從某種意義上說，法與法是壹致的，因為法體現了事物的規律，法是通過法呈現的。對美的規律和法則的認識和總結始於古希臘，當時主要體現在建築和雕塑上，後來逐漸擴展到繪畫上，形成了造型藝術產生藝術美和形式美的基本規範。在古希臘，藝術的法則有三個特點:(1)被認為是最完美的藝術形式規範，是達到完美藝術的保證；(2)以比例的形式體現，可以用具體的量來表示，如事物各部分之間的比例、黃金分割比例等；(3)靈活多變，可以隨著人的審美和視覺需求的變化而適當調整，但只是有壹個相對的空間。這樣的研究為造型藝術創造自己的藝術美和形式美提供了重要的依據和手段，藝術家可以根據美的這樣的規律和法則創造出符合人的視覺感受的美好形象。也就是說，美的規律和規則是根據自然界和人與人之間的比例關系創造出來的，是自然界藝術的表現，是這些規律和規則的普遍性。在這其中，人們總結出了變化與統壹、對比與和諧、對稱與平衡、比例與尺度、節奏與韻律的規律。
美學價值
即審美對象能夠滿足人的審美需求，從而引起審美感受。審美價值是建立在人與物的實踐關系之上的。憑借美的規律，人的本質力量被對象化，即他的存在和價值在客體中得到確認，從而使他能夠自我享受。但審美價值的概念是在歷史發展過程中逐漸形成的，所以受時代、階級、民族的制約，即不同時代、階級、民族的審美價值有差異，所以對美的理解、想象、期待也有差異。
變革與團結
形式美法則的高級形式，又叫多樣統壹，又叫和諧。從整齊劃壹、對稱均衡到多樣統壹，類似於壹生、二生、三生、三生的壹切。變化的統壹體現了生命與自然對立統壹的規律，整個宇宙是壹個多樣統壹和諧的整體。“變”或“異”體現了事物個體性狀的多樣性，“壹”體現了事物的* * *或整體聯系。多樣性和統壹性是客觀事物本身的特征。事物本身的形狀有大小、方圓、高度、長度、平直度和歪斜度；質有剛、厚、勁、燥、輕；勢具有快速性、運動性、收斂性、波動性、進退性、起伏性的特點。這些對立的因素統壹在具體的事物中，形成和諧。多樣性和統壹性規律的形成，與人類自由創造壹個既不雜亂又不單調的復雜產品時，對各種因素有機結合的要求是壹樣的。多樣性和統壹性讓人感覺豐富而簡單，活潑而有序。這個基本規律包括對稱、平衡、對比、和諧、節奏、比例等因素。因此，“變化統壹”或“多樣統壹”壹般被認為是形式美的基本規律。
比例
造型各部分之間的尺寸關系。部分之間，部分和整體之間，整體的縱向和橫向之間，都有比例，等等。適度的大小和數量的變化是有比例的。大小和數量的適度變化能產生美感，比如“黃金比例”就是典型。
黃金比例
造型藝術中的壹個劃分規則，簡稱黃金分割率。它的除法是:將壹條直線分成兩部分，使壹部分的平方等於另壹部分與整體的乘積，或者壹部分與整體的比值等於另壹部分與這壹部分的比值。用數字表示，即其比值約為1.618: 1或1: 0.618，稱為黃金比例。黃金比例最早是由古希臘人發現的，直到19世紀，它都被歐洲人認為是最美麗和諧的比例。黃金比例在造型藝術中應用廣泛，具有審美價值，特別是在工藝美術和工業設計(如書籍版式)的長寬比例設計中，因此被稱為黃金分割。20世紀中期，法國建築師柯布西耶發現黃金分割比具有級數的性質。他將其與人體尺寸相結合，提出了金標尺。法國還產生了壹個立體派畫家群體，名為黃金分割畫派，註重形式的比例。
對稱和平衡
“對稱”是壹個軸兩側的形式以相等、相等、等距、反向的條件相互對應的壹種方式，是最直觀、最簡單、最典型的對稱。自然界中的許多動植物都有對稱的外形。人體也是對稱的。對稱又分為完全對稱、近似對稱、旋轉對稱等基本形式，從中有輻射對稱，比如花瓣之間的關系。“平衡”是指版式中相等與不相等形式的平衡。平衡和對稱是兩個相互關聯的方面。對稱能產生平衡感，平衡包含對稱因素。然而，有些通過打破平衡和對稱的布局來顯示其形式美。
