因為網上有很多朋友找我交流作曲經驗，為了避免重復打字，特此發表觀點如下:
很多朋友壹上來就說很有寫歌的欲望，問我怎麽寫歌。我的第壹感覺是這種心態太不現實，缺乏客觀的態度。寫歌作曲的願望當然值得鼓勵，但如果妳連哼什麽都錄不下來，這種想法就會成為急功近利的標誌。
其實寫歌，包括配器，是很自然的事情。如果妳還在問我怎麽寫，我覺得妳根本就沒有入門，妳也沒有能力掌握這首曲子。壹定要放下寫音樂的想法，多學壹些基礎的東西，學到壹定程度，積累到壹定量，接下來自然就知道該怎麽做了，包括評估自己的作曲能力。所有壹上來就問怎麽寫音樂的朋友，都是我進壹步了解之後，音樂基礎很少或者沒有的朋友。不想飛不走，這就是我想說的。妳需要的不是如何寫音樂，而是如何先了解音樂是怎麽壹回事。
再者，寫歌怎麽了？很多人即使不懂樂理也能經常瞎哼壹些曲子(我爸就是這樣，呵呵)，但是不知道自己在哼什麽，也就沒法錄下來，也就沒法踏入音樂的門檻。懂得作曲的人是不壹樣的。他們可以錄下自己或別人哼的曲子，比如王，所以有些人成了作曲家和音樂家。其實妳有沒有作曲的能力，取決於妳有沒有錄音的能力。
如何訓練這種記譜能力？首先妳得知道樂譜，唱得準確，樂譜細節非常清楚。然後要練耳朵，包括分辨音程和節奏。各種復雜的音程和節奏都要練到條件反射，壹只耳朵就能聽出來。這有點像練英語，到了像母語的程度。當然越復雜越難識別，但是能區分復雜音程和節奏的人，肯定能寫出復雜音程和節奏的東西。所以，想要寫好歌，就要持之以恒，提高耳朵，永無止境。在壹定程度上，當妳聽到音樂時，反映在妳腦海中的不是聲音而是樂譜。
再者，如果妳不僅能識別音程和節奏，還能對音樂的和弦變得敏感。妳會逐漸發現歌曲的旋律都是以和聲為基礎的。除了中國傳統音樂有先旋律後和聲背景(即先音樂後配器)之外，現代音樂的旋律是建立在嚴格的和聲結構基礎上的。對和聲越敏感，越會發現寫壹首好歌有多難，需要很強的基本功。妳對和聲越敏感，妳越會發現國內音樂缺乏使用和弦的手段，妳能聽出什麽是好歌，什麽是爛歌。真正的好歌無非是在旋律上和爛歌拉開距離，甚至連旋律都沒有爛歌花哨。妳會知道真正有意義的旋律意味著什麽。
我們更上壹層樓，談談如何寫好壹首歌。
對於有寫歌經驗的朋友來說，有必要討論壹下寫歌的樂趣。壹件事，如果妳能做，別人也會做，甚至人人都會做，那妳就沒興趣做。如果只有妳能做到，妳會覺得很不壹樣。寫歌也是如此。如果妳想到了壹個旋律，但觀眾也能想到，那就是很沒有特色，或者說沒有標準，也不難。為什麽說現在的流行音樂有很多垃圾？就是妳聽到開頭就能預測他接下來會唱什麽音，甚至妳能想出這樣的旋律，那這首歌壹定不好聽。現在的歌都是大家熟悉的風格和曲調，聽多了會讓人覺得很無聊，因為太普通了，沒有新鮮感。寫歌的時候要強調作曲的樂趣。我們應該寫壹些能抓住觀眾耳朵的東西，讓他們有不同的感覺。這是妳自己的性格問題。只有妳想出這樣的事，別人才不會這麽想。如果妳的音樂還能讓別人覺得好聽，說明妳的水平真的不錯。這就是寫歌的樂趣，妳應該突出妳的個性。
另壹方面，很多人不說各種作曲技巧，而喜歡強調壹點:“音樂是感性的，不必遵循任何規則”。他們的意思是想拋棄作曲的嚴謹結構，走出自己的個人世界。按照這種理解，任何人都可以演奏音樂，不考慮束縛作曲的結構體系。還能自得其樂嗎？我今天給妳壹把吉他，妳明天出專輯，也不是不可能。但是有多少人會承認妳的音樂呢？說白了，我亂寫，妳亂寫，大家互相否定。這有意思嗎？所以我個人非常反感這種反傳統的做法，我其實是想逃避音樂的規則。
所以從寫歌樂趣的角度來說，我希望所有寫歌的朋友都能在理性的約束下寫出個人的旋律，這才是樂趣。
最後討論壹個維持寫歌水平的問題。
