b級電影是大蕭條的產物。30年代初的三年，每周觀看人數從654.38+0.1億下降到6000萬。為了贏得觀眾，電影公司推出了雙單放映制，基本上就是壹部正片加壹部B片。1935 10雷電華和米高梅在各自的壹線影院展開了雙影放映，被視為B片的正式階段。壹年之內，四分之三的電影院采用了雙電影制。在原來的電影院，壹個晚上通常是故事片、新聞片、動畫片和預告片打包成壹個包，把動畫片升級成70分鐘左右的低成本故事片是吸引觀眾的壹種方式。b是這樣出現的。至於為什麽叫B，沒有統壹說法。以前別人跟我說是A/B，就是兩部雙比爾的片子。也有說賬單底之類的。
說到B級片，大家都會有壹個粗略的印象:粗糙直接，感官刺激強烈，主題永遠離不開恐怖、暴力、色情。這種起源於好萊塢黃金時代的電影，其實從壹開始就是不要臉的，它的起源就決定了這壹點:壹張電影票可以看兩部電影，主片制作精良，被稱為A級片，B級片的成本自然低，但是為了吸引觀眾，就要招小孩，所以要在色情、血腥、恐怖上做文章。
壹個很嚴肅的問題是，為什麽壹定要用色情、血腥、恐怖做噱頭？答案很簡單，因為它們有效。為什麽有效？因為他們的本性。換句話說，這些東西在我們的天性中根深蒂固，所以不加思索地稍微挑逗壹下也是可以的。所以總會有兩種電影，壹種試圖帶我們超越身體的界限，體驗壹種美好的東西；壹種讓我們回歸身體，感受欲望的脈動。前者讓人肅然起敬，後者能讓人發泄，B級片無疑屬於後者。但不帶個人偏見，兩者並無區別。就像愛情片和色情片壹樣，壹個作用於精神，壹個作用於身體，壹個是撫慰心靈，壹個是緩解身體的緊張，兩者都對人有益。
記得有壹本書上說:文明就是把真相包裝起來，才不顯得惡心。沒錯。我們不是受虐狂。讓我們過幹凈的生活。但是有壹個問題，就是時間長了，人會變得難以面對真相或者認為真相就是這樣，然後難免虛偽。就像尼采說的:蟲子害怕被踩，所以蜷縮起來。人類稱之為謙遜。
在電影裏，我們經常可以找到這種外殼精致的東西，但是裏面要表達的東西，總是彌漫著壹種鹹味，激起妳下半身的欲望。這個時候，我寧願看壹些骯臟血腥的B片。這就是，B級片就像壹劑解藥，因為它非常直接的表現出它的趣味和味道，在這個虛偽的世界裏顯得勇敢甚至單純。
b片實際上在電影院很受歡迎，尤其是在南方。這是因為那些大片都是虧本的。電影賣得越好，電影公司拿到的傭金就越多，最暢銷的電影可以有10%留給院線。但B片是壹次付清的，壹般費用是7萬美元。電影公司的收入是65438美元+0，000，電影院可以隨心所欲地放他們。看盧比茨的電影，沒有情節簡單陳詞濫調的電影酷。電影院會在周中放映單場電影，周六晚上放映所有的B片。B級片的制作可以分為體制內和體制外兩部分。壹般大型領域都有B單位，由專人負責。派拉蒙是索爾·C·西格爾，華納是布萊恩·福伊，米高梅是盧西恩·哈伯德和邁克爾·費希爾，哥倫比亞是歐文·布裏斯金，福克斯是本·斯托洛夫和索爾·伍爾澤。Wurtzel這個名字聽起來更壞，所以有個笑話叫“從壞到Wurtzel”。可見b片的b。
B單位在片場的基本工作感覺更像是抹布或海綿，把那些開銷都吸走了。壹般b片的b可以從人員、故事、成本、周期等方面看出來。演員壹般不是過時就是不知名。例如，貝拉·路高西在20世紀30年代創辦了B，這表明他衰落得有多快。《翅膀》中的男主角理查德·阿倫也是壹位B片老手。不用說，很多明星都在B片工作過，反正都是合同工。導演和編劇也是如此，懷勒、喬治·史蒂文斯、艾德米特裏克、弗萊德·齊納曼、雅克·圖爾尼爾、朱爾斯·達辛、馬克·羅布森、羅伯特·懷斯、安東尼·曼。從這個角度來說，工作室有自己的育人體系。但是，也有很多B片專業人員是永遠培養不出來的。偶爾b片還有另外壹個作用，就是教育壹些突發腦損傷的人，比如已經被懲罰的鮑嘉。
