芭蕾源於古拉丁語ballo。起初，這個詞只是指跳舞，或在公共場合表演舞蹈，並沒有戲劇表演的意思。芭蕾舞作為壹種舞臺藝術，孕育於文藝復興時期意大利的盛大宴會和娛樂活動中，形成於17世紀的法國宮廷。這種宮廷芭蕾實際上是在統壹的主題下，結構松散的舞蹈、歌唱、音樂、朗誦、戲劇的綜合表演。由專業舞蹈老師設計，以國王貴族為演員，女性角色由男性扮演。演出場地在皇宮大廳中央，觀眾在大廳四周觀看。演員戴著皮革面具來標誌不同的角色，所以也叫假面芭蕾。
1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈學院。65438+黎塞留主教宮劇院在20世紀70年代開始用於芭蕾舞表演。場地和觀眾觀看角度的變化，引起了舞蹈技法和審美觀的變化，演員的站姿也越來越開放，從而正式確定了腳的五個基本位置，成為芭蕾技術發展的基礎。職業芭蕾舞演員應運而生，並逐漸取代了貴族業余演員。專業芭蕾舞演員也開始登臺表演，舞蹈技術發展迅速。芭蕾舞表演逐漸從自娛自樂的社會活動轉變為戲劇表演藝術。這壹時期的芭蕾舞從屬於歌劇，宮廷作曲家J. B .盧瑞在歌劇中加入芭蕾舞場景實際上是壹系列舞蹈表演，但情節似乎無關緊要。這時候叫唱芭蕾或者芭蕾歌劇。這種情況壹直持續到18世紀中葉。小說，18世紀的芭蕾大師，是芭蕾史上最具影響力的舞蹈革新家。他在1760出版的《舞蹈與舞劇快報》中首次提出了“劇情芭蕾”的觀點，強調舞蹈不僅是壹種身體技能，更是壹種戲劇表現和思想交流的工具。小說理論推動了芭蕾的革新浪潮。在他和其他許多演員、導演的不斷努力下，芭蕾在內容、主題、音樂、舞蹈技法、服裝等方面進行了壹系列改革。這些改革最終使芭蕾舞從歌劇中分離出來，形成壹門獨立的戲劇藝術。
在芭蕾發展史上，有兩種主要的美學觀點壹直在起作用。壹種觀點認為芭蕾是壹種“純粹的舞蹈”，16世紀的意大利舞蹈老師、女王喜劇《芭蕾》的導演B.de Beaujoyeulx認為芭蕾是“幾個人壹起跳舞的幾何組合”。這種觀點完全著眼於芭蕾的形式美，幾乎完全忽略了芭蕾的內容或情節，往往導致單純追求高超華麗的技巧。18世紀中葉以前，這種觀點在芭蕾創作中占主導地位。另壹種觀點強調芭蕾是壹種“戲劇性的舞蹈”，小說的“情節芭蕾”理論最集中地代表了這壹觀點。他認為，在壹部芭蕾作品中，舞蹈要表現出戲劇性的內容，“劇情和舞蹈設計要統壹，以邏輯清晰、易於理解的故事為中心主題，取消獨舞和與劇情無關的舞蹈片段”。在舞劇中，“不僅舞蹈技術令人眼花繚亂，還要通過戲劇化的表演來感動觀眾”。以上兩個主要觀點今天仍然有效。許多導演致力於創作戲劇性或情節性的芭蕾作品，而有些導演熱衷於沒有情節劇的芭蕾，註重形式美。兩部作品中的優秀劇目都為觀眾所欣賞，經常作為保留劇目上演。20世紀以來，各種文學思潮對芭蕾創作的影響越來越明顯，出現了許多風格各異的作品。
編舞是創作壹部芭蕾舞作品的關鍵人物。他根據文學劇本(或者壹個故事、壹首詩、壹部音樂作品)構思芭蕾結構或者舞蹈結構，然後演員再去體現。編舞和演員都必須掌握芭蕾語言(或芭蕾詞匯)——芭蕾技術技巧，以及運用芭蕾語言表達特定內容或情感的能力。編導要知道自己擅長什麽，不能表達什麽；另壹方面，演員應該訓練有素，能夠適應並創造性地體現編舞的想法。只有具備了這些基本條件，芭蕾創作才能進行和完成。芭蕾的結構形式有:獨舞、二人轉、三人舞、四人舞、群舞等。古典舞、個性舞(舞臺民族舞、民間舞)、現代舞等。根據以上形式，多幕芭蕾(分分合合，如《天鵝湖》)、單幕芭蕾(如《仙女》)和芭蕾小品(如芭蕾舞劇的這種結構形式在19世紀後期發展到高度規範化和風格化，影響和制約了芭蕾的發展。在20世紀導演創作的大量芭蕾作品中，這些規範和程序都被大大突破，新的探索和創作不斷湧現。