大家可能都註意到了，國內的創作型歌手都很短命，不是因為壹首歌出名，就是因為壹張專輯出彩，很少有歌手能保持創作水平。比如鄭鈞，唐朝等等。大部分人有兩種觀點:1是因為自己第壹張專輯發行時生活艱辛，體會深刻。成名後，生活水平的提高引起了創作理念的變化，很多物質因素影響了他們，所以以後還是平庸。2因為第壹張專輯是他們多年靈感的積累。成名之後，靈感幾乎會枯竭。沒有靈感，就不會有好歌。這種“物質生活論”和“靈感論”並非完全沒有道理，但我認為絕對不是主要原因。許多外國樂隊在20世紀70年代成名。到現在還是有好專輯和好單曲不斷湧現。他們的作文不受物質生活和靈感枯竭的影響嗎？
有人問李敖:“寫作需要靈感嗎？”他問:“妓女需要性欲嗎？”這其實已經說明了問題。創作不能靠靈感維持，要靠基本功和積累。單純靠靈感寫歌是很累的。妳不僅要靠靈感想出壹個美好的開頭，還要靠靈感想出壹個美好的過渡，然後妳還要靠靈感寫出壹個美好的高潮。其他的歌都是這樣的。還能這樣繼續下去嗎？真正的歌曲創作是借助壹個動機發展起來的，這個動機就是靈感，其余的都是靠作曲家的技巧和對音樂創作的理解發展起來的。那些強調靈感而忽視構圖技巧的人，遲早會走進資源枯竭的死胡同。國內創作型歌手的藝術壽命短，是基本功和積累不夠造成的。對於那些外國大師來說，他們隨便欽點的東西，會讓我們覺得深不可測。為什麽？基礎不壹樣！對於他們來說，靈感沒什麽特別的，只要找到寫作方向，就能發揮出來，壹切都是按照他們的作文風格來做，就這麽簡單。
所以，如果妳想保持自己的寫歌水平，或者想更進壹步，很簡單。妳要夯實基礎，多積累。學習，學習再學習，才是解決這個問題的最終方法。把自己關在錄音棚裏找靈感的方法是無效的。
暫時寫到這裏，歡迎朋友們批評指正
續1:
關於寫歌，我真的可以告訴妳壹些我自己的體會(而且我也在這裏貼過，但是反響不太熱烈，不知道是深刻還是錯誤)。我可以問妳這個問題:如果今天告訴妳壹系列的寫歌技巧，明天妳能寫出壹首歌嗎？之所以發上面的帖子，是想告訴大家，寫歌是積累。就算我把我知道的都告訴妳，妳也不可能變成我這樣。這是典型的說起來容易做起來難。如果真的想學習作曲，可以找壹些和聲理論、配器知識的書籍慢慢學習，然後要不斷練習聽，提高耳朵對各種音程、和聲、節奏的敏感度。但是又有多少人會踏踏實實的去做呢？他們都希望從我這裏得到壹些攻堅的小竅門，讓自己壹步登天。我已經說得很清楚了。如果妳還在問我怎麽寫音樂，請先放下寫音樂的想法，了解壹下音樂的基本概念。總有壹天，妳會自然醒來。原來作曲就是這麽簡單。我現在能做的就是給妳指路，而不是拖妳走。
在我的經歷中，好像從來沒有問過別人怎麽作曲，甚至彈吉他，也沒有當過老師。但是如果妳能讓妳的思想領先於妳的技術，妳自己就能看清下壹步，不需要特別的指導。相信我，世界上所有的好東西都是建立在踏實的作風和基本功上的。加強基本素質的訓練，會讓妳自學成才。
續2:
可能這裏有很多人鄙視學院派的專業老師和學院派的東西。但是壹旦妳了解了學院派，妳就會發現妳曾經是多麽的自大。畢竟作曲的理論和訓練經歷了很多世紀，很多音樂天才的發展和學習，產生了那麽多經典的，不可思議的作品。如果要否定它的作用，也輪不到我們這些半瓶水的年輕人。
這套學院派的東西之所以不被大家看好，是因為國內學院派作曲家出的好東西不多，實踐能力不行，不屑寫通俗的東西。有點像學武術，癡迷了，但是他們變得不可理喻了。但是當我們去國外看看，情況根本不是這樣。很多好的東西在國內被誤解，比如搖滾，在國外是正常的主流，在國內是另類和社會流氓的象征。學院派也是如此。