當然，B片的劇情也是直接且非常老套的公式化制作，制片廠自行更改電影背景的情況比較常見。畢竟b片的準備時間只有壹到兩周。很多時候，只是為了利用其他電影中的場景，比如宏偉的安伯森斯的房子，它被用在貓人裏。B片為了省錢，也大量利用片場現成的素材，有時會刻意讓人物著裝來搭配壹些片子的剩余素材。拍攝周期更短，壹般壹周。畢竟資金少，利潤空間小。壹萬多人會因此喪命。拍兩次就虧了。很多情況下，妳會在妳拍攝的地方。
其實獨立制作公司在成本和拍攝上和大型工作室差不多，資金甚至更少。沒有現成的布景可以用，往往是壹個背投解決壹切的場景。經過20世紀30年代小制片廠的興衰，20世紀40年代形成了三大制片廠:共和、專刊和PRC(制片人發行公司)。像愛德華·G·烏爾默壹樣，它在中國。他說，他們通常會壹下子想出幾十部電影的名字，所以他們決定了今年要拍的電影，然後把故事塞進名字裏。例如，他看到了比利·懷爾德的雙重賠償，並提出了單壹賠償。然而，電影拍完之後，他改了名字。烏爾默還用約翰·福特的《Hurrican》拍攝後剩下的200個棕櫚樹模型來拍攝古巴版的《大酒店:哈瓦那俱樂部》。烏爾默覺得獨立電影在大制作體系中比b片有更多的創作自由，除了資金問題，在內容上也沒遇到過其他的控制。資金會有怎樣的影響？比如服務員這個角色，如果沒有對話就是16.50，如果他說謝謝就是25。為了節省這8.50美元，編劇/導演不得不設計壹些情境，讓角色無法說話，比如聲音破碎。
Monogragh的主要技術是拍攝壹系列電影。他們有壹個叫斯科特·鄧勒普的養牛人，特別擅長打第壹槍。有壹部電影賣得很好，然後他粗制濫造了幾部同系列的電影，靠第壹部的名聲賣錢。Monogragh也有自己的準B單位，專門拍B片。導演是薩姆·卡茲曼，貝拉·路高西在系列中廉價地重復著自己。驚悚片是b片專業，專著負責人是國王三兄弟。
獨立制片公司沒有自己的電影院。他們利用國家規定在附近電影院尋找穩定的放映渠道。後來就更大了，比如《共和》和《專著》也在大城市設立了自己的發行代理商。然而，大多數公司仍然依賴於當地的關系。
後來，Republich破產，PRC在壹系列並購後被UA收購，Monograph更名為Allied Artists，逐漸走規模化路線。20世紀50年代後，它不僅支持羅傑·科爾曼的低成本B片，還投資了比利·懷爾德和威廉·惠勒的電影。戈達爾氣喘籲籲的美國發行權被戈達爾象征性地給了《專論》。
傳統的B級電影制作在20世紀50年代初解體了。電影觀眾曾占全國人口的70%，1957年減少到4000萬，1970年減少到2000萬。電視開始播放自己的系列驚悚片或西部片，制作方往往是老B片的制作方。電影制作人面臨著選擇，他們中的壹些人已經加入了電視行業。
電視的制作和B片的制作非常接近。制作周期短，讓電視臺首先想到的是b片制作方。事實上，共和國所宣傳的5萬美元的電視機也可以生產，但電視臺的生產周期更緊湊。資深B片導演，如萊斯利·塞蘭德、約瑟夫·凱恩和盧·蘭德斯，都自然而然地進入了電視制作，電視制作人對他們的評價是:平淡無奇，但始終可靠。後來電視電影的出現，其實完全移植了B片。
另壹部分B片制作人開始開發新的B片，包括威廉姆·卡索和薩姆·卡茲曼，阿爾伯特·祖格史密斯(這位紳士被大多數人記住是因為他是《寫在風中》、《玷汙的天使》和《邪惡之觸》等經典電影的制作人)，塞繆爾和詹姆斯·尼克爾森(他們在55年建立了AIP)，當然還有羅傑·科爾曼。雖然觀眾數量在下降，但還是有很多潛在觀眾不願意開發大領域。比如免下車電影院，那裏的觀眾壹般都是年輕人。這部新的b片主要針對美國青少年來開發市場。科幻、恐怖、超速、吸毒、狂歡是常見的主題。此時B片成本不超過6.5438億美元+萬，發行和宣傳費用也差不多。為了發行影片，各種嘩眾取寵的手段都用上了，比如在觀眾座位下接電極，穿著骷髏服在觀眾中走來走去，推銷意外心臟病保險...
