印象主義是19世紀下半葉誕生於法國的壹個繪畫流派。其代表人物包括莫奈、馬奈、畢沙羅、雷諾阿、西斯萊、德加、莫裏索、巴齊約和塞尚。印象派畫家生長在現實主義的土壤中，但他們的主要興趣是準確客觀地描述個人面對世界時的視覺感受。印象派畫家更註重瞬間的視覺感受、色彩、氛圍、筆觸，而不是社會歷史、宗教、倫理。正是在這方面，他們走上了壹條不同於以往歐洲畫家的藝術道路。他們的作品剛出現的時候，就被習慣了古典繪畫形式的觀眾所詬病。1874年，莫奈的《日出印象》遭到批判。此後，“印象主義”和“印象主義”作為專有名詞被用來指代像莫奈這樣的藝術家的作品。
從歐洲繪畫史的發展過程來看，正是在印象派畫家的作品中，搖曳的陽光和微妙的陰影被引入畫面，繪畫才變得清新、明亮、充滿活力。藝術家對真實的追求在印象派時代達到頂峰，之後開始走下坡路。從馬奈到塞尚，歐洲繪畫傳統是自我否定、自我完善的，這構成了整個西方現代繪畫的發展框架。印象派畫家在藝術活動之初受到誤解甚至嘲諷，活動時間不長，但對西方藝術影響深遠，影響了音樂和文學。到20世紀初，印象主義已經成為壹個流行的藝術流派。直到今天，印象派繪畫仍然比繪畫史上的其他流派更受全世界觀眾的歡迎。這個展覽將利用馬奈、莫奈、雷諾阿、德加或塞尚等藝術家的作品，介紹法國印象主義的演變:它的開始、發展及其對後來繪畫藝術的影響。參觀者不僅可以觀察到這些傑出畫家處理的主題的多樣性(涉及風景、靜物和肖像)，還可以觀察到他們繪畫經驗的發展。部分代表作品的展出，使得本次展覽非常難得。這次在中國展出的印象派作品有***51幅，法國主要印象派畫家可以說都有涵蓋——莫奈11、西斯萊5、德加4、雷諾阿4、馬奈3、畢沙羅7、芳汀-拉圖爾、莫裏索、巴茲爾等人也有作品。其中有馬奈的《短笛男孩與酒吧女郎》、德加的《舞蹈課》、《咖啡館》(又名《苦艾酒》)、年輕女性的肖像、莫奈的《魯昂大教堂與睡蓮》、雷諾阿的《半身像》、《陽光的效果》、畢沙羅的《蓬圖瓦茲·艾爾米塔什》。
印象派繪畫於20世紀20年代開始傳入中國，但直到20世紀70年代末，中國觀眾才能夠看到壹些印象派作品。法國文化年，印象派畫作集中展示，開創了中國對外藝術交流史上的先河。這次在國內與觀眾見面的5l作品屬於法國國寶級作品，大部分來自奧賽博物館。奧賽博物館是壹個專門收藏現代藝術作品的國家博物館。它位於巴黎塞納河畔，是世界各地藝術朝聖者遊覽巴黎的必去之地。奧賽博物館第壹次出了這麽多優秀的印象派作品，送到了遠在大洋彼岸的中國。這是壹個世紀的藝術盛會。這個展覽希望給人們提供壹個搭建中法文化橋梁的機會，了解中法文化的異同，中法文化所擁有的東西，互補的東西。
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印象派產生於19世紀下半葉的法國。以馬奈為中心的壹批畫家，如莫奈、西斯萊、雷諾阿、塞尚、德加、畢沙羅等。，在反對學院派藝術的口號下以創新的態度進行藝術革新，進入法國畫壇。1874年，他們在巴黎舉辦了第壹次展覽，社會反響很大。參展作品中有壹幅莫奈的油畫《印象日出》，遭到學院派的抨擊。評論家們戲稱這些畫家為“印象派”，印象派繪畫因此得名。
印象主義強調畫家對客觀事物的感受和印象，反對學院派的因循守舊，主張藝術創新。在繪畫技巧中，討論了光線和色彩，研究了用外部光線描繪物體的方法。認識到顏色的變化是由色光引起的，顏色隨觀察位置、不同的光狀態和環境的影響而變化。同時將這壹科學原理運用到繪畫中。他們走出畫室，走進大自然，直接在陽光下寫生，根據觀察和直接感受，表現出微妙的色彩變化。這是繪畫史上的壹次偉大革命，對後來的現代藝術也有很大的影響，由於印象派繪畫很少反映人類生活的主題，創作的題材和內容受到很大的限制。