另外上面有人提到作曲不要墨守成規，要有創新等等。我覺得這裏有壹個意識和無意識的問題。如果妳有意識地打破這個套路，我覺得是可以理解的，因為妳知道原本的規則應該是什麽，是為了表達妳的需求而特意設置的。事實上，這裏已經形成了壹個妳自己的新規則。但如果妳不自覺地打破常規，我覺得只能歸為錯誤，就像唱卡拉ok沒有感覺壹樣，不能美其名曰標新立異，也不能美其名曰創新。廣義來說，玩另類的人，首先要搞清楚什麽是主流，先了解和掌握主流的各種規則，再去創造另類；玩朋克的朋友也要先練練技術再玩粗的，會感覺很不壹樣，得心應手，很有音樂感。
總之，我強調的是先了解掌握它，再去打破它，顛覆它。而不是什麽都不懂或者拿著半瓶水就開始說破與顛覆，那樣會制造混亂而不是音樂。
續3:
其實那兩三首歌能寫出來，是因為妳的積累，凝聚了妳的學習成果。在有壹定學習成果的基礎上，靈感會光顧妳。就好像妳現在爬上了壹個山坡，這個山坡上的任何資源都可以被妳利用，但是壹個山坡上的東西畢竟是有限的，過壹段時間就會耗盡。然後妳要爬更高的山，然後妳就可以利用比這座山低的各種資源。當妳達到大師級別時，真的有壹種“妳會死的，其他的山在天空下都顯得矮小”的感覺。妳可以利用世界上所有的資源。妳什麽時候用完？可能到妳老死的那壹天都用不完。
我們為音樂而活就是向上爬的過程，而不是坐在斜坡上等著山上的蘋果掉下來。
在我的創作中，我特別強調理論基礎。為什麽？因為中國人缺少這個。中國人可能很聰明，有靈感，有潛力成為偉大的音樂家。但是我們薄弱的音樂基礎迫使我們在起點上輸給了外國人。中國是壹個不擅長理論，強調感性的民族。不要跟我說感性是音樂的基礎，感動人才是最重要的，因為我覺得妳不明白音樂是怎麽來的，妳覺得感人的音樂是怎麽創作出來的，創作者站在什麽基礎上才有這樣感人的作品。理論有妳想的那麽死板，那麽限制靈感和自由嗎？妳有多少理論基礎，有沒有享受過基礎理論技能的好處？這些都是中國音樂創作者需要思考的問題。妳在學習嗎？妳有進步嗎？以下是我關於理性和感性哪個更重要的帖子:
1
感知是創造的源泉，理性技能是服務和輔助！這句話很美，但不實用。
我的感覺是，天賦和理論兩者不可偏廢。在創作中，靈感先於理論，但並不意味著靈感比理論更重要。比如選擇女朋友，長相是門檻，但不是最重要的。性格可能是妳最終選擇的最重要因素(當然，如果長相符合妳的標準)。
創作也是如此。什麽是啟發，什麽是情感，這是壹個門檻。沒有這個門檻，什麽都談不上，但是過了這個門檻，就看大家功力的深淺了。這個技能是音樂欣賞、聆聽、理論的積累。有些人動機很好，感情很好，靈感也很好，但是卻不能像這個靈感壹樣繼續完成剩下的創作，說明他還是壹個業余創作者，跟不上理論沈澱。而壹個真正的藝術家，總能抓住壹個小小的動機，把它發展得非常感人，非常傑出。其實大家對理論都有壹些誤解，喜歡把它變成壹本書。其實只是發揮聽覺藝術，挖掘出最佳音符的利器。而且很多時候，這些音符不是單靠壹個激情就能找到的。所謂的音樂大師並不是高深的理論大師，他們是天賦和深厚功底的完美結合。
過分強調天賦和靈感，很容易讓人排斥理論，覺得不用特別用什麽理論，憑自己的聰明就能寫出好作品。但其實仔細聽完這些作品，發現藝術性還是不夠，走的路比較野(當然有人會說比較自由)，但長此以往，很容易走進死胡同，創作生命不夠長。在中國，能談創作長壽的音樂人少之又少。為什麽？它們都是突發靈感的類型，總有壹天江郎會筋疲力盡。但如果有深厚的音樂沈澱，情況就不壹樣了。壹個小的靈感完全可以展開成壹首完整的曲子，不需要特別的重新靈感來完成剩下的，否則會相當累。
我欣賞國外流行音樂創作百花齊放，既有學院派(比如很多電影插曲)，也有很多野路子(比如搖滾)。然而，即使是野路的創作者，也有著深厚的音樂沈澱，只是風格與學院派不同。但他們都是理論大師，他們的音樂創作思路得到了聽眾的認可，因此名聲大噪，可以在不降低水平的情況下陸續發行專輯。這個現象和國內不壹樣。
