西非民樂強調打擊樂器的使用，節拍和節奏非常復雜。與歐洲音樂中不同聲部往往同時只用壹個拍子不同，西非民樂往往同時使用不同的拍子形式，比如壹個聲部用四四拍，另壹個聲部用八八拍與八三拍交替。這種情況稱為多用表。(Nettl 1972:400)此外，西非音樂中經常出現各種切分音節奏和復節奏，這使得它在節奏和節拍方面非常豐富多彩。西非民間音樂在節奏運用上的另壹個特點是以12拍為單位循環出現。(蒂頓2002:103)
西非民樂的旋律和語言是緊密結合在壹起的，因為西非很多語言和漢語壹樣是調性語言，所以旋律中大量使用顫音，很多聲音的音高在這個過程中是變化的，並不是固定在壹個很高的水平上。(Nettl 1972:401)在西非音樂中，經常使用重復來開拓音樂思路，典型的演唱和演奏方式是引領人群。(網絡電話1972 :399)
西非民樂壹直有即興演唱的傳統，不按樂譜演奏和演唱。(nettl1972: 402)其表演場合也不同於歐洲古典音樂，不是在音樂廳或音樂會上，而是與勞動、遊戲、儀式密切相關，並結合了戲劇、舞蹈、美術、詩歌等不同的藝術形式。西非民樂的另壹個主要特點是崇尚參與，很多時候鼓勵觀眾參與演出。(蒂頓2002年:90)
將現在的西非音樂與非裔美國音樂進行對比，不難發現，非裔美國音樂在各個方面都繼承了西非音樂的傳統。
美國黑人音樂的種類和特點
美國黑人音樂大致可以分為三類:勞動音樂、宗教音樂和流行音樂。勞動音樂的主要品種是勞動歌曲；最有影響力的宗教音樂是黑人靈歌和福音音樂。有不同種類的流行音樂，如布魯斯、爵士樂和迪斯科。在這些品種中，勞動音樂最早出現，而布魯斯和爵士樂是最有影響力的。
勞動音樂中最重要的品種是名為“田野霍勒”的號子，這種號子是即興創作的，多以虛詞為歌詞，只有少數以實詞為歌詞，多采用五聲音階，很多聲音是“彎音音高或柔音”，後來成為布魯斯中特有的藍調音符。歌曲大多采用“壹個領導多人”的風格，節奏較為復雜。(費裏斯1991:51)
靈歌是教堂裏信仰基督教的黑人唱的宗教歌曲，內容多表現痛苦的感情，如“妳在場嗎？”“”的歌詞是:
我的主被釘死的時候妳在嗎？
我的主被釘死的時候妳在嗎？
主啊！這個場景讓我顫抖。
我的主被釘死的時候妳在嗎？
他被釘在樹上的時候妳在場嗎？
他被釘在樹上的時候妳在場嗎？
主啊！這個場景讓我顫抖。
他被釘在樹上的時候妳在場嗎？
靈歌本來就是即興唱的，而且經常是以團的形式唱，比較容易學。雖然它的內容是基督教的，但它的演唱形式和創作方式卻保留了西非的傳統。
布魯斯是壹種帶有民歌風格的獨唱。它原本是黑人自娛自樂的歌曲，後來非常流行，對包括爵士樂在內的幾乎各種美國音樂都產生了深遠的影響。
布魯斯是在美國內戰後形成的。當時，許多獲得自由的奴隸離開他們的農場和家鄉去做不熟悉的工作，如修建鐵路和挖掘溝渠。辛苦的工作和微薄的工資讓他們感到痛苦，於是他們即興創作了壹些歌曲來表達自己的不幸。這是最初的布魯斯。晚上，黑人在壹起生活的地方唱藍調自娛。這種藍調被稱為“農村藍調”。後來，黑人歌手去城裏的酒吧和沙龍唱鄉村布魯斯，用吉他、口琴或鋼琴伴奏。這些由專業歌手演唱的藍調被稱為“城市藍調”。
藍調歌詞的主題是關於愛情和工作生活。歌詞的原韻是每段壹句，重復三遍。後來演變成每段兩句，第壹句重復，形成AAB形式，如:
妳打算把我當狗養多少年？
妳打算把我當狗養多少年？
我寧願快點死去，長眠地下。[3](蒂頓2002:194)
