，故又稱“傣浙”。哪裏有赤鐵礦，哪裏就有赭石。從繪畫技法上可分為粗刷(潑墨)、細刷(工)、素描、寫意、繪畫、線描、無骨、指畫等。潑墨是中國畫的壹種技法。相傳，唐代畫家王洽每次喝醉都會潑墨。後人壹般把這種大膽的筆法和潑墨稱為“潑墨”。工筆是中國畫中工筆的壹種畫法，與寫意對稱。寫意是中國畫的壹種放縱。要求用簡練的筆墨寫出物體的形式和精神來表達作者的意境。摹仿是中國畫表現石頭和樹皮紋理的壹種技法。巖石的制作方法主要有皮麻團、雨滴團、卷雲團、解索皴團、牛毛皴團、荷葉團、折疊帶團、環抱鐵團、大小劈團等。樹的表皮用鱗片、繩索、橫條來表示，都是根據各自的形狀來命名的。這些畫法是古代畫家在藝術實踐中根據各種巖石的不同紋理結構和樹木的表皮狀態而創造的表現程序。隨著中國畫的不斷創新和演變，這種表現手法還會繼續發展。線描是中國畫的專業名稱。源於古代的“白描”。壹種用沒有顏色的墨線畫物體的方法。還有輕微的淡墨渲染。多用於人物和花卉繪畫。無骨也是中國畫的專業名稱。素描不需要墨線，可以直接用顏色畫物體。五代以後，蜀中黃泉以細鉤繪花，著色後幾乎看不出字跡，稱為“無骨花”。北宋時，許崇思以小學生身份學黃泉，所作花卉只畫彩色，稱為“無骨畫”，後人稱此畫為“無骨畫”。另壹種山水畫，叫“無骨山水”或“無骨圖”，用青、綠、朱紅等顏色染制。相傳為南朝僧祐所創，唐精於此法。手指畫簡稱“指畫”。中國畫的壹種特殊畫法。用手指、指甲和手掌蘸墨水或顏色在紙絹上作畫。清代高擅長這種畫法，他的侄孫高冰也寫了《指畫論》。高說:“我用手畫，甲骨在背上；手無所剩，手無所剩”(引自胡《中國繪畫趣談》第195頁)。這表明他使用了手的所有部位，指甲、手指、手掌和手背。分析，畫小人物，花鳥，細紋等。，可以用釘子直接或側向完成。比如用筆畫壹幅荷葉或巖石那麽大的畫，可以用潑墨法，手背和手掌都可以摸到畫裏；可以用小拇指和無名指甲畫柳條流水，用少許青苔蘸壹指或數指墨汁。永遠先思考，心中有計劃，然後妳的頭腦和手就會自然自然，不露出手繪的痕跡就會被說高人壹等。所以說“物成手，無有。“從那以後，雖然有很多人做了手指畫，但那只是壹個偶然的手指畫遊戲。只有近代著名畫家潘天壽的指畫成就最高。從繪畫的時代來說，可以分為:古畫、新畫、近畫、現代畫等等。形式美規律是人們在創造美的形式和美的過程中對美的形式規律的經驗總結和抽象概括。主要包括:對稱平衡、簡單統壹、和諧對比、比例、節奏、多樣。形式美規律在美的創造中的意義是:1。研究和探索形式美的規律，可以培養我們對形式美的敏感性，指導人們更好地創造美的事物。2.掌握形式美的規律，可以使我們更加自覺地運用形式美的規律來表現美的內容，達到美的形式與內容的高度統壹。在運用形式美法則時，要註意:3。在運用形式美規律進行創作時，首先要深入了解不同形式美規律的具體表現功能和審美意義，明確想要達到的形式效果，然後根據需要正確選擇適用的形式美規律，從而形成適合需要的形式美。4.形式美的法則不是壹成不變的。隨著美的事物的發展，形式美的規律也在不當發展。因此，在美的創造中，既要遵循形式美的規律，又不能犯教條式的錯誤，生搬硬套某種形式美的規律。而是要根據不同的內容靈活運用形式美規律，在形式美中體現創造性特征。探索形式美的規律是所有設計學科的共同話題，那麽它的意義何在？在日常生活中，美是每個人都追求的精神享受。當妳觸摸任何有價值的東西時，它必須有合乎邏輯的內容和形式。在現實生活中，人們由於經濟地位、文化素質、思想習俗、人生理想和價值觀的不同，審美觀念也不同。但是，僅從形式條件來評價壹個事物或壹個視覺形象時，大多數人對美或醜都有壹個基本的共同認識。在西方，從古希臘開始，壹些學者和藝術家就提出了形式美法則的理論。今天，形式美法則已經成為現代設計的理論基礎。在設計作文的實踐中更為重要。形式美的規律主要包括以下幾點:和諧宇宙中的壹切事物都是按照壹定的規律存在的，即使它的形式是千變萬化的，從太陽和月亮的運動到行星的活動再到原子結構的組成和運動。愛因斯坦指出宇宙本身是和諧的。和諧的廣義解釋是:在判斷兩個或兩個以上的要素，或部分之間的關系時，各部分給人的感覺和意識是壹個整體的協調關系。對和諧的狹義解釋是，統壹和對比並不枯燥，也不混亂。單壹的顏色，單壹的線條無所謂和諧，幾個元素有基本的* * *共性和兼容性才稱得上和諧。