1、 情緒的對比：
古典主義時期的音樂，情緒的豐富變化和對比獲得了全新的強調。相對於晚期巴洛克音樂中單壹情感的表達，古典主義作品中的情緒波動起伏。戲劇性、不穩定的音樂，可能導向壹段輕快隨意的舞曲旋律。主題的對比不僅表現在同壹樂章中使用具對比性的不同主題，即使是壹個單壹特定的主題內，也可能存在明顯的對比。
2、 節奏：
節奏的靈活性，給古典主義音樂增添了變化。古典作品包含了豐富的節奏模式，不同於巴洛克樂曲只有少數的節奏模式在全曲中反復出現。巴洛克作品表達出連續的感覺和永恒的運動。因此，在開始幾小節之後觀眾就能大概知道整個樂章的節奏特性。但古典主義風格包括了出其不意的停頓、切分音，以及從長音到短音的頻繁轉換。而從壹種長度的音符模式到另壹種的改變，可能是突然的也可能是漸進式的。
3、 織體：
與晚期巴洛克音樂的復調織體相比，古典主義音樂基本上屬於主調音樂。然而，織體的運用與節奏壹樣靈活，織體之間的轉換有時平穩有時突然。壹首作品也許以壹條旋律和簡單的伴奏組成的主調織體開始，但是隨後可能轉變為復雜的復調織體，含有兩個旋律或旋律片斷在不同樂器間模仿。
4、 旋律：
古典時期的旋律悅耳動聽，且容易記憶。即使在壹首非常復雜的作品中，也可能含有民謠或通俗的感覺，有時作曲家也會直接借用壹些通俗的曲調。（如莫紮特以法國歌曲《哦！媽媽請告訴我》的旋律為主題，寫了壹首鋼琴變奏曲《小星星亮晶晶》。）更多時候，作曲家根據流行的風格創作新的主題。
古典主義音樂的旋律聽起來較為平衡與對稱，因為作品通常由兩個長度相同的樂句構成。第二個樂句的開頭與第壹個樂句類似，但結束部分更具終止性。相反，巴洛克旋律較不對稱，精巧復雜，比較不容易演唱。
5、 力度與鋼琴：
古典主義作曲家對於情感表達的細微差別的興趣，導致了漸進力度的廣泛使用，如漸強與漸弱。這些作曲家不把自己限制在巴洛克音樂中常用的那種極端力度的改變（從大聲到小聲的突然轉變），漸強與漸弱的力度改變，表現出令人震驚的新鮮感。
在古典主義時期，作曲家對漸進力度的愛好，導致了鋼琴取代了大鍵琴。鋼琴家通過控制手指對琴健的壓力，來控制聲音的大小。雖然鋼琴在1700年左右即產生，但直到1775年左右才開始取代大鍵琴的地位。海頓、莫紮特、貝多芬的大部分成熟作品都是為鋼琴而作，而不是為大鍵琴、古鋼琴及管風琴等巴洛克鍵盤樂器而寫。
6、 通奏低音的消失：
通奏低音在古典主義時期被淘汰。在海頓與莫紮特的作品中，大鍵琴演奏者者不必再做即興的伴奏。導致通奏低音消失的原因之壹是越來越多的作品是寫給業余愛樂者，而通奏低音所需要的即興演奏技巧對他們而言有相當的難度。
概括地說，深度，高度，廣度。
1，深度，古典樂派時期歐洲的政治和社會發展，作曲家對生活，情感都有更深層次的認識和體會，所有情感融入到音樂作品中，繼承的巴洛克音樂的優良傳統，也就成就了古典樂派音樂的輝煌，聆聽古典樂派的音樂，會讓人思考人生，如貝多芬的交響《命運》，莫紮特的歌劇《唐璜》，反正我聽了看了，思考了。
2.高度，和聲的發展越來越豐富，不知是音樂成就了貝多芬，還是貝多芬成就了音樂，貝多芬時期的和聲運用以及配器手法，是前無古人後無來者的，所以古典樂派的音樂，就音樂的專業性來看，是發展到壹個不可超越的高度的。如貝多芬第九交響《合唱》，是第壹個把合唱加入到交響的作曲家。巴洛克時期有嗎？浪漫樂派時期有嗎？
3.廣度，古典樂派時期，各個國家的交流更加頻繁，也就為各國音樂人建立了壹個相互交流的平臺，更多地去感受不同的生活，所創作創作出來的音樂，自然而然，是包羅永珍的，不管是國家（海頓交響《倫敦》），還是個人（貝多芬交響《英雄》，寫給拿破侖），還是家庭（莫紮特歌劇《唐璜》，寫給他父親），。。。。。時間關系，不多舉例，總之是無所不包。
