人們有時將嚴肅音樂或藝術音樂稱為古典音樂，以區別於所謂的“流行”音樂或娛樂音樂。這種對“古典”的廣義解釋，完全拋開了歷史時期和風格。因此，原本屬於不同時期、不同風格的音樂作品，如巴赫、貝多芬、柴科夫斯基，甚至斯特拉文斯基的作品，都可以稱為古典音樂。
音樂史上的古典時期基本屬於器樂，作曲家大多以器樂體裁和形式為主，聲樂退居二線。敢於與大主教決裂的莫紮特對歌劇的貢獻很大，但器樂作品也很豐富。至於貝多芬，他純粹是壹個器樂作曲家。他以革命中的英雄人物作為作品的主角，因此他有時被稱為革命古典作曲家。古典主義的規範化建立了奏鳴曲、弦樂四重奏、協奏曲和交響樂等多樂章體裁和快板奏鳴曲形式。在古典作品中，節奏和配器色彩是靈活多變的，而不是整個樂章；古典作品中所有的聲音，甚至演奏的力度，都是由作曲家自己書寫和標註的，而不是留給演奏者在演奏時即興發揮。至於感情的表達，由於理性精神的影響，古典作品往往是內斂而冷靜的，而不是熱情洋溢地傾訴——從這個角度來看，巴洛克風格與古典主義完全不同，但更接近於後來的浪漫主義精神。
西方古典音樂是西方文明極其重要的壹部分。西方古典音樂作品浩如煙海，但在我們的傳統印象中，由於歷史文化的原因，西方古典音樂很難被欣賞，成為了壹種高雅文化。其實古典音樂中有很多膾炙人口的音樂作品和片段，在我們的生活中受到人們的喜愛。
霍夫曼曾經說過，“音樂是所有藝術中最浪漫的——幾乎是唯壹真正浪漫的藝術，因為它唯壹的主題是無限。音樂向人類揭示了壹個未知的王國。在這個世界上，人類拋棄了壹切清晰的感覺，沈浸在無法言說的欲望中。”
歐洲藝術史上有兩個重要時期，古典主義時期和浪漫主義時期。前壹個時期包括十八世紀的最後二十年和十九世紀的頭十年；另壹個時期形成於19世紀下半葉，受法國大革命引起的社會和政治變革的影響。當時的浪漫主義真的是無孔不入，文學、建築、藝術等各個領域都湧現出了壹大批優秀的浪漫主義者。
在浪漫主義時期，隨著工業革命的進步，鋼琴也得到了改進。它采用了鑄鐵結構，弦也變粗了。這種鋼琴可以得到更豐富、更輝煌的音樂，接近現在的鋼琴。接下來我用壹個事實來證明這壹點:如果李斯特所處的時代要求他有不同的表達方式，並且因為這個時代為他提供了不同效果的鋼琴，那麽這種鋼琴在更早的時期是找不到的。但這種比較只能在音樂文學中找到，在現實社會中很難找到。
19世紀有奧地利的舒伯特，波蘭的肖邦，匈牙利的李斯特，德國的舒曼，門德爾松和勃拉姆斯，還有他們同時代的人，在探索鋼琴技術的可能性和戲劇性方面表現出無盡的獨創性。總之，隨著短抒情形式的出現，作曲家們會認為音樂的大小並不是藝術批評的標準，壹首優美的、精心創作的小曲也可以媲美壹部交響樂。
壹首完美的詩本身就是完美的，不需要有最高的想象力。浪漫藝術歌曲的創作者非常成功地將歌詞與音樂結合在壹起。正是因為有了這些音樂作品，很多抒情詩才能流傳下來。
歌曲的結構可以分為兩類。在音段形式中，同壹旋律在詩的每壹段或每壹小節中重復。這是民謠和流行歌曲中很常見的結構。歌的第壹段可能是關於壹個愛人的期待，第二段是關於他遇到愛人時的喜悅，第三段是關於女孩的父親暴力分開他們，第四段是關於女孩傷心的死亡，都是同壹個調子唱的。另壹種形式被德國人稱為“durchkompoiert”，字面意思是“綜合創作”，也就是說作曲過程貫穿整首歌，沒有重復。還有壹種中間形式，將分段歌曲中的重復與完全創作歌曲的自由結合起來。同壹個旋律有兩到三個重復，然後在必要的時候引入新的旋律，通常是在高潮的時候。舒伯特的流行小夜曲是這種結構的壹個極好的例子。
