當純粹的工業以實驗音樂和電子舞曲為主要線索時，農業金屬卻另辟蹊徑，以耀眼的標題和嚴肅的批判精神吸引人們的眼球。壹些農業金屬樂隊根據批評金屬風格歌詞的重復段落制作歌曲。另壹方面，農業金屬通常比工業金屬更具侵蝕性。(後面的車庫)
西雅圖車庫音樂對美國主流音樂產生影響後不久，出現了壹批所謂的後車庫風格樂隊。他們與西雅圖車庫音樂的主要區別在於，西雅圖車庫音樂堅定地沿襲了80年代的地下另類搖滾音樂風格，而後者更多地受到了概念車庫音樂風格的影響——內部形式廣泛、思想嚴肅的重搖滾音樂。因此，許多後車庫風格的樂隊只是簡單地模仿車庫音樂的風格表達，而不具備原始車庫藝術的獨立特征。後車庫樂隊繼承了典型車庫音樂焦慮、冷靜和自省的音樂風格，並將其視為車庫藝術的必要元素。即使在低年齡，後車庫樂隊也對自己的存在保持著非常嚴肅和清醒的態度。最後，車庫音樂的獨特元素成為正統音樂不可或缺的組成部分。後車庫風格幾乎影響了90年代主流成熟的重搖滾音樂。雖然音樂中包含了不同的元素，但《後車庫》仍然是主流的商業音樂——其渾厚流暢的車庫吉他演奏優美流暢，有口皆碑。很多樂隊風格非常相似但不完全壹樣；除了老車庫音樂，後車庫還借鑒了80年代初的喧鬧流行、朋克流行、復興斯卡勒、另類金屬、古典紀念搖滾等音樂風格，此外，壹些怪異的後車庫風格的物品也因其黑色幽默而非低調憂郁而廣受歡迎。舊車庫音樂產生後不久，後車庫音樂就已經浮出水面；代表老車庫風格的涅槃，在1992年初達到頂峰。就在幾年後，布什和candlebox這種後車庫風格的產品也取得了巨大的成功。舊車庫音樂最初的全盛時期過去後，後車庫風格開始興起，90年代中期到末期湧現出壹批新樂隊；其中壹些持續流行，而另壹些則曇花壹現。時至今日，後車庫風格依然盛行，creed和matchbox20是美國最受歡迎的兩支樂隊。(前衛金屬)
前衛金屬將金屬音樂的沖擊力、音量和侵略性與進步搖滾的宏大偽古典宣傳融合在壹起。當然，有些樂隊強調壹種元素對另壹種元素的影響——比如夢劇場。與其他樂隊相比，他們更前衛——但所有樂隊都在音樂上體現了基本的宣傳風格。以pink floydian、queensryche為代表，前衛金屬在20世紀80年代末浮出水面。曾經，前衛金屬相當隱秘(雖然金屬音樂的專輯和前衛音樂的專輯壹樣多，也是壹張張分類)。在整個20世紀90年代，前衛金屬壹直保持低調。但是，它的流行足以引起交叉碰撞，最明顯的是queensryches的“沈默的清醒”。然而，盡管如此，前衛金屬作品在90年代並沒有取得很大的經濟效益。而queensryche、夢劇場等樂隊十年來都是這種風格的象征。然而到了90年代末，前衛金屬無疑成了狂熱中堅力量的壹致方向。(死亡/黑色金屬)
死亡金屬來自80年代後期的鞭撻金屬。隨著艱難的歌詞和對鞭打的病態癡迷，死亡金屬——正如其名稱所暗示的——只關於死亡、痛苦和苦難。這些殘酷而冷酷的歌詞被嘈雜而沈重地重復著。這種風格受到了很多像黑色安息日這樣的慢金屬的影響，Metallica就是典型代表。訃告也受到了70年代藝術搖滾的許多復雜歌曲結構的影響，雖然這些復雜的歌曲結構大多是從Metallica那裏學來的。死亡金屬從未在公眾中引起轟動，但對於壹些鐵桿重金屬粉絲來說，金屬樂隊和金屬樂隊是最好的——他們在20世紀80年代末和90年代初購買了數百萬張唱片——或者還有流行金屬，如毒藥。死亡/黑金屬在90年代保留了壹小群忠實粉絲。(哥特金屬)