馬奈(1832 ~ 1883)是19世紀下半葉繪畫領域革命中起重要作用的繪畫大師。雖然他與印象派畫家關系密切，不參加印象派畫展，但印象派畫家總是以馬奈為中心創造新的繪畫理論和作品。
馬奈於1832年出生於壹個富裕的法官家庭。因為熱愛藝術，他放棄了高官厚祿的職業，成了壹名畫家。馬奈是第壹個打破傳統棕褐色調，借助外部光線使畫面明亮清新的畫家。受古典藝術的影響，他在作品中始終保持著壹種宏大莊嚴的精神。他的畫在造型上有很高的寫實技巧，但並沒有發展到像後來壹些印象派畫家分解物體顏色的程度。他對色彩的處理比較完整，每個色塊都很和諧，柔和明亮，給人通透清新的感覺。《吹笛子的男孩》是馬奈的著名作品。在整體偏暗的色調中，突出幾個亮色，使其更加響亮耀眼。他的另壹部代表作《奧林匹亞》也采用了這樣的表現手段。
莫奈(1840 ~ 1926)是印象派的領軍人物。1874年，他發起並組織了第壹次印象派藝術展，他的油畫《印象日出》在展覽中引起反響，從而使“印象派”這個名稱正式出現。
印象日出表現了畫家對“日出之水”這壹轉瞬即逝的景象的感受和印象。畫中所表現的是，在天水朦朧的晨霧中，壹輪紅日冉冉升起，水中的船只和岸上的景物很容易用藍綠色勾勒出來，整個畫面中的壹切物體融為壹體。
在莫奈的作品中，非常註重色彩領域的探索，忽略了對象和形式的寫實性。註重用光和色彩來表達瞬間的印象，追求繪畫中色彩關系的獨立美。他是第壹個真正強調外部光線寫生的畫家。他的作品幾乎都是戶外寫生完成的，態度非常認真。為了保持印象的真實性，經常是早上畫。如果沒有畫完，會等到第二天同樣的時間繼續畫，直到畫完。他還經常在壹個場景前畫出物體在不同時間和不同光線下的顏色變化。比如油畫《幹草堆》和《裏昂大教堂》就是藝術家在這次色彩實驗中經常提到的作品。他的作品，經過深思熟慮，追求瞬間光色的微妙變化效果，是前所未見的。這種藝術追求在莫奈晚年的油畫《睡蓮》中尤為突出。莫奈是最長壽的印象派畫家。到了晚年，人們意識到了印象派繪畫的價值，這也讓他晚年過上了幸福的生活。
德加(1834 ~ 1917)是壹位活躍的活動家，印象派畫家的重要成員，以描繪舞女和沐浴少女而聞名。德加，銀行家的兒子，家境殷實，受過良好的教育。
德加早年受到嚴格的古典藝術影響，培養了他熱愛傳統藝術的情懷，所以在印象派畫家中他壹直是壹個堅持嚴格造型的畫家。受馬奈的影響，他開始註意對色彩的研究，並參加了印象派畫展，成為風格獨特的印象派畫家中的壹員。德加壹直對撲朔迷離的運動追求很感興趣，尤其是舞臺燈光下的舞者和賽馬場上的場景，極其生動。他經常在後臺和包廂裏冷靜地觀察對象，默默寫下演員們跳舞時的瞬間動作，生動地展現舞者們溫柔的動作和生動的姿態，更成功的是，他把舞臺燈光下的感受傳達得非常傳神。德加的代表作有《舞臺上的舞者》和《熨衣服的女人》。
雷諾阿(1841 ~ 1919)是重要的印象派畫家。1841出生於壹個貧窮的裁縫家庭，曾經靠在陶瓷器皿上作畫為生。他天性樂觀淳樸，熱愛生活，熱愛自然，對人與自然的美有著極其敏銳的藝術感受力。雷諾阿主要畫女性的肖像和裸體。他的畫總是充滿歡樂的氣氛，人物的刻畫都帶著說不出的柔和和微笑。同時，他嘗試在繪畫中運用印象派的方法，取得了理想的效果。他的人物畫生動活潑，色彩豐富。