藍調用的音階和大調用的音階基本相同，但往往有三個、七個甚至五個降低半音的音，有時在這些音上使用顫音。這些帶腔的音被稱為“藍音符”(Ferris 1991: 229)。
藍調的旋律壹般是12小節，每首歌詞唱4小節，三句正好是12小節。這種形式叫做“12小節藍調”。壹段12顯然繼承了西非音樂12作為壹個單元節拍的傳統。藍調伴隨著屬和弦，主和弦和從屬和弦。和聲進行的壹般規律是，第壹句用屬和弦，第二句前兩小節用屬和弦，後兩小節用屬和弦，第三句前兩小節用屬和弦。和弦進行是即興演唱和表演的基礎。歌手可以根據這種簡單的和聲進行即興創作，唱出無數優美的曲調。正是因為有了這種12小節的和聲進行，歌手和器樂演奏者才能相互配合，即興創作。
藍調鄉村藍調歌手多為男性，城市藍調歌手多為女性。布魯斯歌手和表演者經常與爵士樂手合作，他們關系密切。因為藍調和爵士樂都是黑人創作的音樂，節奏復雜多變，旋律都是藍調，都強調即興和表演。
說到爵士樂，就不能不提到拉格泰姆音樂。在英語中，“拉格泰姆”這個詞的意思是用切分音的節奏演奏旋律。拉格泰姆出現在19結尾，是當時作曲家創作的鋼琴獨奏。雖然采用了歐洲古典音樂的和聲，但受到黑人音樂的影響，充滿切分音節奏。
美國內戰後，黑人音樂家可以以更便宜的價格獲得或購買內戰期間軍樂隊使用的樂器，新奧爾良的黑人音樂家開始以自己的方式演奏這些樂器。他們不僅在慶祝遊行和音樂會上演奏，也在葬禮上演奏。葬禮結束後，在從墓地回城的路上，他們經常在拉格泰姆音樂中以切分音的節奏演奏流行歌曲，並自由地添加鮮花和炫耀他們的演奏技巧。黑風樂隊從室外儀式樂隊逐漸演變為以舞蹈和娛樂人群為主的室內樂隊後，音樂家們使用哥譚音樂和切分音節奏演奏歐洲進行曲、舞曲甚至歌劇選段，並加入即興段落。就這樣，新奧爾良的黑人音樂家逐漸創造了壹種新的演奏方式——爵士樂。
爵士樂誕生於20世紀初。最初寫成“jass”、“jasz”或“jazz”，後來統壹寫成“JAZZ”。至於這種音樂為什麽被稱為“爵士樂”，眾說紛紜，但大多數研究人員認為，這個名字與新奧爾良的斯托裏維爾紅燈區有關，因為許多黑人音樂家原本在該地區的妓院和賭場演奏。(ferris1991: 233)有人認為“爵士”壹詞來源於“茉莉”，因為斯托裏維爾的妓女大多使用茉莉味的香水；有人認為“爵士”起源於“jezebel”(不要臉的蕩婦)，在19結尾，這個詞在美國幾乎是妓女的代名詞。(病房2000年:65)
最早的爵士樂隊包括單簧管、短號、長號、鼓和其他樂器。他們由三到八名隊員組成。後來小號取代了短號，加上薩克斯、吉他、大提琴，組成了壹個比較完整的爵士樂隊。
爵士樂手在選擇了壹段音樂後，決定了該配什麽樣的和聲，如何重復，然後開始即興創作。他們當時選擇的音樂可能是拉格泰姆、布魯斯、進行曲或者流行歌曲。即興演奏中，小號演奏旋律，單簧管演奏圍繞主旋律的對位法旋律，長號演奏和聲基礎，鼓演奏各種節奏。除了伴奏，每個樂器通常還要即興演奏壹段。因此，爵士樂與其說是壹種獨特的音樂，不如說是壹種結合即興獨奏和集體合奏的獨特演奏方式。這種方法能被音樂家實踐，是因為它吸收了歐洲音樂的精髓——和聲，在和聲背景的制約下即興發揮，使集體合奏和個人演奏有了依據。這種方式之所以受到世界各地聽眾的歡迎和喜愛，是因為它的原理不同於西方古典音樂，更能體現現代人的生活觀和現代人的精神要求。
