第壹，電影技術的創新
好萊塢電影的發展與現代科學觀念的發展密切相關。好萊塢電影從壹開始就確立了技術主義的傳統，每壹次技術風暴和創新都會給不同時期的電影帶來質的飛躍。第壹部有聲電影《爵士之王》的誕生，使電影真正成為壹種可以聲畫結合的新藝術形式，而第壹部彩色電影《閃光的世界》的出現，使電影跨越了從黑白到彩色的邊界和鴻溝，這不僅是視覺上的進步，更是審美上的突破。
隨著時代的發展，科技的進步，最新最先進的技術總是在第壹時間體現在好萊塢電影中。在好萊塢電影的奠基時期，愛迪生關於電影器材的壹系列發明為好萊塢電影的發展奠定了技術創新的基礎，他發明的“電影鏡”第壹次使觀看電影成為可能。在他之後，法國盧米埃爾兄弟發明的“可移動電影機器”讓“拍電影”和“放電影”從夢想變成了現實。1928年7月，在好萊塢電影如火如荼的時候，紐約首映了世界上第壹部由華納公司拍攝的故事片《紐約之光》。1935年6月，廣電中國上映全球首部彩色專題片《浮華世界》；之後的1953，20世紀福克斯公司制作了第壹部寬銀幕故事片《聖袍春秋》。這些用來擴大人類視聽範圍的科技手段，極大地延伸了人類感知的領域。電影在經歷了五六十年代與電視競爭的蕭條後，終於擺脫了電視的陰影，真正找到了適合自己審美特點的發展道路，這是科技進步的結果。從此，制片廠不再在放映設備和電視制作上尋求突破，而是用視聽語言的革命作為更新穎的傳播手段來對抗小屏幕。此後，視聽革命擴大了電影的表現範圍，當然，大投入帶來的利潤激增也給了好萊塢這個巨型產業前所未有的推動力。70年代末80年代初，壹系列好萊塢大片接踵而至，“大片時代”來臨。《星球大戰》、《《侏羅紀公園》》等電影以其生動的角色還原、逼真的造型設計、逼真的模擬音效，開創了科技進步的又壹先河。在當代，以《阿凡達》為代表的3D技術已經突破性地應用於電影的表演範疇。CG動作捕捉技術、協同工作系統和虛擬攝像機的使用，使人類的視聽體驗進入了更高層次的享受。《《阿凡達》》的成功再次證明了技術和細節對現代電影的決定性影響。在當代，世界各地3D IMAX、巨幕、環幕乃至4D影院的出現，及時滿足了觀眾的欣賞需求，給觀眾帶來了聲畫結合的震撼體驗。展望未來，電影技術的創新將越來越有力地應用於好萊塢電影。
第二，電影類型的創新
類型片的形成和輝煌開始於20世紀三四十年代的經典好萊塢時期，包括西部片、警匪片、喜劇片、音樂劇片等等。在此期間，工作室已經轉向類型生產。當“標準化”成為好萊塢普遍追求的制作模式時，電影的制作和制作更像是壹種商業追求，而非審美突破。從敘事構思到上映放映，都是與觀眾緊密配合的結果，不受導演個人價值取向的影響。這雖然在壹定程度上限制了壹些導演個人創作的廣度和深度，但同時也能保證影片在商業上取得相對穩定的“成功”，這對於當時好萊塢剛剛形成的工業體系來說至關重要。在好萊塢，創意電影制作是壹種既能滿足制片方審美要求，又能訴諸觀眾期待的表達方式，從而成功地反復實踐並建立起標準化的“慣例”，也就是托馬斯·沙茨所說的“類型產品和洗滌的原則”。
在上述意義上，類型片的創新在於從這種類型中延伸出來的類型，可以稱之為次類型或類型混合。比如科幻電影脫胎於恐怖電影，災難電影脫胎於科幻電影。同時，這些子類型能夠在最初類型衰落的時代另辟蹊徑，在原有類型的基礎上創造和開辟新的表現空間。比如科幻電影，在八九十年代達到第壹個高峰，隨著科技的進步，在20世紀初大放異彩，至今仍受到年輕觀眾的青睞。新好萊塢時代，隨著觀眾需求的不斷增加，流派之間的界限越來越模糊，定義方式也越來越復雜，甚至逐漸產生了超流派電影。如今，似乎很難在銀幕上看到純粹的電影。可以說，正是好萊塢電影的創新機制，使它們相互融合，產生新的風格。
第三，電影美學的創新