哥特金屬被黑暗嘈雜的哥特搖滾和重金屬的入侵所包圍，在宗教和恐怖裝飾的戲劇意識和抒情吸引兩種風格中找到了中間位置。哥特金屬，像前朋克，曖昧仿古，金屬樂隊，像彩虹，Dio和猶大牧師，都被形容為哥特的次要聲音。如果沒有更多的特色，那麽除了真正的哥特金屬總是直接受到哥特搖滾的影響之外，空靈的合成器效果和幽靈般的感覺和吉他即興重復壹樣重要。所以哥特金屬經常不停地要求聽眾站在音階的兩端。哥特金屬最早出現在20世紀80年代初，以洛杉磯為中心，所以常被稱為“死亡金屬”，基督教死亡發生的地方。由於許多哥特式金屬樂隊在美國和歐洲崛起，他們在20世紀90年代通過半開玩笑的0型消極在更廣泛的替代金屬觀眾中爆發。在後10年期間，哥特金屬也被認為是在黑色金屬樂隊中尋找%(朋克)。
朋克搖滾是最原始的搖滾音樂——它由壹段簡單的旋律和三個和弦組成。改變的是，朋克搖滾會更快更激情地演繹老搖滾。由於壹些樂隊對朋克音樂風格有片面的理解——包括20世紀60年代的車庫搖滾樂隊和地下天鵝絨、傀儡樂隊、紐約娃娃——直到20世紀70年代中期，朋克音樂流派才正式形成。西方很多新樂隊不再強調區別於主流硬核搖滾的超級音樂形式，而是指向音樂的本質。紐約的第壹個朋克樂隊是雷蒙斯樂隊；在倫敦，它以性手槍為代表。雖然他們的音樂表演各不相同——雷蒙斯樂隊輕快隨性，相比之下，手槍樂隊強調重復段落的表達——但這些獨特的嘗試徹底改變了美國音樂和英國音樂的風格。朋克音樂在美國壹直低調，終於在上世紀80年代誕生了硬核搖滾和獨立搖滾的概念，在英國，朋克搖滾已經成為大眾的寵兒。性手槍被認為是對政府和君主制的嚴重顛覆。更重要的是，越來越多的樂隊加入了朋克搖滾。壹些樂隊幾乎復制了手槍的原始風格，而另壹些樂隊則創造了自己的新元素，如buzzcocks的夏普搖滾，clash的聖歌般的雷鬼搖滾，以及wire和joy division的藝術實驗。很快，朋克就分裂成了後朋克(比以前更藝術、更實驗)、新浪潮(更東方流行)、硬核搖滾(壹種形式上更激烈、更快、更激進的朋克音樂)。在整個80年代，英國和美國都將朋克的定義與硬搖滾聯系在壹起。20世紀90年代初，壹群朋克復興主義者——以green day和rancid為代表——從美國地下音樂界嶄露頭角。這群新生力量將朋克音樂帶回了最初的風格，並試圖在音樂中加入重金屬元素。(酸性搖滾)
酸性搖滾是幻覺搖滾的壹種激烈而響亮的變體。它吸收了奶油和吉米·亨德裏克斯全盛時期後的即興表演的精華。酸樂隊依靠變化多端的吉他，柔和的歌聲和長時間的即興創作。酸性搖滾並沒有存在很長時間——它是在致幻劑的生命過程中發展並形成了壹個中心——最後不溶解的樂隊演變成了重金屬樂隊。(藍調搖滾)
許多早期的搖滾樂都是以藍調音樂為基礎的，但是直到20世紀60年代末，藍調音樂還沒有完全發展成為壹種公認的音樂類型。布魯斯搖滾有兩個明顯的特點——傳統的三和弦布魯斯歌曲和樂器的即興演奏。結合了小型爵士樂隊和搖滾的噪音特點，傳統藍調搖滾風格的Cream，來自傳統英國藍調風格的Alexis科爾納和John Mayall的樂隊，以及美國的Paul Butterfield Blues樂隊和Canned Heat也試圖演奏爵士樂唱片和藍調音樂會中常見的長時間即興創作。這種混血兒很快流行起來，與此同時，很多樂隊立刻開始模仿他們，甚至比他們更響亮，更重復。20世紀70年代初，藍調搖滾和硬核音樂之間的界限變得越來越模糊。比如以爵士樂為基礎的ZZ Top，吸收了專輯搖滾作品的演奏手法來模糊自己的藍調根源。無論如何，藍調搖滾逐漸遠離了硬核，壹些樂隊繼續按照藍調的標準演奏、改寫和寫歌。在20世紀80年代和90年代，布魯斯搖滾比20世紀60年代和70年代更加堅定，即使像神話般的雷鳥和史蒂夫·雷·沃恩這樣的音樂家扮演了搖滾歌手的角色。在20世紀80年代，布魯斯搖滾已經像布魯斯壹樣成為壹種公認的傳統。(無政府主義朋克)