總之，感覺國內流行音樂還是理論輕，認真學習的人少，但是很多人都想馬上寫出好歌，成名。喜歡學術界，浮誇。
壹家之言可能有失偏頗，但卻是我個人的感受。
2
音樂中感性和理性孰先孰後的問題，有點像唯心主義和唯物主義之間關於物質和精神孰先孰後的爭論。看來公說公有理，婆說婆有理。其實這是事物不可分割的兩個方面。壹部音樂作品是在壹定的框架內形成的，在這個框架內有自己的思想。沒有框架談思想，沒有思想建框架，都是沒有意義的。強調任何壹方的重要性都是正確的觀點。但是，需要提醒的是，不要輕視任何壹方。如果忽視感性或理性壹方的培養，必將成為創作的瓶頸。按理說我在這兩個方面的發言應該是同樣賣力的，但我沒有這樣做。我特別強調，理論是基於對現在壹些普遍現象的考慮。這些現象需要解釋，大家自然會明白我的用意。
從我的親身經歷出發。我教過吉他，也教過很多學生，大部分課都是初級的。眾所周知，小學學習樂理的重要性和練習演奏的重要性是壹樣的，雙方要同等發力。但如果給學生壹定的練習時間讓他們自己練習，絕大多數的學生壹定會選擇練習彈吉他而不是視唱練耳。以至於最後會彈音的人很多(而且彈的還不錯)，會調弦看譜的人很少。這是為什麽呢？因為懶這個詞。他們的懶惰不是在手上，而是在腦子裏。學習樂理、聽的基本功，顯然更像是壹種腦力勞動。當他們把時間花在練習演奏上的時候，他們其實並不想動腦子(雖然他們可能意識到學習樂理和視唱練耳可以讓他們事半功倍)。所以如果我不特別註意，或者用同樣的方式強調雙方的重要性，結果很可能就像我上面說的那樣。到最後，我不懂音樂只懂演奏。所以每次我把自己的樂理和視唱練耳提升到比練琴更高的層次，都要求他們全神貫註(當然我不會擔心他們不練琴)
其實大家都會發現類似的現象。很多人彈吉他手指飛舞，卻跟不上節拍，感覺不像音樂。所謂腦子跟不上。他們並不缺乏技能練習，甚至對此很感興趣。但是他們討厭樂理，即使知道是錯的，也不願意花大力氣去改變。這就是我所說的精神懶惰。
說到創作音樂，很多人都會誇自己有才華，有感覺，有體驗等等。強調感性是首要的，理性是次要的或輔助的。我看到的是另壹層意思，就是他們想回避缺乏理論依據的現實。其實天賦和情懷就在那裏，烙印在妳身上，人生經歷是日積月累慢慢沈澱下來的，不需要努力學習。反而是音樂內功這種東西。沒有靜下心來學習精神和毅力是最難突破的。所以我不強調這些用腦思考和毅力相關的東西，還能強調什麽？
不要把音樂當成壹個簡單的展示才華的工具(客觀上)，它也是妳學習精神(主觀能動性)的體現。如果妳能寫出真正的藝術作品，這不僅是妳才華的體現，也是妳努力學習音樂的結果。音樂不是投機，而是腳踏實地的學習。
最後大家聽著自己喜歡的音樂，感嘆這樣的音樂真是感性的作品，能打動自己這麽多。但是請不要忘記作者在寫這部作品之前所做的大量理性準備。他們都是經過艱苦的腦力勞動，聽磁帶，帕譜，學習和理解，用自己的親身經歷寫出了這樣感人的作品。有沒有人見過壹個天賦很高但音樂功底很差的人寫出非常感人的作品？不難推斷，音樂創作水平與音樂修養水平成正比。再有才華，再有經驗的人，如果不繼續補充自己的音樂功底，很快就會倒下。
總結我的觀點，感性和理性對音樂都很重要，但我們需要特別強調理性，因為它是真正的音樂人和音樂投機者的分水嶺。
三
從中外音樂的各種比較中強調音樂中的理性；