1970年，羅傑·科爾曼與AIP在Gas-s-s-s的剪輯上發生爭吵，創辦了以剝削電影聞名的新世界，如護士系列、女子監獄系列等。科爾曼也曾短暫開發過黑色系列，但因為覺得這10%的觀眾不值得而放棄了。他的銷售經理總結說，這部電影70%的成功在於它的標題和宣傳。《大鳥籠》的口號是“女人的欲望如此強烈，以至於融化了奴役她們的枷鎖”，而《飛吧》的口號是“看空姐的戰鬥功夫殺手”。
新世界堅持40年代B片的風格，比如彼得·博格丹諾維奇的電影《目標》。事實上，這是因為波利斯·卡洛夫欠科爾曼壹些工作時間來報復。之所以拍恐怖片，是因為電影《渡鴉》提前兩天完成，以免浪費。好萊塢大道完全是壹場賭博。公關經理喬恩·戴維森說，他可以用該公司有史以來最便宜的電影的三分之壹的錢來制作壹部電影。於是，壹部哥斯拉和蒼蠅的電影問世了。羅傑·科爾曼親自指導編劇，給他們整個框架。喬納森·卡普蘭說，在拍攝《夜間呼叫護士》時，科爾曼與他舉行了壹次工作會議。會上，科爾曼列出了壹個需要遵循的詳細大綱:利用男性觀眾的性幻想；打架和暴力應該就夠了；必須有兩條故事線，壹條是喜劇，壹條是反映左派的自由主義價值觀。正面裸露必須在腰部以上，背面裸露可以全身，絕對不能出現陰毛。片名要用在片子裏。像B級電影名人艾德·伍德這樣的電影狂人，感人至深。也許他只是壹個糟糕的導演，但失敗的人生和成功的人生並沒有實質性的區別。人終究會死。伍德在不斷拍電影的過程中獲得了別人無法體會的快樂，這就足夠了。低成本電影和“大片”:良性互動創造繁榮。美國電影市場就像壹個生物圈，如果每年有幾十部“大片”代表獅、熊、虎、豹等金字塔的頂級物種；大量的低成本電影，如“小電影”、“B片”，代表了各具特色的豐富人群，如羚羊、斑馬、黃鼠狼等。他們聚集在壹起，每個電影類型都有自己的代表作品。就像每個小生都有自己的代表物種壹樣，不同的專業相互依存，相互作用，構成了美國電影業的繁榮體系。
低成本電影，尤其是B級片，很大程度上是基於對A級片的模仿。《侏羅紀公園》導致了壹些低成本怪物電影的出現，如《鱷魚史前》。《黑客帝國》上映後，“子彈時間”這個商標也出現在越來越多的B級動作電影中。曾經高居北美票房榜首的勵誌體育喜劇《躲避球》中，主人公在最後的決戰中蒙眼擊敗對手，顯然是向《星球大戰》的結局致敬。所謂物極必反，終極模仿就是諷刺。在《裸槍》和《京生肖健》系列中，美國電影界幾乎所有的“大片”都被戲弄過，可以說無壹幸免——於是不禁被美國制片方的商業頭腦所折服，同題材或同情節的“大片”拍壹次，低產量的片子拍壹次，最後再嘗試諷刺壹次。
另壹方面，低成本電影為“大片”提供了豐富的基礎。大多數世界級的導演或演員都是從低成本電影起步的。《蜘蛛俠》系列的導演薩姆·雷米(Sam Remy)憑借恐怖片《僵屍》系列邁出了成名的第壹步。即使在今天，在《蜘蛛俠2》的“手術室大屠殺”這壹段，我們依然能隱約看到他對自己B級片生涯的懷念和致敬。梅格·瑞安給觀眾留下最深印象的作品是《西雅圖不眠夜》和《網絡之戀》等小成本浪漫電影，但她傾盡全力沖擊大片的《生死激情》卻被大多數影評人歸為滑稽臉的失敗之作。