世界芭蕾舞發展概況
宴會芭蕾
芭蕾舞出現在15-16世紀文藝復興全盛時期的意大利，藝術家們竭力模仿古希臘的藝術風格。最早的芭蕾舞表演是在壹次宮廷宴會上舉行的。1489年，《俄耳甫斯》在意大利的壹個小鎮上演，慶祝米蘭公爵和西班牙阿拉貢的伊達貝爾公主的婚禮。當時的表演形式與我們今天看到的芭蕾舞表演完全不同。每次表演壹般都與上菜有關，比如模擬狩獵表演開始後吃野豬；海神和河神出現了，開始吃魚。然後，許多神話人物上臺獻上許多菜肴和水果，最後來賓們也參加了熱鬧而狂歡的表演。這是壹種集歌唱、舞蹈、朗誦、戲劇表演於壹體的表演形式。可以說是芭蕾的雛形，後人稱之為“宴會芭蕾”。
宮廷芭蕾舞團
隨著意大利貴族與法國宮廷的通婚，意大利芭蕾舞表演被帶到了法國。1581年，女王的喜劇芭蕾在亨利三世的妹妹瑪格麗特的婚禮上上演。當時沒有舞臺，觀眾坐在三面墻的兩層樓道裏。國王和顯貴們坐在祭壇上，表演在大廳的地板上進行。導演波伏娃是壹名受雇於法國的意大利人。內容展示了瑟瑟如何征服阿波羅，卻不得不向法蘭西國王陛下屈服。表演融合了戲劇、音樂、舞蹈、朗誦和雜技。路易十四時期(1643-1715)，法國芭蕾發展到了頂峰。路易十四本人熱愛舞蹈，訓練有素。15歲時，參加宮廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，飾演阿波羅。
動作芭蕾
18世紀的歐洲啟蒙運動深刻影響了法國芭蕾的發展。其創新思想表現在反對芭蕾舞作為貴族消遣的裝飾品，使芭蕾舞像戲劇壹樣表現現實生活，主張芭蕾舞應有社會內容和教育意義。這就是“劇情芭蕾”產生的時代背景。諾威爾代表了歐洲芭蕾革新的主流，體現了啟蒙運動的民主精神。在《舞蹈與舞劇書信》中，他提出了自己對芭蕾的創新理念。諾維爾的學生讓·多貝瓦爾(Jean Dobejval)創作了芭蕾舞劇《無益的小心》，至今仍在上演，成為當代各大芭蕾舞團的保留劇目。
浪漫芭蕾
浪漫主義芭蕾是芭蕾發展史上的壹個“黃金時代”，在舞蹈技巧、編舞和表演形式上都經歷了輝煌的階段。舞劇如仙女、吉賽爾、梅拉爾、海賊等的出現，造就了壹批芭蕾人才，如佩羅、伯恩維勒、坦喬、艾斯勒等。這壹時期芭蕾的特點概括如下:
1，內容和主題的變化。超凡脫俗的神仙鬼怪已經取代了神話傳說和古代英雄故事中的人物。反映壹種對現實的不滿和失望，壹種對超越世界的另壹個世界的利益追求，或者用死亡來擺脫對現實的失望，或者用壹種不切實際的追求來代替對生活的渴望。其中代表作品有仙女(1832)和吉賽爾(1841)。集法國風格於壹身的《吉賽爾》成為浪漫芭蕾的巔峰之作，隨後浪漫主義與現實主義的結合逐漸顯現。
2.舞蹈技巧和表演有了很大的進步，腳尖舞技巧成為女舞者表演的重要因素，男性的舞蹈技巧也有了進壹步的提高。
3.在表演形式上，采用了煤氣燈的燈光和幕布，並對芭蕾舞服裝和舞鞋進行了改革，產生了壹種詩意而輕盈的風格。