雷諾阿關於女孩和孩子的畫也有很高的藝術價值。他作品中的孩子天真爛漫，稚氣未脫，他畫的女孩能傳達出壹種安靜優雅的情態。《壹個女孩的畫像》是他的代表作之壹。
雷諾阿的作品在筆觸的運用上給人壹種跳躍的感覺，他經常喜歡用各種由淺入深的紅色繪畫。畫中的人物被描繪得非常悠閑快樂，充滿了青春的美，就像壹首贊美和抒情的音樂，能讓人感到生活是如此美好，充滿了浪漫的情懷。他的作品《遊船上的午餐》、《餅幹坊街上的舞蹈》、《盒子》等充分體現了他的藝術特色。
畢沙羅(1830 ~ 1903)是重要的印象派畫家。畢沙羅出生在法屬安的列斯群島的聖托馬斯小島上。他的父親是壹個小雜貨商。當他年輕的時候，他當過店員。因為他的畫很酷，他在25歲的時候離開了家鄉的小島，來到了以藝術之都聞名的巴黎。柯羅和米勒的作品對他影響很大，他堅信藝術唯壹能追隨的主人就是自然。畢沙羅比其他印象派畫家更早開始在室外光線下繪畫。他常說:“在生動的室外光線下，忠實地按照自然來畫！”"
畢沙羅壹生貧窮，卻始終以壹副開朗豁達的面孔活著。他很喜歡農村生活，把自己眼中看到的壹切都畫出來，不誇張，不粉飾。在畫面上，他經常用飽和的色彩和筆墨細膩的筆法來描繪物體，有壹種真摯的藝術魅力。代表作有《凡托瓦茲的紅屋頂》、《蒙馬特爾大道》等。
修拉(1859 ~ 1891)，印象派的後來者，在印象派中獨樹壹幟。修拉根據色彩學原理指導藝術實踐。他認為，在光的照射下，所有物體和圖像的顏色都是分裂的。要真實的表達這種被分割的顏色，不同的和純粹的色點和色塊必須是並列的。在這壹理論指導下的作品被稱為“點彩法”，形成“新印象派繪畫”，又稱“點彩派”建築新印象主義以科學理論和理性為基礎，在某些方面還原了繪畫中物體的具體性和寫實性，並對色彩分析進行了探索。但由於過分強調條條框框，繪畫失去了可貴的直觀生動性。
《大碗島的星期天下午》是修拉的代表作，歷時三年完成。畫家采用細筆小點的形式，以大塊綠色為主調，夾雜紫、藍、紅、黃等色點，使畫面在某些部位有豐富的色彩變化和補色對比，整體協調。
繼印象主義之後，出現了以塞尚、梵高、高更為代表的另壹種藝術思潮，被稱為“後印象主義”。後印象主義不滿足於印象主義的“客觀主義”表現和對外界光線色彩的片面追求，轉而強調表達作者的自我感受、主觀感受和情感。在藝術表現上，“後印象主義”重視形式、色彩和體積的關系，強調藝術形象要區別於生活的物質形象，客觀形象要隨著作者的主觀感受而轉化，要表現“主觀的客觀性”。他們尊重印象派在外部光線和色彩方面的成就，但不追求外部光線，註重表現物質的具體性、穩定性和內部結構。後印象派繪畫對現代畫派的發展影響很大。
塞尚(1839 ~ 1906)是重要的後印象派畫家，現代繪畫之父。塞尚由畢沙羅介紹加入印象派，並參加了第壹屆印象派畫展。他不拘泥於印象主義的光線和色彩分析，嘔心瀝血捕捉稍縱即逝的自然現象，建立了自己的藝術方法和風格。
經過長期的觀察和實踐，塞尚提出自然物體可以概括為圓柱形、圓錐形和球形的幾何形狀。對於人類來說，自然主要不是壹個平面而是壹個深度，所以要註意自然景物的形態結構與色彩的層次關系。他認為“沒有線條，沒有明暗，只有色彩之間的對比。”物體圖像的體積由精確的色調關系來表示。“他很擅長用色彩來處理畫面中的空間感。他作品中的景物，無論遠近，都非常清新明亮，同時表現出鮮明的透視感和空間感。這種感覺不是通過物體在屏幕上的透視線和構圖來表現的，而是通過物體的顏色和顏色之間的關系來表現的。色彩代替了體積，色彩關系代替了明暗。他正在用顏色做模型。我們知道，困難在於找到準確的色彩和色彩之間的和諧關系，而塞尚成功地克服了這壹困難。