從目前中國進口的美國電影構成來看，“大片”占據絕對優勢。而且，即使是像《未來水世界》、《紐約大劫案》和《亞瑟王》這些在美國遭遇冰雹的作品，依然是舶來品。但另壹方面，在引進低成本電影方面又顯得過於小氣。不僅優秀的作品基本被排除在國門之外，還引進了《雲中漫步》《神秘大亨》等平庸之作，在劇情和表現上都有所欠缺。美國“電影”:美國社會的壹面鏡子。美國電影年產量在500部左右，其中高成本的“大片”不到100部，其余80%都是小投入制作的。在這些影片中，有壹類作品幾乎處處與“大片”背道而馳。他們的投入壹般只有“大片”的零頭，很少用壹線大牌明星。劇情以愛情、家庭、青春、體育或喜劇為主，片長很少超過100分鐘。到目前為止，電影研究者還沒有發明壹個統壹的術語來概括這類電影。為了描述方便，本文特意將其稱為美國的“小件”。
在美國電影市場上，各種“大片”往往只在夏季和聖誕節引領風騷三四個月，其余的廣大地區幾乎完全被各種“小品”占據。“小塊”也有自己的領土劃分。尤其是每年2月以來，恰逢情人節和新學期開學，愛情和青春片成為這壹時期的主題。2004年的《大學皇後》《壞女孩》《少女夢30》等電影都屬於這壹類，浪漫的愛情和艷麗的少女成為最大的看點。
《小片》中的價值觀趨於傳統，很少有像《黑客帝國三》或《現代啟示錄》那樣激進叛逆的主題。清教道德是這類電影的主流色彩。《偶像的約會》和《壹個孩子的洗衣店》中對愛情、友情和事業的忠誠，以及《新秀》和《溫網》中的個人奮鬥和自我犧牲精神，不僅是美國社會的精神基石，也是美國《小品》的內涵指南。從某種意義上說，很多美國的“小件”就像壹面鏡子，觀察著真實的美國社會。在描述現實生活的同時，它們包含了普通人最美好的夢想和理想。
所以，很容易理解為什麽幾個世紀前的壹些童話題材往往能在美國的“小品”中找到宿主。灰姑娘只有壹種類型。近年來出現了《曼哈頓的女仆》、《王子與我》、《灰姑娘的玻璃電話》等多部作品。體育和勵誌電影壹直層出不窮，因為它們迎合了現代觀眾的理想和口味。也有很多表現“運動中的女性”的小尺度電影，因為結合了美國“小電影”中兩個永恒的主題而更受歡迎。《少女出拳》《喬丹的後裔》《背繩之戰》等電影都在其中。但如果認為美國的“小塊”都是壹樣的方便面，那就有失偏頗了。像《五十個初戀》這樣的電影，巧妙地把愛情放在了失憶的反應皿裏，從創意上來說確實很新穎。
此外，美國的“小品”往往是美國流行文化的晴雨表，幾乎所有已經或正在流行的文化產品都能在“小品”中找到自己的影子。最好的例子就是《八英裏》裏的說唱，搖滾學校裏的民謠樂隊，還有《閃電舞》等壹批實力舞蹈片。如本文開頭所述，美國所謂的“小電影”是指壹種與“大電影”主題大相徑庭的小制作電影。另外，其他影片的成本雖然只是“小電影”的水平，但在劇情和內容上完全符合“大電影”。這就是通常所說的“B片”。