總結之，古典樂派的音樂三個詞概括，深度、高度、廣度，都是前無古人後無來者的。
純屬個人意見。
樓上的真搞笑，土耳其進行曲民族色彩強烈嗎？對土耳其人民又有什麽力量？瞎掰。
古典音樂派的三大音樂巨匠是誰?談談古典主義音樂風格是怎樣的?(貝多芬)海頓，貝多芬，莫紮特
海頓
海頓的全部音樂作品都是反映普通人的生活，表現人淳樸的美好境界，可以用“生活風俗性”來概括。海頓的音樂作品具有結構嚴謹，邏輯性強，形式對稱，音樂語言典雅，清新，明快，無強烈戲劇性對比風格特征。
海頓的貢獻是確立了奏鳴曲交響套曲的形式結構和奏鳴曲式原則，成為MOZART，BEETHOVEN音樂創作的發源地，壹生創作104首交響樂被成為“交響樂之父”，又因創作84首弦樂4重奏並使其專業化，被稱為“弦樂4重奏之父”。
莫紮特
莫紮特短暫的壹生***創作了四十壹部交響曲，為交響曲的發展作出了重要的貢獻。他在整部曲子風格統壹的前景下，突出了各樂章之間的對比，增加了作品的感染力，從而達到了更高的藝術境界。莫紮特的交響曲首先吸收了他歌劇富有表情的、如歌的曲調和其戲劇對比的因素；其次在以主調和聲的基礎上，廣泛采用了復調手法，旋律靈活，但不失巨集大的氣魄，純凈而富有感染力。
貝多芬
貝多芬的交響曲以表現革命鬥爭的英雄為中心，這在當時最能激動人心。他的創作的構思之寬廣，形象之巨集偉，感情之深邃，對比之鮮明，都使他偏重於采用並擴充奏鳴曲形式。他對奏鳴曲形式的處理，在音調和形象上都達到了內在的統壹——他不僅在壹個樂章的範圍內使各個主題形成相互間的統壹，而且在整個套曲的不同樂章中也是這樣。他還把歌劇創作的戲劇性手法應用到他的交響樂創作中去，使交響曲成為壹種深具戲劇性的器樂體裁；他把交響曲中原來的小步舞曲樂章改為詼諧曲，擴大了表現力的範圍。
古典主義音樂風格的主要特征：
我也在做會考卷 這句話應該是錯的吧 下面是我從百度百科裏粘的關於印象主義音樂的相關內容 題目中那句話描述的應該是印象主義音樂 古典主義音樂的創作原則與風格是嚴謹、規整，浪漫主義音樂是註重情感的表現與 *** 的發揮。 與之相比較，印象主義音樂並不通過音樂來直接描繪實際生活中的圖畫， 而是更多地 德彪西 描寫那些圖畫給我們的感覺或印象，渲染出壹種神秘朦朧、若隱若現的氣氛和色調。在樂曲的形式上多采用短小的、不規則的形式，以便更好地體現出印象主義音樂較為自由的特點。
古典主義音樂前是哪壹種音樂風格占主導古典主義音樂前是哪壹種音樂風格占主導(巴洛克音樂)
巴洛克原意指形狀不規則的珍珠，是壹種藝術形式，由於這種藝術風格的盛行後人稱之為巴洛克時期。這個時期出產的音樂作品就稱為巴洛克音樂。巴洛克時期是西方藝術史上的壹個時代，大致為17世紀。其最早的表現在義大利為16世紀後期，而在某些地區，主要是德國和南美殖民地，則直到18世紀才在某些方面達到極盛。
古典主義歌劇的音樂風格與藝術特點古典主義歌劇 （Classical Opera）在題材上力求貼近人心，強調歌劇音樂與戲劇內容更加緊密的結合。旋律簡潔明快，樂隊的重要性得到重視，並去掉了“數字低音”寫法。
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古典主義音樂和浪漫主義音樂風格上的不同和這兩個時期的過渡人物？古典主義和浪漫主義並沒有嚴格的界限來劃分，它們之間的過渡人物顯然是“集古典主義之大成，開浪漫主義之先河”的貝多芬（1770-1827）。貝多芬是18世紀末19世紀初的作曲家，在他略微之前的莫紮特，海頓等作曲家的作品都屬於古典主義，他們的作品結構嚴謹，宗教味道較濃，浪漫主義時期，自1820年到1920年。產生的音樂家多為我們所熟悉，創作的作品被演奏的次數最多。代表音樂家：貝多芬、舒伯特、柏遼茲、肖邦、門德爾松、舒曼、威爾地、瓦格納、比才、勃拉姆斯、柴可夫斯基、約翰．斯特勞斯、德沃夏克、聖桑等等，浪漫主義時期的作品註重抒情性，寫作方法也突破原來的框架，大膽而富有想象力，管線樂隊編制較以前更加擴大。自己總結的，有點亂。