塞尚的作品大多是他自己藝術思想的體現。他的靜物畫、山水畫、人物畫都表現出強烈的幾何感，忽略了物體的肌理和造型的準確性，強調厚重沈穩的體量感和物體之間偉大的整體關系。塞尚的作品不盲目照搬現實，而是尋求各種關系的和諧。
塞尚對體積感和空間感的強調，對色彩的巧妙安排和運用，對物體造型結構的處理和有意識的變形等。，這些追求形式美的藝術方法對後來的現代流派產生了非常重大的影響。因此，塞尚晚年受到許多熱衷於現代藝術的畫家的推崇，被尊稱為“現代藝術之父”。
塞尚的代表作有《靜物》和《聖維克托尼爾山》。
梵高(1853 ~ 1890)是後印象派的重要畫家，壹個家庭生活貧困的荷蘭人。年輕時，他從事過許多職業，如藝術品經銷商、教師和傳教士。將近30歲時，他開始了畫家生涯。
由於他有著豐富的生活經歷和對勞動人民的深厚感情，他熱衷於在他的藝術中表達他們平凡而艱苦的勞動生活。早期的油畫大多采用寫實的手法來描繪農村風光和人民的勞動生活，傳統的暗色調是主要的色彩表達。1886年，梵高來到巴黎，被印象派畫作中奇妙而熱情的光影和色彩效果所吸引。他開始改變原有的繪畫方法，以極大的熱情投入到印象派繪畫的色彩表現和其他形式的實驗中。從此，梵高的油畫開始變得明亮起來，用明亮而燃燒的色彩，以及動人的、連續的、波浪式的筆觸，構成了他繪畫的特點。他把被描繪的對象作為壹種媒介來表達他強烈的主觀感情和他獨特的藝術技巧，從而表達他的主觀感情和激情。他把印象派的藝術方法，尤其是對事物的色彩和形體塑造的方法，發展到更加獨立於傳統的地步。梵高生前的藝術並不被世人所認可，但後來，人們逐漸了解並認可了他的藝術創作。他的作品充滿了對善、美的向往和創造性想象的自由，尤其被後來發展起來的“野獸派”和“表現主義”畫家所接受。直到今天，梵高還活在藝術界。
梵高的代表作有:早期作品《吃土豆的人》，後期作品《向日葵》、《星夜》、《郵差》。
高更(1848 ~ 1903)是重要的後印象派畫家。他出生在巴黎，年輕時當過水手和店員。後來，他放棄了生意，把大部分時間都投入到繪畫中。起初，他被印象派畫家畢沙羅引上了印象派繪畫的道路。不久，他改變了自己的繪畫風格，開始創造壹種更強調藝術家的主觀幻想和更多裝飾意義的風格。他厭倦了熙熙攘攘和充滿爭議的城市生活，向往簡單的自然和孤獨的生活方式。高更放棄了富裕的生活，離開巴黎，漂洋過海來到太平洋中部赤道以南的熱帶島嶼大溪地，開始探索自己獨立的藝術風格。他最重要的作品就是在這裏完成的。在這裏，他發現了童年時從母親那裏接受的對土著人民的深厚感情。高更以極大的熱情表現了原始的美麗和未開發的熱帶自然，表現了遠離文明喧囂的土著人民的簡單樸素的生活。他采用了古埃及藝術中莊重、穩重、平和、豐富的圖案裝飾風格，追求簡單、天真、厚重的結構。在色彩方面，他從形式美感的要求出發，註重色塊之間的布局和整體效果，通過主觀創造進行排列，簡化色彩之間的關系，使用更多的純色，追求壹種跳躍或對比的和諧，表現出強烈的裝飾感。高更主張藝術家不僅要表現客觀的自然，更要發掘思想中的神秘之心，表現主觀的東西，於是啟發了壹批像塞尚、梵高這樣的現代派畫家。
藝術鑒賞取向:西方美術
在藝術上前進壹步
通過學習西方藝術史，我可以解決壹些藝術問題。
第壹，藝術是為了什麽？
關於藝術的本質，古代有不同的看法。亞裏士多德說“藝術模仿自然”，現在還不能完全成立。雖然藝術需要用自然材料來表現，或者以自然現象為符號，以自然形態為描寫對象，但這絕不是對自然的盲目模仿。