雖然歌曲在每個時期都發揮了突出的作用，但是通過很多歐洲音樂文獻，我們知道藝術歌曲是浪漫主義時期的產物。藝術歌曲是在19世紀早期由詩歌和音樂結合而產生的。舒伯特和他的繼任者，特別是舒曼和布萊恩，使這種結合達到了如此完美的藝術效果，以至於這種新風格是基於德國歌曲:Lied，我聽說了歐洲的名勝古跡。
藝術歌曲隨著抒情詩的興起而繁榮。抒情詩的興起是德國浪漫主義的標誌。藝術歌曲使浪漫主義時期將音樂與詩歌結合的願望得以實現，包括柔情或戲劇性的民歌。藝術歌曲中最常用的主題是愛情、期待、自然之美和生活中稍縱即逝的幸福。
19世紀鋼琴作為壹種普通樂器出現在歐洲，使得浪漫主義藝術歌曲獲得成功。鋼琴伴奏將詩歌中的意象轉化為音樂中的意象。人聲和鋼琴* * *創造了充滿情感的短抒情形式，同樣適合業余愛好者和藝術家，也適合在家裏和音樂廳演唱。在很短的時間內，藝術歌曲獲得了巨大的知名度，為世界藝術做出了永久的貢獻。
標題音樂是帶有文字或畫面聯想的器樂作品，這些聯想的內容是由音樂的標題或註釋提示的。“標題”只是作曲家自由添加的。當時，音樂家們敏銳地意識到他們的藝術與周圍世界的聯系。這種意識使他們的音樂更接近於詩歌和繪畫，並使他們的作品涉及當時的道德和政治問題。也促使他們以新的方式去探索絕對音樂(純音樂)的形式。關閉
標題音樂在歌劇院獲得了最初的推動力。作為歌劇(或戲劇)的引子，序曲是壹種激動人心的壹樂章管弦樂。許多歌劇序曲後來變得像音樂會音樂壹樣受歡迎，所以它們獨立了。這為壹部與歌劇無關的新序曲開辟了道路。
有壹種片頭曲是為戲劇寫的，也很吸引人。通常由序曲和幕間及重要場景播放的壹組音樂組成。這是配樂。19世紀的作曲家創作了很多這樣的作品，這些作品的調式繪畫、個性、劇場效果都值得關註。最成功的音樂作品通常會被改編成組曲。其中壹些非常普遍。例如，德國著名作曲家門德爾松為《仲夏夜之夢》創作的音樂就是這類音樂的典範。隨著19世紀的流逝，越來越需要壹種大規模的管弦樂形式，它將在浪漫主義時代發揮與交響樂在古典時期同樣的作用。到19世紀中葉，交響詩的創作邁出了這期待已久的壹步。交響詩是對19世紀大型器樂形式的獨創性貢獻。是李斯特的成就，他在1848首次使用了這個詞。他的前奏曲是這種音樂最著名的範例。
交響詩是為管弦樂隊創作的單樂章標題音樂作品，它通過段落之間的對比來發展詩歌，使人想起某種情景或創造壹種情感。交響詩還有壹個非常好聽的昵稱:印石。交響詩和音樂會序曲之間有壹個重要的區別。音樂會序曲壹般保留了傳統的古典觀念，而交響詩在形式上要自由得多。交響詩的形式是作曲家需要的大型單樂章音樂的“畫布”。總之，交響詩在十九世紀下半葉成為標題管弦樂最精致的形式。