浪漫芭蕾的黃金時代極其短暫。從19年的30年代到40年代，在10年多壹點的時間裏停滯枯萎。從19世紀下半葉開始，歐洲芭蕾的中心逐漸轉移到俄羅斯。
俄羅斯芭蕾舞
19世紀下半葉，歐洲浪漫芭蕾衰落，復興芭蕾的使命歷史性地落在了俄羅斯的肩上。自20世紀40年代以來，外國舞蹈家經常訪問俄羅斯。塔裏奧尼父女佩羅、聖萊昂等人的演出和導演活動，特別是布爾農維爾學生約翰遜(在聖彼得堡)和布拉斯(在莫斯科)的教學活動，向俄羅斯舞蹈界傳授了法國和意大利兩大舞蹈流派的精髓，並逐漸形成了壹個新的流派——俄羅斯舞蹈流派。馬蒂帕和伊萬諾夫在劇目的構建中起到了決定性的作用。柴可夫斯基通過《天鵝湖》、《睡美人》和《胡桃夾子》實現了芭蕾音樂的創新，使音樂成為芭蕾中塑造形象和敘述事件的基礎，啟發和豐富了編導的交響舞蹈思想。《天鵝湖》第二幕達到了舞蹈詩的頂峰，被視為交響舞蹈的典範。後來格拉祖諾夫寫了《雷蒙達》(1898)、《四季》(1900)，繼承了浪漫主義的芭蕾傳統，體現了俄羅斯現實主義的傳統。
20世紀初，俄羅斯芭蕾已在世界芭蕾中占據主導地位，擁有自己的劇目、表演風格和教學體系，湧現出壹批編舞家和表演者。此後，俄羅斯芭蕾界的壹批年輕人要求創新和探索新的表演手段和發展道路。戈爾斯基和福晉是他們的領袖。福昆的創新理念在帝國劇院是無法實現的，他的主要作品都是在國外為迪亞吉列夫芭蕾舞團排練和上演。迪亞吉廖夫從1909年開始連續三年組織俄羅斯演出季，並於1913年建立了以蒙特卡洛為基地的常設劇團——“迪亞吉廖夫俄羅斯芭蕾舞團”，在歐美各地巡回演出，影響巨大，將俄羅斯保存下來的古典傳統劇目送回歐洲，促進了歐洲芭蕾舞的復興。劇團解散後，成員分散在歐美，有法國的利法爾、英國的德瓦爾瓦、美國的巴蘭欽、福晉等，為各國芭蕾的復興或創作做出了重要貢獻。
當代芭蕾
1929年底，麗發成為巴黎歌劇院芭蕾舞團永久編舞兼主舞。直到1958離開，他其實進行了壹項改革，比如廢除了延續了幾個世紀的贊助人在芭蕾舞演出前在後臺與舞者聊天的權利。每周還有壹次開幕式。1932復盤吉賽爾的時候，利法演的是艾伯特。他是個聰明的人。《巴黎聖母院》是羅蘭·佩蒂根據耶魯大學音樂改編並導演的，取得了輝煌的成功。《火鳥》是莫裏斯·貝哈爾在1970年創作並執導的，是最獨特的作品。巴黎歌劇院芭蕾舞團的劇目有《吉賽爾》、《加布裏埃爾》和《西爾維婭》。
英國芭蕾主要歸功於三位偉大女性的終身管理:阿德琳娜·傑奈夫人，在皇家劇院擔任首席芭蕾舞演員多年；尼納特·德·瓦洛娃夫人的不朽之作是皇家芭蕾舞團；瑪麗·蘭伯特夫人是以她的名字命名的芭蕾舞團的創始人。還有節日芭蕾和蘇格蘭芭蕾。
美國沒有國家芭蕾舞團。巴蘭欽和林肯·柯斯坦在1933見過壹次面，受邀主持美國舞蹈學校。1948轉制為紐約市芭蕾舞團，巴蘭欽任藝術總監兼主要編舞，傑羅姆·羅賓斯任助理藝術顧問。形成了典型的美國舞蹈風格。另壹個重要的芭蕾舞團是美國芭蕾舞劇院，它於1940開始活動。傅福金、馬鑫、安東尼·都鐸等。亞瑟·米切爾的哈萊姆舞劇院喬佛裏芭蕾舞團是第壹個黑人古典芭蕾舞團。
丹麥皇家芭蕾舞團是丹麥民族傳統的傑出繼承者。百年前Bournonville創作的芭蕾舞，至今仍以純粹的風格在哥本哈根演出。在丹麥芭蕾中，傳統意識壹直很強。從65438到0932，哈拉爾德·蘭德爾被任命為皇家劇院的芭蕾舞指導。直到1952，他為法國和英國改編練習曲，這是壹次芭蕾技巧的輝煌展示。