有人說，藝術是“人類的壹種創造技能，創造出壹種意義上的具體的、客觀的對象，這種對象能在我們的精神世界中引起快樂，具有長久的價值”。這是客觀來說的。藝術在主觀上是藝術家理想情感的具體化、客觀化，也就是所謂的自我表現。所以藝術的目的不是實用，而是純粹的精神快樂。藝術的起源不是理性知識的結構，而是壹種民族精神的創造或天才的自然沖動。他處處彰顯民族或個性。藝術創造的能力根植於自然。雖然可以接受性知識的引導和拓展，但並不是學術上的專屬創造或完善。藝術的源泉是壹種非常強烈、深刻、不可阻擋的情感，它承載著非凡的想象力。這種發生在人性最深處的情感，把想象力刺激到了不可思議的強度，把他的直覺引向了普通理性無法概括的境界。這壹刻形成的許多復雜的感覺和情感，成了藝術創作的基礎。
第三，審美與藝術的關系。
雨果說:“沒有藝術，人類的生活將黯然失色。”席勒動情地叫道:“啊！人類只有和妳在壹起才有藝術。”每個人都對藝術著迷，向往自己對藝術美的感覺，這就是為什麽人們需要真正的藝術家來創造藝術美。而藝術需要現實生活和藝術家的創作。沒有這些，怎麽會有藝術美？美術中的藝術美離不開美術作品。藝術美是指美術作品中的美，是創作主體按照美的規律，以美的為目的而創造的事物之美。因此，藝術作品的藝術美也是真善美的統壹。
“我們在其中看到的任何東西，按照我們的理解，都被視為這樣的生命，那就是美；任何展現生活或提醒我們生活的事物都是美好的。如果說“壹個事物如果能充分表達它的概念就是美的”，那就是說，“任何在同類中獨壹無二的東西都是美的。“這種說法顯然不準確。誠然，壹個事物必須是傑出的，才稱得上美麗。例如，壹個森林可能很漂亮，但它必須是壹個“好”的森林，有高大茂密的樹木。總之，壹片優秀的森林，滿是折斷的樹枝和樹幹，有枯萎的樹木，是不美的。但不是所有拔草的東西都是美的。沼澤在同類中是越好的，它在美學上就越醜。雖然“美”不完全等於藝術，但藝術必須是“美”。中外美學史和廣大人民群眾的審美實踐表明，藝術作為壹種意識形態，雖然不是審美的唯壹對象，藝術的範疇也很多，但就藝術與生活、創作動機與藝術效果、審美客體與審美主體的關系而言，本質是壹致的。
還有藝術和科學的問題。藝術與科學的關系是壹個古老而年輕的話題，這裏最有說服力的是西方的文藝復興。無論是中國古代的“六藝”內涵，還是古希臘的“藝術”概念，都深刻地反映了藝術與科技的密切關系。古希臘人把所有可以通過專門知識學習的技能稱為“藝術”。音樂、雕塑、繪畫和詩歌是藝術，手工業、農業、醫學、騎馬和射擊、烹飪等等也是藝術。這種藝術與科技相結合的“藝術”概念在歐洲文藝復興時期達到了頂峰，文藝復興時期的科學、文化和藝術的發展也是人類文明史上最輝煌的時期。達芬奇、米開朗基羅和丟勒不僅是藝術家，還是科學家和工程師。他們創作了傑出的藝術作品，在科學發展和技術發明方面取得了巨大成就。藝術和科學是人類文化的兩翼，人們壹直在討論它們之間的關系。愛因斯坦說:“真正的科學和真正的音樂需要同樣的思維過程。”藝術和科學的關系曾經非常密切，它們的分離是在工業革命前後，與科學技術的發展和深化以及各種職業行為的出現密切相關。然而，兩者的有機結合對藝術和科學的發展大有裨益。文藝復興時期的科學文化成就是藝術與科學相互融合發展的最好體現，說明藝術與科學是密切相關的。
以上三點，是我對這堂課的思考和收獲。當然遠不止這些，重要的是用理論知識回答和解決現實生活中的壹些問題。
總之，西方藝術史的學習拓寬了我的知識面，學到了更多的東西。