當約翰尼·羅特咆哮著“我要...在性手槍的首張專輯《無政府混亂》中，它比那些深深持有政府信念的人更能激起聽眾的興趣。但是，很多把這種信條植入靈魂的朋克樂隊，並不只是壹味的反對權力，而是反對有這種思想的政府，或者至少是虛偽的、謾罵的政府。壹些無政府主義朋克樂隊來自右翼(已故的肯尼迪家族)，另壹些來自被壓迫的工人階級(被剝削階級)或兩者兼而有之；不管它的起源是什麽，它都是通過其激進的思想統壹起來的。無政府主義朋克大部分是硬核朋克的壹個分支，由於他們都是同時出現的，無政府主義朋克往往以粗糙的風格呈現，更多的是音樂業余愛好者。部分原因是這種風格的音樂建立在個人自由的意識形態上(音樂中的個人宣泄應該被所有人使用，而不考慮技術能力)，這種思想逐漸比音樂本身更重要。但同樣重要的是，要讓人們充分理解，這種信仰就像通過音樂宣傳的那樣激進。所以無政府主義朋克是公認的通常吵鬧，快速，和它的專長壹樣粗糙。克拉斯是最具代表性的無政府主義朋克樂隊，因為他們非凡的音樂結構和樂隊成員的生活方式堅持了他們的演奏理念。(英國流行音樂)
甲殼蟲樂隊建立了很長壹段時間的英國傳統和聲音樂——吉他流行樂隊，這是壹種通過音樂運動不斷更新的傳統形式。然而，英國流行樂在20世紀90年代采用了許多比以往任何時期都更多使用傳統音樂的樂隊。雖然這種音樂形式起源於英國音樂獨立時期，但britpop具有巨大的商業價值——不同類型的樂隊可以獲得經濟回報，他們閃閃發光，令人上癮，就像主流流行歌手壹樣，他們為新壹代英國年輕人的生活創造了新的精神環境。它針對的是英國的年輕壹代:因為britpop很少關心它的路線是否會讓美國觀眾難以接受，讓英國的年輕壹代充分感受到它唱出了他們的生活，他們的文化，他們的音樂追求。Britpop的青春活力和對認可的渴望，不僅對90年代初低調的shoegazer風格樂隊的老壹輩音樂人產生了影響，也對美國陰郁的車庫和新興的地下電子舞曲背後正在創作的音樂人產生了壹定的影響。在音樂上，britpop追隨了披頭士，當然，他也融合了60年代後期的Kinks(the Who，the Small Faces)和70年代的迷幻(大衛·鮑依，T.Rax，Roxy Music)的田園音樂。
朋克和新浪潮(The Jam，The Buzzcocks，Wire，Madness，XTC，Squeeze，埃爾維斯·考斯特羅)，以及史密斯樂隊的另類吉他流行。這些音樂人都是英國音樂的精髓——他們用明顯的英國思維發揮想象力，作詞作曲，這也是他們難以與美國Cult相提並論，造成britpop形式單壹的壹大因素。在影響力分裂後，britpop已經在曼徹斯特有了他們最快的根，這是壹個強調良好時機和專註於shoegazer的審美和難忘的曲調的地方。石玫瑰樂隊的頹廢流行風格和搖滾明星的態度是britpop創作的主要部分，但britpop的真正父親應該屬於Suede。1993年，他們第壹次發行同名專輯的時候，他們融合了glam-rock的權威風格和Smiths的改良風格的風格，讓他們收到了意想不到的優秀效果。麂皮在1994打開了Blur(Parklife)和Oasis(肯定可能)更激烈突破的大門，使他們迅速成為britpop最受歡迎的兩位巨星。受到前兩者的成功和音樂世界令人眼花繚亂的爆炸的啟發，風格類似的樂隊:彈性，紙漿，超級草和Boo Radleys也在超級巨星之列。到了1996，真正成為美國樂壇主流音樂之星的只有綠洲。從65438到0997，britpop的人氣光環逐漸消失，也就是綠洲在回顧第三張專輯時，表現不佳，Blurs轉向美國獨立搖滾。然而，即使是在這場運動中逐漸淡出的巨星，仍然有壹些個人繼續保持著強烈的勢利，早期不太傳統的搖滾繼續以古典風格生存。(凱爾特搖滾)