20世紀初有影響的俄羅斯導演有戈爾斯基、普尼和福昆。安娜·巴甫洛娃完美地體現了福昆的思想，在1905中有壹只天鵝的死亡。
在俄國，十月革命後，戈爾斯基堅持戲劇的表現力，使其舞蹈演員以斯坦尼·斯拉夫斯基的方式活在角色中，原本在宮廷中產生的芭蕾並沒有消亡。1927年，紅罌粟在莫斯科演出，這是俄羅斯第壹部英雄現代舞劇，標誌著古典學派的勝利，指明了遵循的準則，古典芭蕾贏得了新的聲譽。謝苗諾娃和烏蘭諾娃首次登臺。新創作的舞劇註重戲劇結構，更多運用民間舞蹈，豐富編導的詞匯。俄羅斯芭蕾開始復興。
從1581開始，法國上演了400多年的女王喜劇芭蕾。芭蕾已經遍布世界各地，被公認為人類文化遺產的重要組成部分，成為世界性的藝術，五大洲的許多國家都建立了自己的專業芭蕾學校和芭蕾表演團體。當今世界，芭蕾藝術蓬勃發展，古典芭蕾與現代芭蕾、戲劇芭蕾與交響芭蕾等不同流派相互競爭，湧現出壹大批人才和劇目。許多國家逐漸形成了自己的風格和特色，在芭蕾的藝術表現上也出現了新的探索和創造。
如何欣賞芭蕾
欣賞芭蕾大致有兩種方式。壹個是傳統的，壹個是現代的。壹般主張欣賞的方法要與欣賞的對象相統壹:即以細致的傳統觀念來欣賞“早期”、“浪漫主義”、“古典主義”三個傳統時期的芭蕾、音樂劇芭蕾和純芭蕾。
傳統的欣賞觀念要求觀眾提前半個小時左右到達劇場，把日常生活中的瑣事和煩惱都丟在劇場大門外或衣帽間的俗世空間裏，然後靜下心來全心投入到劇場這個非常特殊的審美領域，與路上的擁堵、菜場的喧鬧、單位的爭執、家庭的瑣事無關。進入仙女、吉賽爾、加布裏埃拉等人造仙境，進入睡美人、胡桃夾子、天鵝湖等夢幻世界，逃離城市的喧囂和幾個小時的精神壓力。接下來，我們還可以仔細研究節目，閱讀劇情大綱、相關評論、舞團簡史、導演和舞者介紹等相關資料，找出家喻戶曉的芭蕾舞明星，想象醉人的音樂，期待奢華華麗的服裝和壯麗的景色...
現代的欣賞理念對觀眾沒有什麽苛刻的要求，只是給他們提供了壹種隨遇而安的哲學，因為現代生活的節奏根本不允許觀眾，尤其是專業觀眾提前半個小時到達劇場，而是強調在欣賞的過程中，觀眾不需要任何先人之見，只需要用自己隨身攜帶的不同理性知識去理解，用來自生活的豐富多彩的感性體驗去參與。
按照這種欣賞思路，節目單上的東西，根本就是編導們設置的陷阱，或者是為了彌補編導或芭蕾舞編導的語無倫次而出售的靈丹妙藥。妳可以不看，或者最好不看！劇情怎麽“寫”並不重要。能否成功只能看他在舞臺上如何“跳舞”。歸根結底，芭蕾還是以舞蹈為主，戲劇為輔。否則就無法解釋芭蕾中的男主角在跳完二重奏甚至是跳完變奏曲後頻繁向觀眾敬禮的現象。如果戲劇比舞蹈重要，這種行為就不是“戲”。西方觀眾和評論家怎麽能忍受整整壹個世紀？
這種欣賞思維認為，明星可以欣賞，但不必佩服。明星崇拜的氛圍真的太古典了！按照自己的審美標準，而不是跟隨批評家的意見；最重要的是找到自己眼中心中的那顆星，而不是隨波逐流。
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宮廷舞蹈
宮廷舞蹈
古代宮廷和皇室的宴飲和娛樂舞蹈。大部分來自民間，也有壹些是由宮廷專業藝人加工創作的。內容多為帝王歌功頌德或載歌載舞，形式工整華麗，結構嚴謹，壹般屬於當時的藝術