他決定從巴黎逃到瑞士。在法國和瑞士的邊境上，他被壹個熱愛爵士樂的德國軍官攔住了。幸虧軍官警覺，沒有報告強哥逃跑，救了他壹命。然而，猶太裔德國思想家班雅明卻沒有這麽幸運，他也是納粹的滅絕目標。他在法國和西班牙邊境被攔截，在被驅逐的焦慮和絕望中自殺。種族偏見和民族仇恨能發展到這種地步，是二十世紀人類的壹大恥辱。
春末夏初，雨季還沒到，夏天的酷暑已經悄然而至。大雨是端午節後才下的。惱人的暴雨持續了好幾天，然後更熱的夏季氣溫與雷電交加的熱帶鋒面相交。季節如此反復，與我的心情相融。
爵士樂的發展註定會隨著二十世紀的歷史而興衰。二戰時期美國的唱片禁令扼殺了許多藝術創作和珍貴的音樂家唱片。戰前，在當地音樂家聯盟的壓力下，英國禁止所有外國音樂家的錄音，這也讓倫敦錯失了成為歐洲爵士樂重鎮的機會。如果他們知道德國飛行員在倫敦爆炸前會把飛機上的收音機調到BBC聽爵士樂，他們會怎麽想？如果沒有愚蠢的種族歧視，負責文化事務的官員會怎麽看待爵士樂？如果沒有慘烈的戰爭和種族滅絕，巴黎的爵士樂會如何發展？
夏天的午後，我偶爾會仔細聽聽法國熱門音樂五重奏的作品。西南風從建安平原吹來，火車隆隆駛過不遠處。也許是晴朗的壹天下午，也許是大雨後的壹片漆黑的天空，也許是傍晚燦爛的橘黃色霞光，也許是掛著中國燈籠的街頭夜景，神秘的光影在地平線上飄蕩。這幾個瞬間，我仿佛看到了壹直穿著破舊毛料西裝的強哥，滿不在乎。也許，所有惱人的世俗瑣事，最終都會融化在琴聲中，升華為整個夏天的活力湯，至少我是如此深切地希望。
爵士樂的特點:
(1)在大音階方面，其三(Mi)和七(Si)音往往較低(通常是壹個半音，但實際小於壹個半音)。有時第五個(Sol)音也會下降半音。這些落音往往輔以滑音、顫音，從而加強了歌曲的憂郁、悲涼色彩；由於這些特點，這樣形成的音階被稱為藍調音階。
(2)旋律中，切分音節奏和三連音常用來形成輕重音的倒置；
(3)節奏多為雙拍，壹般為4/4拍，有的為2/4拍；
(4)在歌詞和旋律結構上，布魯斯多采用對稱押韻的兩行字。重復第壹句話。每首曲子有12小節，每句有4小節，這樣就形成了壹個穩固的音樂結構:‖: A: ‖+B。
(5)和弦常用為主和弦(ⅰ)、次和弦(ⅴ)、次和弦(ⅳ)，所以和聲聽起來和諧而簡單。
其他特征因素:
爵士唱法通過在即興規則下使用無意義的“臺詞”，形成了獨特的爵士唱法。
爵士樂的切分音節奏復雜多樣，尤其是跨小節的連續切分音往往會使原節奏的整個小節移位，產生飄忽不定的徘徊感。
原4/4拍節奏改為3/16拍。
布魯斯音階(1 2 b3 3 4 5 6 b7 7)常用於形成爵士樂旋律的特點，有時在布魯斯音階中加入#4等變音，使之更加豐富多彩。
爵士樂的和聲比流行音樂的和聲復雜得多。它以七和弦為基礎，大量使用了延音(如9音、11音、13音)和替代和弦。有時還經常出現連續下降的純五度從屬和弦，使其呈現出豐富多彩的和聲效果。
即興創作是爵士樂手(或歌手)必須練習的演奏(或演唱)技巧之壹。
爵士樂的壹些不斷變化的分支:
早期爵士樂
早期的爵士樂(1900-1917)有32個小節和4個短語的AABA流行歌曲。有四個小節和兩個音調的拉格泰姆曲調；還有12總結的器樂布魯斯曲調。拉格泰姆音樂的和聲節奏往往比其他兩種更快。布魯斯音樂的和聲節奏最慢，但其獨奏旋律線變調較多，起始音不同，音高變化多。也有很多早期歌曲的名字是“布魯斯”，但實際上是流行歌曲或其他同源形式。
早期的爵士樂隊平均有八名音樂家。新奧爾良式爵士樂隊的固定形式中加入了兩種樂器。有時加入小號和節奏樂器，有時加入小提琴作為主角。在演出中，不僅僅是獨奏者，樂隊的每個成員都要即興表演。他們之間自發的相互謙讓與合作，只是受到和弦進行結構的限制。這種新的聲音在20世紀初，下面任何壹個聽眾都能聽得出來，它就是“爵士樂”。
自由爵士樂