從波格樂隊等朋克樂隊到黑47等紐約/凱爾特混搭再到稍微改變了愛爾蘭曲調的小紅莓、凱爾特，這些搖滾樂隊通過搖滾的節奏，結合愛爾蘭樂器來創作音樂，這是壹種狂熱與激情、憂郁與浪漫的風格。凱爾特搖滾往往表現出愛爾蘭酒吧音樂的明顯特征，但它也描繪了與另類搖滾捆綁在壹起的R & B流行音樂的關系。(華麗的巖石)
經常在80年代與微金屬混淆(至少對美國觀眾來說)，混淆搖滾幾乎是英國的專屬，在70年代中期非常流行。迷茫搖滾挺簡單，破吉他搖滾因為誇張的傲慢完全被大眾接受。這類音樂大多伴隨著年輕人流行的泡泡糖搖滾舞曲和早期搖滾的抖音節奏，令人不安且容易記憶。但是那些無辜的聲音在解讀的過程中被掩蓋了，變得不自然，刺眼，性化。事實上，困惑搖滾壹直沒有進入美國市場的壹個重要原因是其表演者刻意註重性，穿著怪異的鞋子和視覺服裝。壹般來說，迷惑搖滾分為兩派。最流行的風格是霸王龍故意任意使用碎片；領導者馬克·波蘭主張混淆潮流意識，創造了壹種全是性和愚蠢的風格——或使其進入另壹條以主流特征為特征的道路。像Gary glitter，Sweet，Slade這樣的樂隊沿襲了霸王龍的審美，並將其改進成另壹種風格，這種風格被稱為glitter(更為英國獨有)。
然而，由於這種風格過於依賴想象，混亂有壹個令人驚訝的藝術方面，這是由大衛·鮑依和羅克西音樂總結的。這種流派在音樂和歌詞方面更具喜劇性和野心；《迷茫的音樂》為塑造預定角色的音樂人提供了機會，將他們的風格意識創造成完整的藝術性，並探索潛藏在流行耀眼音樂表面下的黑暗。此外，獨立的美國混亂搖滾樂隊是紐約娃娃。他們自然的Stonesy原朋克聽起來和英國同類樂隊不壹樣，但是他們不值錢的審美和異性的服飾，讓他們明顯被歸入這個陣營。迷茫的音樂確實有效的打擊了霸王龍，霸王龍的電子戰正式過了1971這壹年，但是1972這壹年改變了風格:霸王龍通過滑球鞏固了自己的聲譽；大衛·鮑依解散了它的經典樂隊Ziggy Sardust，重組了Hooplestar樂隊Mott發行了專輯《所有年輕的小夥子》;Roxy Music表演了他們極具影響力的處女作；紐約娃娃開始了他們在英國的首次巡回演唱會。迷茫搖滾在1976年達到巔峰，當時其剩余的主要音樂人大多離開了風格或者放棄了工作。但撲朔迷離的音樂對主要在英國朋克運動中長大的孩子有壹定的影響，甚至對戲劇化、黑暗的前朋克影響更大。當然，迷惑搖滾在80年代的流行金屬中是非常重要的，雖然除了Daf Leppard之外還有很多樂隊來自美國，對最初的發起者知之甚少。(朋克復興)
70年代，朋克音樂壹直朝著美國主流音樂的方向發展，80年代出現了壹批代表中堅力量的樂隊。20世紀90年代初，在朋克音樂出現近20年後，美國發行了第壹張本地朋克搖滾打擊樂專輯和單曲。從本質上講，朋克復興樂隊是傳統主義者，他們延續了諸如性手槍、傀儡樂隊、果醬、探險、黑旗、死亡肯尼迪、後裔等堅定的朋克樂隊的音樂風格。自從20世紀80年代末朋克演變成速度金屬，這些傳統朋克樂隊在音樂表達上自然變得比壹開始強烈得多。然而，這也是朋克音樂在美國吸引大量聽眾的部分原因——音樂更簡單、更激烈，很像車庫搖滾，更快、更暴力。第壹批侵入美國主流音樂的朋克復興樂隊是綠日和後代。他們的成功促進了壹批追隨者的團結，如rancid、nofx、pennywise和pansy division。與此同時，上世紀80年代被忽視的朋克樂隊，如bad religion，以及地下朋克流派，如第三次波斯卡文藝復興，被置於聚光燈下。(視覺搖滾)