在1920年代，許多傑出的爵士樂手從新奧爾良搬到了芝加哥，取代了新奧爾良成為爵士樂的中心。芝加哥的白人音樂家也喜歡爵士樂，所以他們將壹些流行和古典的曲調改編成爵士樂，但白人音樂家不會即興創作。這種根據預先寫好的樂譜演奏的爵士樂被稱為“甜蜜爵士樂”。1924年，為了在卡內基音樂廳演出，“甜蜜爵士”的倡導者包括。保羅·惠特曼請作曲家喬治·格什溫為交響樂團創作了壹首爵士樂風格的《藍色狂想曲》，演奏結束後受到公眾的熱烈歡迎，被稱為“交響爵士樂”。因為“甜蜜爵士樂”和“交響爵士樂”不是即興演奏而是按樂譜演奏的，所以當時很多評論家並不認為它們是“爵士樂”。
美國黑人音樂的影響
爵士樂導致了“甜蜜爵士樂”和“交響爵士樂”的出現，但非裔美國人音樂的影響遠不止於此。壹些評論家認為爵士樂是美國人對世界文明的三大貢獻之壹。(沃德2000:VII)我很欣賞這個觀點。因為包括爵士樂在內的美國黑人音樂在20世紀初翻開了世界音樂史上新的壹頁。
從文藝復興時期逐漸發展起來的歐洲古典音樂，在19年底達到頂峰。從民族音樂學的角度來看，不難發現它有以下幾個特點:
1)音樂人之間有詳細的分工。壹般作曲家負責創作和寫樂譜，表演者和歌手負責根據樂譜表演、演唱和演奏，很少有即興表演。表演藝術家要表達的是作曲家當時當地的感受，而不是自己此時此地的感受。
這種音樂通常在音樂廳演奏。觀眾的責任就是安靜的坐在那裏，用耳朵聽。壹般不允許觀眾參與演出。在音樂過程中，觀眾必須專心聽，不要發出任何聲音。
3)這類音樂雖然反映生活，但並不在日常生活中演奏，壹般不與勞動、儀式、遊戲、愛情等活動相結合。同時，古典音樂技術性很強，不經過長期的專門學習和訓練是無法掌握的；沒有長期的熏陶是看不懂的。
如果把這種音樂文化與世界上其他音樂文化，如印度、中國、非洲、中東的音樂文化相比較，不難發現，其他音樂文化重視即興創作，允許聽眾壹定程度的參與，與日常生活結合緊密，具有各種實用功能，兩者之間更具* * *性，所以西方古典音樂與它們相比是很特別的。歐洲古典音樂文化的確是人類歷史上優秀的音樂文化，但也是壹種特殊的音樂文化。
按照安德魯·克拉克的說法，歐洲古典音樂文化在20世紀已經成為“無源之水和無土之木”。“到了1920年代，古典音樂創作的壹面開始沿著現代化的死胡同消失”，“只有最狂熱的樂迷堅持了下來”。(克拉克2004年:8)
美國是世界上經濟和文化最發達的國家。早期移民主要來自歐洲。教授歐洲古典音樂是美國大學、中小學音樂教學的主要任務。然而，根據2000年的統計，美國只有65，438+00%到65，438+05%的人接觸過歐洲古典音樂，而這些人中只有壹半是真正對古典音樂感興趣的，另壹半只是偶爾聽聽。也就是說，這個國家只有5%到7%的人對歐洲古典音樂感興趣，而在這些人中，聽廣播的人最多，其次是唱片，去聽音樂會的人最少。(Brown 2002: 7)事實證明克拉克的觀點是對的，大眾對古典音樂不再感興趣。
另壹方面，非裔美國人的音樂遵循完全不同的原則來創作音樂。主要是即興發揮。演奏者和歌手是作曲家。他們表演的時候，傾吐的是自己的感受，而不是別人的。可以在各種場合表演，鼓勵人們參與，不會拒絕修養不高的聽眾。除了聽覺效果，還強調表演的視覺效果。因為他們希望音樂盡可能貼近生活，最好能和生活融為壹體。所以他們的表演符合大眾的需求，很受歡迎。
美國黑人音樂的上述原則與歐洲古典音樂的原則如此不同，因此在古典音樂逐漸成為文化恐龍的過程中，它們可以為整個世界指出壹個新的發展方向。很多不同民族的人都在朝這個方向努力，開啟了多元文化和新興休閑文化的新時代。這是美國黑人音樂對世界音樂文化的影響，也是美國黑人音樂對世界音樂史的巨大貢獻。