自由爵士樂於20世紀60年代出現。這種全新的音樂壹出現，就深受爵士音樂家和爵士迷的喜愛。
自由爵士樂不同於以往的爵士樂，對和聲和旋律沒有太多的限制。玩家在玩的過程中可以自由、大膽、任意的玩。自由爵士樂有壹個全新的節奏概念，節奏和對稱完全被打亂。同時也強調音樂本身的強度和張力，加入了很多不協和音，融合了非洲、印度、日本、阿拉伯的不同音樂，采用了印度錫塔爾琴、tabula雙鼓、放大拇指琴、塞壬以及大量的電子設備和打擊樂器。因此，壹些自由爵士樂隊看起來像壹個非爵士前衛。
搖擺音樂
20世紀20年代末，美國出現了大蕭條，爵士樂在壹些秘密酒店、酒吧、妓院等場所流行起來，導致壹些爵士樂隊——大搖擺樂隊的出現，這種樂隊更適合跳舞。弗萊徹·亨德森(Fletcher Henderson)是第壹個出現的搖滾樂隊，但真正確立搖滾音樂的是1935年本尼·古德曼(本尼·古德曼)的成功。直到1946大樂隊時代結束，搖滾樂壹直是流行音樂中的重要力量。搖擺樂不同於早期的爵士樂。在演奏的過程中，它不太註重合奏，而更註重獨奏。個人即興創作以旋律為主，比之前的表演風險更大。
在此期間，許多爵士樂藝術家經常與壹些歐洲古典音樂藝術家交流、探討和相互學習，所以妳也可以聽到貝多芬和勃拉姆斯在搖擺樂中的回響。
搖擺樂繼承了早期爵士樂的壹些傳統，但也開辟了個人表演的新領域。許多大樂隊的音樂家後來成為了爵士巨星。
酷先生
1950年，米勒·戴維斯的九人組合發布了專輯《酷的誕生》，這標誌著酷爵士的出現。
Sir Cool選擇的音色柔和優雅，音質柔和幹爽。在solo中，它帶給妳壹種柔和、舒緩、克制的感覺。它的合奏部分含蓄而深刻，有時會讓妳想起歐洲經典室內樂。jazz Cool雖然也借鑒了Bop的音色、旋律、和聲，但比Bop的即興演奏更加流暢順滑，音色也更加和諧。與Bop相比，jazz Cool往往突出壹種放松感，但沒有Bop的內在張力那麽強烈。
酷爵士鼓手也比較安靜，不會幹擾其他音色。總之，酷爵士風格是有節制的，“點到即止”，這也是它的粉絲稱之為“酷”的原因。
融合
70年代，融合音樂逐漸發展起來，它最初的定義其實是壹種結合了爵士即興和搖滾節奏的音樂。然而，隨著流行音樂、節奏布魯斯以及各種音樂形式在世界範圍內的逐漸繁榮，融合音樂借鑒了這些音樂風格，人們所熟悉的融合音樂實際上變成了壹種冠以爵士樂之名的混合音樂。
註冊時間
Regtime爵士樂融合了歐洲古典音樂和歐洲軍樂的特點。他打亂了古典音樂中嚴格的節拍規則，演奏者對節奏的掌握很慢。音樂的進度通常會延遲，然後強調音節，這在當時的鋼琴演奏中是很常見的。自20世紀以來的15年裏，節奏爵士樂非常流行。雖然這種風格對爵士樂的形式影響很大，但由於缺乏布魯斯和即興創作的感覺，不能稱之為真正的爵士樂。
Bebop
“Bebop”壹詞來源於爵士樂手在練習或哼唱器樂旋律時發出的無意義的音節(或無意義的喊聲)。畢波普的樂句往往在結尾以壹種與眾不同的“長短”音型戛然而止，這種節奏往往被哼唱為“裏波波”或“畢波波”。這個詞第壹次出現在印刷品上是作為吉萊斯皮Six於1945年在紐約錄制的唱片的標題——鹹花生貝博普。
Bebop是在搖擺樂時代發展起來的。男高音薩克斯管音樂家萊斯特·楊和唐·比亞斯鋼琴家亞瑟·泰特姆和納特·科爾，小號手羅伊·艾爾德裏奇，伯爵巴斯的節奏樂器組，查理·帕克，塞隆尼斯·蒙克，迪茲·吉萊斯皮，米勒·戴維斯和巴德·鮑威爾。
Bebop音樂通常由3至6人組成的小型爵士樂隊演奏。他們不用樂譜，這正是他們用來抵制搖擺樂使用改編樂譜的準則。演奏的程序是將旋律完整地演奏壹遍(如果是12小節藍調就演奏兩遍)，接著是幾個即興的獨奏疊句，並伴有節奏組(壹般是鋼琴、低音提琴和鼓)，然後重復第壹個疊句的旋律，結束整首歌。節奏組從頭到尾重復整首歌的和聲音型(包括變化的音型)以維持音樂的結構。