比如壹組協調的色塊，壹些有序的近似圖形等等。和諧組合也保持壹些差異，但當差異強烈且顯著時，和諧模式轉變為比較模式。對比與統壹對比，也叫對比，成功地把兩種反差很大的視覺元素放在壹起，使人感受到鮮明強烈的感情但仍有統壹感，叫做對比，可以使主題更加鮮明，視覺效果更加活躍。對比關系主要是通過視覺形象色調的明度和冷度，色彩的飽和度和不飽和度，不同的色調，形狀的大小，粗細，長短，直度，高低，凹凸，寬窄，方向的垂直，水平和傾斜，數量，排列的密度，上下，左右，位置的高低和遠近，形狀的虛，黑白和光。體現了哲學中矛盾統壹的世界觀。對比法則在現代設計中應用廣泛，具有很大的實際效果。對稱性在自然界隨處可見，比如鳥類的翅膀，花草樹木的葉子。因此，對稱形式在視覺上具有自然、穩定、統壹、協調、整齊、典雅、莊重、完美的樸素美感，符合人們的視覺習慣。平面構成中的對稱可分為點對稱和軸對稱。假設在壹個圖形的中心設壹條直線，把這個圖形分成相等的兩部分。如果兩部分的形狀完全相等，則該圖形為軸對稱圖形，這條直線稱為對稱軸。假設某個圖形有壹個中心點，圍繞這個點旋轉得到同壹個圖形，稱為點對稱。點對稱包括向心對稱、離心發射對稱、旋轉轉動對稱、逆組合對稱、從圓心逐層擴展的同心圓對稱等。對稱原理在平面構成中的應用，要避免過分絕對對稱帶來的單調、沈悶感。有時，在整體對稱的圖案中加入壹些不對稱的因素，可以增加構圖布局的生動性和美感，避免天平上兩端的衡器被壹個支點支撐所承受的單調和沈悶的重量。當雙方達到壹種力學平衡時，就叫平衡。平面構圖設計中的平衡不是實際重量和力矩的對等關系，而是根據圖像的大小、重量、色彩等視覺元素作用於視覺判斷的平衡。平面構圖通常以視覺中心(視覺沖擊力最強的地方的中點)為支點，各構件以此支點保持視覺平衡(如圖)。在現實生活中，平衡是壹個動態的特征，比如人類的運動，鳥類的飛行，野生動物的飛奔，風和草，流水的波浪等等。所以平衡的構成是有動態比例的，是部分或部分與整體的數量關系。這是壹個精確而詳細的比率概念。人們在長期的生產實踐和生活活動中壹直在利用比例關系，以人體自身的尺度為基礎，根據自身活動的方便程度，總結出各種尺度標準，體現在衣食住行的器皿和工具的制造上。比如早在古希臘就發現的黃金分割比例1: 1.618，就是人眼睛的高與寬的比例。適當的比例具有和諧的美感，成為形式美法則的重要內容。美的比例是平面構成中所有視覺單元的大小以及單元之間的排列組合的重要因素。在物理學中，重心是指重力的合力對物體各部分的作用點。壹般物體求重心的常用方法有:用線吊住物體，平衡時重心必須在吊線上或吊線的延長線上；然後握住吊線的另壹點。平衡後，重心也必須在新的懸線或新懸線的延長線上。前後線的交點就是物體的重心。在平面構圖中，任何形狀的重心位置都與視覺的穩定性密切相關。人的視覺穩定性和塑造的形式美之間的關系是復雜的。人的眼睛接觸圖片，往往會迅速從左上角到左下角，然後通過中央部分到右上角再回到圖片中最吸引眼球的中央圓圈。這個中心點就是視覺的中心。但畫面輪廓的變化，圖形的聚散，色彩或明暗的分布，都可以影響視覺重心。因此，畫面重心的處理是討論平面構成的壹個重要方面。在平面廣告設計中，壹則廣告所要表達的主題或重要內容信息不應偏離視覺重心太遠。節奏和韻律節奏原本是指音樂中聲音節拍的優先順序的變化和重復。節奏，壹個帶有時間感的名詞，指的是同壹視覺元素連續重復時的運動感。節奏原本是指音樂(詩歌)的韻律和節奏。詩歌中高低音調、輕重音調、長短音調的組合，對稱的停頓或停頓，同壹音色在某壹位置的重復，在句末、行末使用諧音來增強詩歌的音樂性和節奏感，都是節奏的運用。平面構圖中簡單的單元組合和重復往往是單調的，有規律變化的意象或色彩組以數比、等比例排列，使其具有音樂和詩歌的旋律感，這就是節奏。節奏構圖具有積極的生命力、強化魅力的能量、與意境的聯想平面構圖通過視覺傳達和聯想，達到壹定的意境。聯想是思維的延伸，從壹件事延伸到另壹件事。比如圖形的顏色:紅色讓人感到溫暖、熱情、喜慶；綠色使人想起自然、生命和春天，從而給人以平靜、活力和春天的感覺。各種視覺圖像及其元素會產生不同的聯想和意境，由此產生的圖形的象征意義，作為視覺語義的壹種表達方式，被廣泛應用於平面設計構圖中。隨著科技文化的發展，對美的形式規律的認識將不斷深化。形式美法則不是死板的教條，要靈活理解和運用。