古典音樂風格是什麽這種風格的基本特征是采用主調和聲織體和更簡化與更“ 自然 ”的旋律（這在當時被稱為“華麗風格”）。這種風格還可以包括結構的方整性，結構內部（樂章間或樂章內）的更大的對比，力度等級的漸變，節奏輪廓更加清晰，和聲語匯簡化，和聲節奏放慢等等。在1730年前後這種新風格也出現在義大利的器樂作品中，特別是節奏復雜化和旋律裝飾化的傾向在德國的情感風格的鍵盤樂器的作品中達到了高峰。此外，早期古典主義音樂還包括了以法國音樂為主的洛可可風格，這種高度裝飾化的宮廷風格與當時的義大利和德國音樂相比帶有更多的巴洛克遺風。
fusion這種音樂風格是怎樣的？就是爵士樂啦！
爵士樂的起源、含義：
爵士樂成形時間是19世紀末、20世紀初。公認的發祥地是美國南部路易斯安那州的壹個亞熱帶城市―新奧爾良。
在眾多流行音樂中，爵士樂是出現最早並且是在世界上影響較廣的壹個樂種，爵士樂實際就是美國的民間音樂。歐洲教堂音樂、美國黑人小提琴和班卓傳統音樂融合非洲吟唱及美國黑人勞動號子形成了最初的"民間藍調"，"拉格泰姆"和"民間藍調"構成了早期的爵士樂。
從17-18世紀西方殖民主義者，將大批非洲黑人販賣到美洲，成為那裏白人的奴隸之後，他們被強迫勞動、受盡折磨。在田間、在勞動之余，黑奴 們懷念故鄉和親人，常常唱壹種哀歌，以表達他們痛苦的心聲。這種音樂也滲透在壹些宗教 歌曲中。由於藍色在美國人民中，被看作是憂郁的色彩，這種悲哀的歌曲，也就統稱之為Blues(藍色)。中國音譯之為"布魯斯"。我們常常從美國音樂作品中發現帶有Blues的曲名，如《藍色狂想曲》、《藍色的探戈》、《藍色的愛情》等。
爵士樂的另壹個起源，是來自壹種叫"拉格泰姆"的鋼琴音樂。"拉格泰姆"是Ragtime這 個詞的音譯。詞意是"參差不齊的拍子"。故又稱為"散拍樂"。它也是從非洲民間音樂發 展而成。19世紀末，壹個名叫司科特·喬普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人鋼琴手，創造了壹種新風格的鋼琴音樂：右手高音聲部演奏切分音節奏很特別的主旋律或琶音。壹般 4/4拍樂曲，壹、三拍為強拍，二、四拍為弱拍，而他在高音聲部每壹拍半、 即三個八分音符時，就出現壹次強音，而左手則是規律地演奏由四分音符輕重音組成的節奏， 壹、三拍為低音強拍，二、四拍為和弦、弱拍。這樣左右手形成交錯的節拍，使音樂帶有 幽默、歡樂、活潑的情趣，由於這壹創造，喬普林被人們譽為"拉格泰姆之王"。
有人說Jazz這個詞，是從非洲土語Jaiza演變而來。這個詞原意思是"加快擊鼓"；另壹種說法是：早年新奧爾良有位樂手名叫Jasper,大家叫慣了，都叫他Jas,後來壹傳再傳，就變 成了Jazz了；還有人說Jazz這個詞是由Chaz這個詞演變而來的。
早期的黑人爵士樂師多不識譜，演奏時只是憑著靈感，對所熟悉的曲調自由地進行變化。 所以帶有很強的即興性質。由於人數不多，三五個樂手經常在壹起合作，時間久了，彼此之間也就自然地形成壹種默契。
1923年冬天，紐約"皇宮樂隊" 領班保羅·懷特曼找到作曲家格什溫，說他想舉辦壹次別出心裁的音樂會，其中有壹個能讓 聽眾大吃壹驚的壓軸節目，就是把爵士樂和交響樂揉合在壹起，格什溫是壹位音樂革新者，他從1924年元月開始動筆，僅僅花了 壹個星期的時間就完成了。由於裏面主要用的是"布魯斯音階"和小三度、純五度、小六度 構成的七和弦，故將所作曲子取名為《布魯斯狂想曲》(Rhapsody in Blue)，在我國譯作《藍色狂想曲》。這次演出大獲成功。從此，爵士樂受到嚴肅音樂家及知識階層的重現，許多作曲家也竟相效仿，創作了許多爵士風格的音樂作品，如美國的壹些音樂劇，興德米特的《舞蹈組曲》、斯特拉文斯基的《黑色協奏曲》等，都運用了爵士音樂的素材和節奏。