最後介紹了標題音樂進入了絕對音樂的神聖領域——交響樂。作曲家們壹方面盡力保留貝多芬的宏大形式，同時又賦予其文學內涵。因此出現了標題交響樂。著名的作品包括法國作曲家柏遼茲的三部交響曲——《幻想曲》、《哈羅德在意大利》、《羅密歐與朱麗葉》、德國作曲家理查德·施特勞斯的《阿爾卑斯山》、匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》。
民族主義者和民族藝術家是站在壹起的，但民族主義者以更自覺的方式肯定自己的民族傳統。在19世紀的歐洲，當時的政治條件促進了民族主義的發展，使其成為浪漫主義運動中的決定性力量。征服民族的傲慢和被征服民族爭取自由的鬥爭造成了民族關系的緊張，使民族情緒高漲。這種情緒在音樂中找到了理想的表達方式。浪漫派作曲家用多種方式表達他們的民族主義。有些作曲家把自己的民族歌舞作為音樂的基礎，如肖邦的瑪祖卡，李斯特的匈牙利狂想曲，德沃夏克的斯拉夫舞曲，格裏格的挪威舞曲。壹些作曲家根據民間傳說或農民生活創作戲劇作品，如韋伯創作的德國民間歌劇《自由射手》，斯美塔納創作的捷克民族歌劇《被背叛的新娘》，以及柴可夫斯基和林斯基·科薩科夫創作的俄羅斯神話歌劇和芭蕾舞劇。其他作曲家寫交響詩和歌劇，贊美民族英雄的成就，歷史事件或祖國的美麗風景。柴可夫斯基的《1812序曲》和斯美塔納的《我的祖國》是這壹趨勢的代表作品。瓦格納的音樂劇歌頌了德國神話和民間傳說中的眾神和英雄，尤其是《尼伯龍的指環》(哥特搖滾的先驅)，這是壹部以齊格弗裏德的生與死為中心主題的巨大史詩，也是壹部傑作。
民族主義作曲家經常將自己的音樂與民族詩人或戲劇家的詩歌相結合，如舒伯特為歌德的詩歌作曲，格裏格為易蔔生的皮埃爾·根特譜曲，柴可夫斯基根據普希金的戲劇創作的歌劇。俄羅斯民族詩人普希金也啟發了林斯基·科薩科夫和穆索爾斯基。在這壹時期，民族主義作曲家可以用激動人心的方式表達人們的願望，就像威爾第在意大利爭取統壹時所做的那樣，或者西貝柳斯在19世紀末在芬蘭反抗俄羅斯統治者時所做的那樣。
民族主義音樂的政治意義觸動了統治者。威爾第的歌劇不得不壹再修改，以適應奧地利檢察官的想法。19世紀末20世紀初芬蘭要求獨立時，西貝柳斯的聲樂詩《芬蘭頌》被沙皇查禁。民族主義給歐洲音樂的詞匯增添了魅力和活力。通過在音樂中註入對祖國的熱愛，民族主義使作曲家能夠表達數百萬人的願望。總之，民族意識滲透到了19世紀歐洲精神的方方面面。沒有民族意識，浪漫主義運動是難以想象的。
音樂、繪畫、文學中的異國情調，展現了遙遠國度特有的氣息和色彩。換句話說，浪漫主義運動大大加強了這種傾向。19世紀的異國情調首先表現在北方民族對南方溫暖和色彩的向往，其次表現在西方對東方神話場景的追求。前者促進德國、法國和俄羅斯作曲家轉移作品，表達意大利和西班牙引起的靈感。在這些眾多的作品中，有幾首俄羅斯作曲家的名作:格林卡的兩首西班牙序曲，柴可夫斯基的意大利隨想曲和林斯基-科薩科夫的西班牙隨想曲，德國對門德爾松的意大利交響曲的貢獻，沃爾夫的意大利小夜曲和理查德·施特勞斯的《致意大利》，法國的作品有夏布裏的。值得壹提的是，比才的《卡門》也是這方面的代表作。