早在電影早期，美國電影就確立了幾種敘事傳統和類型:《火車大劫案》創造性地發展和豐富了電影敘事的流暢性和連貫性；格裏菲斯的《壹個國家的誕生》和《讓我們反對不同的群體》繼續復雜化和深化了電影的時空表現和敘事語言；以卓別林為代表的美國無聲喜劇，成功地將“喜劇”和“戲劇”的元素融入到電影媒介中，利用電影的時空手段和結構概念來描述和表達思想，成功地開創了壹種新的類型，為後來的喜劇奠定了基礎。在經典的好萊塢時期，大量優秀的故事片發展並強化了這壹敘事傳統，並根據敘事內容和風格的不同，逐漸形成了不同類型的電影，創造了新的審美形式。從敘事策略的角度來看，正如梅斯所說:“壹部電影之所以難以解釋，是因為它容易理解。”之所以能“看懂”好萊塢電影，是因為我們相當習慣好萊塢的電影語言和敘事策略。所謂“經典好萊塢現實主義”，是基於其能夠通過對中心人物的感知來穿透敘事信息，從而隱藏技巧，適應了觀眾的“偷窺”心理，模糊了“故事”與“事實”的界限。60年代末70年代初，美國先鋒電影美學和地下電影出現。雖然它們不能代表美國電影的主流，但它們與好萊塢電影自身的產業發展和審美演變密切相關，並直接影響了新好萊塢時期敘事傳統的轉變。這壹時期湧現出壹批不同於好萊塢經典敘事體系和表演風格的電影，如《雌雄大盜》、《歡樂騎士》、《畢業生》、《憤怒的公牛》等。與法國新浪潮類似，壹批更強調“作者”身份的“學院派”青年導演開始走上創作之路。他們作品的開拓創新性，創造了另壹種視聽語言的表達體系，在當時令人耳目壹新。電影本身可以看作是意識形態的社會折射，是壹個可以不斷反映、復制和再現意識形態的裝置和鏡子，而這批電影所分析和表達的社會關註的話題，恰恰是當時美國社會最真實、最透徹的映射。可以說，這種意義上的創新既有人文關懷的屬性，又烙上了大眾文化的印記。
第四，電影產業的創新
美國電影公司從壹開始就設計了壹套制作、發行和放映電影的系統，保證了與公眾的定期接觸。這種“壹體化”的計劃提供了利用工作室控制的電影院流出的現金制作新電影的可能性，也為制片方提供了有價值的反饋，以衡量公眾對故事和傾向的反應，也確保了與公眾進行文化交流的手段。正如托馬斯·沙茨(Thomas Schatz)在《新好萊塢/舊好萊塢》(New Hollywood/Old Hollywood)中提到的，“好萊塢的制作更引人註目，是因為它們的相似之處多於不同之處”。工作室在開發完善制作體系的同時，也細化了每道工序的每壹個獨立環節。隨著敘事技巧和故事公式的提高，如何在影院放映中成功營銷並獲得最大利潤顯得尤為重要。只要好萊塢電影公司保持這種電影制作、發行、放映的封閉體系，企業的造神話作用的優勢就能得到保證。八大電影公司(米高梅、派拉蒙、哥倫比、華納兄弟、環球、聯美、20世紀福斯和華特·迪士尼)之所以成為經典好萊塢時期快速崛起的公司，恰恰是其縱向壟斷的遠見和徹底性。
從1913好萊塢建立制片廠體系開始，八大制片廠基本控制了整個好萊塢電影的制作、放映和發行。同時，明星制也是工作室制不可或缺的壹部分。當時所謂的“明星”，是指扮演同類型角色，作為完美敘事功能而存在的電影元素之壹。50年代，大制片廠體制解體，壟斷消失。各種中小型電影公司發展起來了。電影的發行不再僅僅由工作室系統操作，視頻市場和互聯網都成為了賺錢的渠道。電影放映不僅僅是在電影院，在五六十年代出現的露天影院、家庭影院、網絡電視也是如此。大工作室制的解體，給明星和導演創造了更多的自由和選擇，形成了經紀人制度。在新的好萊塢產業中，獨立電影制作人和經紀人變得更加重要。他們不僅要保持舊工作室時期的相同功能:進行必要的資源整合和最大限度的優化，而且要在新的時期和形勢下抵禦更強的風險，承擔更大的責任。在派拉蒙法案之後，許多電影公司成為發行公司來資助獨立電影的制作。所以很多年輕電影人壹部壹部地把自己賣給獨立電影人或者大制作公司(比如喬治·盧卡斯)。以上其實都是體制內的創新。
動詞 （verb的縮寫）結論
美國好萊塢電影作為美國乃至全球最重要的文化產業，以其完整的體系結構和嫻熟的運作機制，在世界範圍內不斷擴張和演變，成為各個國家和地區電影產業發展和創新的模仿者。雖然經歷了從舊好萊塢到新好萊塢的變遷，但由於其內部創新機制的及時調整和演進，它始終在經濟文化全球化的進程中扮演著重要的角色。中國電影在受到好萊塢電影沖擊的同時，應該吸收和借鑒科技、文化和產業戰略，形成和諧共贏的局面。