首先要贊美我們國家的文化，博大精深。但是現在很多文化都不明白自己是怎麽形成的，基於什麽樣的道理，遵循什麽樣的規則。最明顯的例子就是《易經》，它在人類認知世界中的價值早已被眾多中外專家所認可。但是為什麽2000多年前的古人比今天的人更了解這個世界呢？他們有什麽規則讓我們重新計算，讓我們了解古人的思想嗎？不幸的是，沒有。中國的文化重視感性，忽視理論。很多時候，只要是正確的，這些方法是如何推導出來的，似乎不是很重要。
中國的傳統音樂也是如此。很久以前就有專家分析說，民樂不善於總結，沒有形成理論體系，壹定程度上限制了民樂的進壹步發展。不能說民樂化程度不高，但相對於西方音樂嚴謹的結構和邏輯，民樂普遍更具觀賞性和情感性。其實民樂和西樂追求的境界是根本不同的，兩者的統壹壹定是壹個非常艱難的工程。我自問做不到，所以現在只能說說民樂和西樂。
如果是在盛唐時期，中國文化是世界主流，今天我們就來談談感性。但遺憾的是，我們現在聽到和創作的音樂都是基於西方古典音樂的衍生類型。主流是西方音樂，所以我們要認真研究西方音樂的結構，這對我們正在討論的話題是有意義的。
有壹句不成文的話:“巴赫的音樂包含了音樂的所有可能。”巴赫的音樂是西方音樂的基礎，這也是他獲得歐洲音樂之父稱號的原因。我想知道妳是否研究過巴赫的音樂。我學的不多，但我知道巴赫根據小動機，運用各種算法和理論進行移調、變化、反思等等。於是，壹個只持續半分鐘的主題，發展成了壹個持續十幾分鐘甚至半個多小時的完整曲調。這些歌曲不會讓人覺得單調，反而有趣、精致、不可言說，在聽覺上起到了極致的作用，也更好的表達了作者的情感。
西方音樂以巴赫的音樂為基礎，強調理論、結構、織體、和聲等。學習西方音樂，首先要了解的是壹系列的作曲技巧。現代西方流行音樂離不開這個大框架。雖然現代音樂的鼻祖是從黑人布魯斯演變而來的，但西方作曲家在理解了黑人音樂的精髓之後，又加入了傳統的作曲技法(當然也根據需要改變了壹些理論體系)，因為他們骨子裏還是西方音樂。我們現在聽到和知道的現代流行音樂，是西方作曲理念和各個民族表達方式的結合(比如布魯斯)。
例如，據說埃裏克·克萊普頓樂隊擅長演奏布魯斯，但除了那些華麗的獨奏，妳有沒有註意到克拉普頓的作曲套路？他用了多少次變調從前奏發展到高潮，再回到原來的主題？這些復雜的作曲套路，在我們國家的流行音樂中還是比較少見的。中國的流行音樂不用調很多遍。只有壹次才能說作曲家水平很高，而且通常不是在高潮部分，而是在《橋》到原調大小音關系的過渡部分。克拉普頓所有美妙的知覺獨奏都是基於這樣壹個復雜的和聲過程。我們崇拜克拉普頓的琴友，大多只看到那些精彩的獨奏，卻忽略了他理論的基礎和沈澱。
像這樣的例子，在任何其他高水準的西方流行音樂中都可以找到。只要妳的聽力夠好，應該能聽出西方音樂和中國流行音樂的檔次差距。只要註意中西流行音樂中各種細節的對比，也能發現我們國內作曲家的創作思路是多麽的簡單、貧乏、粗糙。
四
讓我們花點時間來談談感性。我對感性的理解主要有兩點:
第壹，我之前說過，只有懂事的人才能寫出好作品，這個作品的主題是什麽並不重要。
大家都知道藝術來源於生活，高於生活，這是很對的。比如我們看精彩的電視劇，大部分都是曲折、浪漫、構思巧妙的。這就是我們所說的戲劇，影視作品或者所有的表演藝術都是關於戲劇的，這樣才稱得上是典型的生活。但在現實生活中，這樣的情節不太可能發生。沒有所謂的巧合，沒有所謂的浪漫愛情，沒有所謂的無辜或壞人。生活只是平淡，偶爾有小波瀾，不太可能像電視裏那麽誇張(不排除少數巧合)。音樂也是如此。它所表達的情感是人類情感的極致。正是因為它展現了最極致的東西，才會觸動聽眾，讓聽眾感受到音樂的震撼。但是音樂作家本身的生活並沒有那麽極端，他們都是普通人。但他們不同於常人，他們善於把握這種極端的感覺，這與他們感性的性格是分不開的。他們比常人更容易體會到情感上的微妙，也是經歷各種事情後的自然結果。這就是通常所說的生活經驗。藝術家需要體驗生活，才能培養他們更細膩的感情，而不是簡單的要求他們在生活中尋找題材或素材進行創作。不要以為只有失戀的人才配寫失戀歌曲。如果他的音樂功底不深，聽起來就不像是真正意義上的好音樂。壹個感情細膩到仿佛身臨其境壹樣能體會失戀痛苦，但沒失戀過的音樂人也能寫出好作品。