俄羅斯民族音樂學校對東方的魅力產生了國際影響。由於俄羅斯帝國與波斯接壤，這種異國情調實際上是壹種民族主義。亞洲神話背景滲透俄羅斯音樂。林斯基-科薩科夫的華麗管弦樂作品《謝赫拉查達》及其歌劇《薩特庫奧》，鮑羅丁的歌劇《伊戈爾王子》及其交響詩《中亞大草原》，伊波裏托夫-伊萬諾夫的《高加索速寫》等都是具有東方色彩的作品，這些作品至今仍風靡全球。壹些法國和意大利作曲家也采用了異國情調，如聖伊馮娜的《參孫和黛利拉》,德利布的《拉克什米》,馬斯奈的《泰斯》,威爾第的《阿伊達》,普契尼的歌劇《蝴蝶夫人》和《圖蘭朵》。
知道如何欣賞西方古典音樂也很重要。進入古典音樂殿堂最簡單的方法就是感官欣賞，也就是滿足於音樂的直觀感受，也就是說妳覺得音樂的旋律很美或者有壹定的力量，給人力量，鼓舞人的精神。妳認為的好聲音、好音樂不用考慮其他內涵。如果妳有壹個好的音響，妳會更喜歡聽，聽起來輕松舒適。時間久了，妳很快就會進入古典音樂的殿堂。另壹個進步是對古典音樂情感的欣賞，即通過感受音樂的所有元素來體驗和理解音樂的情感。在欣賞的過程中，要對音樂的節奏、旋律與和聲、音色、力度、速度、調式、形態、織體等進行理解和分析。節奏常被比喻為音樂的骨架，節奏是音樂中重拍的周期性和有規律的重復。我們應該旋律也叫旋律，音樂的起伏是按照壹定的節奏有條不紊地橫向組織起來的。在欣賞音樂的過程中，我們的思想壹定要跟著旋律走，我們的基本感覺壹定要找到。如關卡進行時柔美、寧靜、遞進、跳躍，主題推向高潮，下行表現壹般激烈而平靜；和聲也叫和弦的運用。壹般歐洲古典音樂都是多聲部音樂。如果旋律橫向進行，和聲縱向進行，這樣音樂就會飽滿，有氣勢。音樂的力度、速度等要素我們可以適當學習壹些音樂常識來掌握。歐洲古典音樂作品的形式、和聲、織體都非常規範嚴謹。我們可以用這些知識去體驗和理解，並不難體會到利己主義的歐洲古典音樂情感的欣賞。
歐洲古典音樂欣賞的最高境界是理性欣賞，即不僅要體驗和理解音樂的情感，還要分析和評價音樂作品的形式、內容、民族特色、社會價值和藝術價值。要達到這個境界，必須了解和欣賞歐洲古典音樂的三個要素，即創作背景和演奏者的再創作；欣賞者自己的理解。歐洲古典創作的背景壹般可以分為四個時期:第壹個時期是巴洛克時期，以被譽為音樂之父的巴赫和被譽為清唱劇大師的亨德爾為代表；意大利的維瓦爾第等。，這壹時期的音樂風格優美柔和。第二個時期是古典時期，有海頓、莫紮特、貝多芬等。這壹時期的音樂特征具有鮮明的主題和壹定的沖突。第三個時期是浪費派和民族音樂派，代表人物有德彪西、舒伯特、拉威爾、柴可夫斯基、斯美塔納、德沃夏克等。這壹時期的音樂背景復雜，作曲形式多樣，音樂表現委婉抽象，具有感染力和鮮明的民族風格。第四個時期是現代派音樂流派，以斯特拉文斯基、格什溫、馬勒等為代表。這壹時期的作品富有特色，和聲樂器豐富，不是很悠揚，內涵很深，有些是爵士味的，很難理解。欣賞者自己對音樂的理解是基於自己的文化水平。音樂不同於其他學科，它反映的東西是模糊的、抽象的。因此，他們可以充分發揮自己的想象力。比如欣賞柴可夫斯基的《天鵝湖》的場景時，妳可以想象壹群長著翅膀的少女在寧靜的湖面上翩翩起舞，也可以想象壹群天鵝在湖面上溫柔而緩慢地徜徉。總之，如果妳充分發揮自己的想象力，將三個要素有機地聯系起來，多聽名家的作品，欣賞和思考那些感覺美好的東西，妳就進入了歐洲古典音樂欣賞的最高境界。
學習、了解和欣賞歐洲古典音樂，會給我們的生活增添無限樂趣。