英文名是Visual Rock。20世紀70年代起源於歐美。視覺樂隊是壹種極具商業潛力和轟動效應的商業音樂，其特點是具有誇張的美學造型和強烈的視覺刺激。經過20年的發展和商業運作，這種音樂形式在亞洲擁有廣泛的市場基礎和消費群體。後來開始模仿，然後開發視覺搖滾。視覺樂隊傳達的獨特審美理念迎合了年輕壹代的審美和娛樂方向，衍生出壹種泛文化現象，涵蓋唱片、服飾等商業領域。不僅給樂隊帶來了巨大的聲譽，也給相關產業帶來了巨大的財源。
從音樂的角度來說，是對歐美雌雄同體(陰陽搖滾)、閃光搖滾(華麗搖滾)、THEEATER(誇張搖滾)的繼承和發展。視覺系統(日語:ヴィジュァル系統)是壹種從日本搖滾發展而來的管弦樂。“視覺系”這個名字和任何音樂類型都沒有關系，只是用來指代服裝和妝容誇張的樂隊。X/X視覺搖滾，日本最早的樂隊之壹，也是視覺搖滾中最重要的樂隊，視覺搖滾這個總名也由此而來。X/X視覺搖滾不僅推動了整體向主流文化的發展，也激起了整個亞洲的搖滾狂潮。X隊長林佳樹被譽為視覺搖滾第壹人。他的主要代表樂隊有Glay，Luna sea，Dir en grey等。但視覺搖滾音樂並不是以音樂風格為基礎的流派，所以在音樂風格上不會被繼承。“視覺表達與音樂相結合”是視覺搖滾樂隊最重要的基調。(洛克比利)
壹種白色搖滾音樂形式，將鄉村音樂中的弦樂聲與“節奏布魯斯”音樂的音樂結構和抒情風格結合在壹起。20世紀50年代中後期流行。其特點是主電吉他的聲音飽滿而略帶鼻音，低音提琴用手掌敲擊琴弦，奏出活躍的低音線，節奏吉他奏出清晰的節奏模式，並不時加入壹些簡單的打擊樂節奏。歌唱中常常有巧妙的尖叫聲和斷斷續續的打嗝聲，夾雜著椰榆和諷刺的語調。普雷斯利在20世紀50年代中期為孟菲斯的太陽唱片公司錄制了壹些歌曲，這些歌曲確立了山搖滾的風格。(藝術搖滾)
壹種試圖將古典音樂融入其中的搖滾音樂。其特點是結構龐大，和聲語言復雜，經常借用古典音樂中的主題作為素材，註重音樂的邏輯性和音樂素材的簡潔統壹。
藝術搖滾出現於20世紀60年代末，出現在壹些受古典音樂影響的英國搖滾音樂家中。甲殼蟲樂隊的概念專輯《佩珀中士的孤獨俱樂部樂隊》被視為“藝術搖滾”的先驅。20世紀70年代中期，美國也出現了類似的趨勢。愛默生、萊克和帕爾默將穆索爾斯基的圖片展改編成了搖滾樂。Yes樂隊在《接近邊緣》中使用了古典奏鳴曲式。其他著名的美國樂隊有“紐約娃娃”、“盧·裏德”和“帕蒂·史密斯”。他們沒有強調搖滾樂與古典音樂的表面聯系，而是註重音樂邏輯的嚴密性和音樂素材的簡潔統壹性，從而激發了朋克音樂和新浪潮音樂的出現。
壹般來說，藝術搖滾的創作可以分為兩種:壹種是比較簡單的方式，在搖滾音樂中引用古典音樂片段，或者將壹部古典音樂作品改編成搖滾風格；另壹種方式是將搖滾樂隊和管弦樂隊(或其他古典音樂合奏形式)混合，或根據古典音樂的發展手法和結構形式，用搖滾語言創作。(情感內核，非主流朋克)
情感核心(Emo)是硬核朋克的壹個子類。全稱是情感驅動的硬核朋克。情感核心這個詞自誕生以來，壹直被用來描述幾種獨立分化的音樂形式。雖然他們沒有密切的關系，但他們都來自壹個音樂風格的家庭。同樣，這個詞的使用(以及根據這個詞對音樂人的分類標準)也引起了很大的爭議。
雖然Emo確實不那麽男性化，但作為壹種追求真實、反商業主義的東西，它仍然是硬核的直系後裔；Emo music深信商業音樂太虛假，太做作，無法表達任何真實的感情。因為Emo的概念是壹種真實的、可深度觸摸的情感，它反對理性的分析，所以在音樂中傾向於使用過多的音高和釋放，但最好的Emo音樂作品會有壹種徹底的力量使其同時具有內容性、挑戰性和私密性，其行為往往會受到主流的抵制，比如幾年前Emo引發的粉絲自殺事件。
代表樂隊:承諾戒指，起床的孩子，辮子，得克薩斯是原因，Jimmy Eat World組合，聖女貞德，我的化學浪漫，二手。、富加齊、薩奧辛。