如果我的觀點成立，會給創作者很大的創作空間。很多不切實際的主題都可以用來創作。金庸寫武俠是如何體驗生活的？回到古代去了解那些流過的血？顯然不可能。他只能根據自己現有的經驗、情感和認知觀，寫出自己沒有經歷過的東西。大量的藝術作品其實是在作者從未經歷過的情況下誕生的。我不同意把理論書化，也不同意把經驗和感受力限定在壹個範圍內。
第二，什麽樣的人寫什麽樣的歌。
這個道理很簡單。學生唱純情歌，憤青唱極端歌，窮人唱通俗歌，富人唱小資歌。但往往我們身邊會出現角色錯位，讓人看著好笑。
比如很多懂點搖滾和音樂的大學生想組樂隊，他們都唱憤怒的歌。其實她們穿的好，吃的好，也不是沒有女朋友。他們活得這麽好，為什麽還要唱這麽憤怒的歌？原因只有兩個。第壹，我想炫耀，追隨時尚，表明我是壹個先鋒。二是因為他們平時喜歡聽這種音樂，所以也希望做出這種音樂。但是他們忘了自己的思想感情還沒有到憤怒的地步，在這麽舒服的情況下唱這麽痛苦的歌，有點舍不得。
要知道，喜歡歸喜歡，但創作音樂的時候，還是要做好自己，基於自己的經驗和感受力，結合作曲技巧。不要盲目追求某種風格而忽略了自己的“階級地位”。裝深沈或者裝清純都很惡心。
我對國內流行音樂現狀的看法主要是針對學院和政治對音樂的影響:
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其實我壹直覺得國內的流行音樂創作存在誤區，以至於很長壹段時間，除了我們個人的搖滾音樂，更多的是聽歐美甚至日韓的流行歌曲。個人認為原因是國內創作水平過於單壹，相對較低，而我們國家音樂學院對於真正的流行音樂創作的研究其實是壹片空白。看看這些學術詞曲作者，谷建芬，徐沛東等。他們寫的不是現代流行音樂，而是我們所說的流行歌曲，走中年人路線。而真正的年輕人流行音樂創作，基本都是從大號路開始，街頭歌手變身作曲家。僅僅創作了幾首歌，就銷聲匿跡了，讓人覺得江郎已經筋疲力盡了。最明顯的是李春波和鄭鈞，而真正學院派的，有正統音樂的，如汪鋒和竇唯，他們的成就很大，創作壽命也比較長。可惜他們不是專門研究作曲理論的，只是在學習傳統音樂的時候業余時間搞搞搖滾，達不到巔峰。總之，中國是學作曲的，沒有創造流行，創造流行的也不是專業作曲家。雖然用這樣的桿子殺人有失偏頗，但這種現象還是普遍存在的。我們不能不說，我們的民族音樂學校有壹個疏漏，讓我們的聽眾不得不去崇拜外國，甚至哈韓哈裏。
說了這麽多，目的其實還是集中在壹點上，就是希望現在從事流行歌曲創作的朋友們能夠認清我國流行音樂創作水平低下的現實和原因，從提高自身的音樂修養和音樂理論入手，走出壹條正統之路，把我們的流行音樂從民間帶回學院，讓我們的音樂復興起來。
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我的觀點是，中國的政治或文化改革有自上而下的傳統，自下而上很難形成堅實的生長土壤。
沒有當權者的支持，群眾的呼聲再高也是白搭。只要權威發聲，就能產生流行之風。上面人的關註，意味著這個行業會得到特別的發展。下面的人頂多重視壹場騷動，要長期持續下去就更難了。
流行音樂就是這麽壹個東西，下面的人都喜歡，都在做。上面學院的人不屑於搞它(不包括個人，比如三寶)，說明它是大眾化的。