爵士樂音樂的特點：
(1)從大音階來講，它的第三級(Mi)音和第七級(Si)音經常是降低壹些(平時講是降半音，實際上不到半音)。有時第五級(Sol)音也降半音。這些降音還常輔以滑音和顫音，因而更加強了歌曲憂郁、悲傷的色彩；由於有以上這些特點，按這種方法形成的音階，人們稱之為"布魯斯音階"。
(2)旋律中多用切分節奏和三連音，形成輕重音顛倒；
(3)節奏多為雙拍，通常為4/4拍，也有部分是2/4拍 ；
(4)從歌詞、曲調結構上講，布魯斯多采用對稱的、帶音韻的兩行詞。第壹句重復壹遍。每段曲調12小節，每句4小節，從而形成：‖∶ A ∶‖＋B三句的固式曲式結構
(5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、屬和弦(Ⅴ)和下屬和弦。(Ⅳ)，因此，和聲聽起來很和諧，而且樸素。
其他特點因素：
爵士樂的演唱利用無意義的“襯詞”在即興的規則下形成了風格獨特爵士唱法。
爵士樂的切分節奏復雜多樣，特別是跨小節的連續切分經常將原有的節奏整小節移位，造成壹種飄忽不定的遊移感。
原來的4／4拍節奏經改變後變成了3／16拍。
爵士樂的旋律經常采用布魯斯音階（ 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 ）來形成它的特點，有時還在布魯斯音階的基礎上增加＃4和其他壹些變化音，使其變得更加豐富多彩 。
爵士樂的和聲比流行音樂和聲要復雜得多，它以七和弦為基礎，並且大量的運用擴充套件音（如：9音、11音、13音）和替代和弦，有時還經常出現連續的下行純五度副屬和弦進行，使其呈現出豐富多彩的和聲效果。
即興是爵士樂手（或歌手）必練的演奏（或演唱）技巧之壹 。
爵士樂的壹些變化分支：
早期爵士樂
早期的爵士樂（1900—1917）曲目有32小節、4樂句的AABA流行歌曲式的曲調；有4樂節、兩個調的拉格泰姆曲調；還有12小結的器樂布魯斯曲調。拉格泰姆樂曲的和聲節奏傾向於比另兩種更快的速度。布魯斯樂曲的和聲節奏最慢，但它的獨奏旋律線的變音轉調較多，起音不壹，音高變化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布魯斯”作名稱，而實際上是流行歌曲或別的什麽同源形式。
早期爵士樂隊的設定平均為8位樂師。在新奧爾良風格爵士樂隊的固定形式上增加了兩件樂器。有時添壹支短號和壹件節奏樂器，有時加壹把小提琴為領奏。在演奏過程中，樂隊的每個成員，不僅僅是獨奏者，都要做即興演奏。彼此之間自發的互相謙讓與合作，只受和弦進行結構的限制，這種新的聲音在20世紀初期任何聽眾以下就能辨認的出，它就是“爵士樂”。
自由爵士
自由爵士產生於60年代，這種全新的音樂剛壹出現，就深受廣大爵士音樂家和爵士樂迷的喜愛。
自由爵士不同於以往爵士樂，在和聲、旋律方面沒有太多的限制，演奏者在演奏過程中可以自由、大膽、隨心所欲的發揮。自由爵士具有全新的節奏概念，節拍、對稱性被統統打亂，同時，它也強調音樂本身的強度與張力，加入大量的不諧和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音樂融合到了壹起，采用了印度的西塔爾琴、塔布拉雙鼓、擴音拇指鋼琴、警笛和大量的電子裝置及打擊樂器，因此，有些自由爵士樂隊看上去就象壹支非爵士的先鋒派樂隊。
搖擺樂
二十年代末，美國出現大蕭條，爵士樂也隨之流行於壹些秘密酒店、酒吧、妓院等場所，致使出現了壹些更適合跳舞的爵士樂隊——搖擺樂大樂隊。最早出現的搖擺樂隊是Fletcher Henderson（費萊切·漢德森）的大樂隊，但使搖擺樂真正確立樂壇的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大樂隊的成功，直到1946年大樂隊時代結束為止，搖擺樂壹直是流行樂壇上壹支重要的力量。搖擺樂不同於早期的爵士樂，在演奏過程中不太註重合奏，反而更加強調獨奏。個人的即興主要以旋律為基礎，與以前的演奏相比，這更具有冒險性。
這時期許多爵士藝術家經常與壹些歐洲經典樂藝術家壹起交流、探討、相互借鑒，所以在搖擺樂中妳也可以聽到貝多芬、勃拉姆斯的回響。
搖擺樂繼承了早期爵士樂的壹些傳統，同時也開辟了個人表演的新領域，許多大樂隊的樂手後來都成為爵士巨星。
Cool爵士
1950年，Miles Davis九人小組推出的專輯《The Birth of The Cool》，標誌著Cool爵士的產
生。
Cool爵士選用的音調是輕柔的、淡雅的，音質柔和幹爽。獨奏中，帶給妳壹種柔和舒緩、克制的感覺。其重奏部分微妙深奧，有時讓妳聯想起歐州經典室內樂。Cool爵士雖然也揉進了Bop的音調、旋律與和聲的優勢，但是比Bop的即興演奏更舒緩平滑，音色更加和諧，與Bop相比，Cool爵士樂經常突出體現壹種松弛感，而沒有Bop那麽強的內在張力。
Cool爵士鼓手也更加安靜，不幹擾其他音色，總而言之，Cool爵士風格是節制的，“點到為止”，這正是為什麽其樂迷稱之為“Cool”的原因。
Fusion
二十世紀七十年代，Fusion音樂漸漸發展起來，它的最初定義實際上是壹種融合了爵士樂即興和搖滾樂節奏的音樂。然而隨著流行音樂、節奏布魯斯以及各種音樂形式在世界樂壇逐漸繁榮，Fusion音樂又將這些音樂風格加以借鑒，我們現在所熟悉的Fusion音樂，其實已經成為壹種冠有爵士樂名稱的混合型音樂。
Regtime
Regtime（拉格泰姆）爵士樂融合了歐洲古典音樂和歐洲軍樂的特點而產生的。他打亂了古典音樂中嚴格的節拍規律，有演奏者掌握節奏的遲緩。樂曲的進行通常是起奏延緩，隨即強調音節，這種風格在當時的鋼琴演奏中極為常見。Regtime爵士樂在二十世紀出的十五年中非常盛行，雖然這種風格對爵士樂的形式具有非常重大的影響但是因為 它缺乏Blues的感覺和沒有即興感覺，所以並不能稱之為真正的爵士樂。
Bebop
“Bebop”壹詞源出自爵士音樂家在練聲或哼唱器樂旋律時發出的毫無詞義的音節（或無意義的狂喊亂叫）。比波普的樂句經常在末尾以壹個很有特色的“長壹短”音型突然結束，而這個節奏又常被哼唱成“裏波普”或“比波普”。這個詞初次出現在印刷品上是作為吉列斯匹6人樂隊於1945年在紐約錄制的唱片曲名–《鹹花生Bebop》。
Bebop發展於搖擺時代次中音薩克斯手Lester Young和Don Byas鋼琴手Art Tatum和Nat Cole, 小號手Roy Eldgridge, 巴錫伯爵的節奏樂器組，還有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音樂通常由3至6人組成的小型爵士樂隊演奏。他們不用樂譜，這壹點正是他們用來對抗搖擺樂使用改編樂譜的準則。演奏的程式是先把旋律完整地演奏壹次（如果是12小節的布魯斯則演奏兩次），接下來是在節奏組（壹般是鋼琴、低音提琴和鼓）伴奏下的幾段即興獨奏疊句，再重復第壹疊句的旋律結束全曲。節奏組自始至終重復著全曲的和聲音型（包括變化音型），以保持樂曲的結構。
古埃及的音樂風格是怎樣的具有傳統非洲音樂的特色，體現了蒼茫的感覺，音樂風格妳去聽埃及王子這部電影的插曲和電影場景就能深刻感受到了