對比與和諧
在造型的各種因素(線性、體量、空間、肌理、色彩)中，把同壹因素中不同程度的部分組織在壹起，產生對比和比較，稱為對比。只有在同壹個因素的兩個差異之間才能產生對比，比如體積大小的對比，直線平直度的對比。兩個不同的因素之間沒有對比，比如顏色和線形是沒法比的。同壹個因素差異程度大時產生對比，差異程度小時產生協調。對比強調差異，以達到相互襯托、相互作用的目的。
和諧是事物和現象各方面的和諧與協調，是多樣變化中的統壹。和諧是指造型中各組成部分的有機聯系，是優秀作品的重要特征之壹。現實的守法過程本身就是和諧的源泉。古希臘美學家畢達哥拉斯認為“美就是和諧”。和諧是對立的協調和統壹，是它們的差異融合的結果，是構成造型形式美的原則之壹。和諧的概念來源於用審美觀念對生活和藝術的觀察和理解。人類早期的造型活動是以對稱、平衡、節奏為準則的，這些準則都包含著和諧的因素，促進了所創造的對象之間的和諧關系。和諧不是特定的、偶然的特征，而是實現形式美的普遍的、必然的規律，既有直觀的表現，又有潛在的作用。
節奏和韻律
這是指運動過程中的有序連續性。節奏的形成有兩個重要的關系:壹個是時間關系，是指運動中的這種強弱變化有規律地組合重復形成節奏。有規律的重復是形成節奏感的基本條件之壹。另外，適當安排運動中的輕重變化，也能引起節奏感。層次的變化和接連的停頓也是產生節奏感的重要因素。重復、變化、層次、停頓等。，如果運用得當，不僅能產生鮮明的節奏感，還能呈現出鮮明的節奏感。
在藝術中，節奏是通過形狀、色彩、線條、輪廓的反復對比和呼應，以及構圖或形象特征的動態表現來表現的。著名建築師梁思成曾認為，中國的古塔像音樂旋律壹樣有很強的節奏感。造型藝術中的潛在感染力和表現力屬於形式美感中更深層的現象，更強調某種情感、氣勢或魅力的表達。造型藝術中的節奏表現在很多方面，各種構成因素通過有規律的變化，有節奏的增減，相互重復呼應，都能產生節奏。有起伏的節奏，有連續變化的節奏，有漸變的節奏，有分變的節奏。節奏是由各種方式的變化產生的。有意識地運用變化的節奏，加以強調和控制，與整體融為壹體，自然會表現出節奏。理解兩個概念:藝術欣賞和藝術鑒賞。
“欣賞”與“賞識”:
解讀《辭海》中的“欣賞”與“鑒賞”
o欣賞:欣賞；享受吧。鑒賞:人們通過特定的媒介和藝術形式，逐漸進入感受、體驗、鑒賞、鑒別作品的精神活動。
“藝術欣賞”與“藝術鑒賞”；
o藝術欣賞和藝術鑒賞都是人們對藝術作品和藝術現象的情感活動和思維活動。
o區別:活動過程的完成是不同的
藝術作品和藝術現象
感知-想象-情感體驗-理解
藝術欣賞(感性)
藝術鑒賞(理性)“藝術鑒賞”；
o美術欣賞是美術課程中的“欣賞”？論基於“學習領域”的更高層次的拓展和延伸
o在藝術欣賞中，人們總是自覺或不自覺地按照壹定的審美理想、標準和趣味，從作品中獲得藝術形象的具體感受和體驗，發展聯想和想象，並伴隨著壹系列的情感反應，從而對作品作出某種審美評價，獲得某種精神上的滿足，即審美享受。所以藝術鑒賞在具體要求上是高於藝術鑒賞的。
“藝術欣賞”的含義；
o藝術欣賞是運用知覺、經驗和知識去感受、體驗、聯想、分析和判斷藝術作品，獲得審美享受，了解藝術作品和藝術現象的活動。藝術欣賞的兩種方法
如前所述，藝術欣賞是運用知覺、經驗和知識去感受、體驗、聯想、分析和判斷藝術作品，獲得審美享受，了解藝術作品和藝術現象的活動。
著名藝術理論家和評論家、美國喬治大學教授埃德蒙·伯克·費爾德曼(Edmund Burke Feldman)提出了壹種藝術欣賞程序。(1)費德曼的藝術欣賞程序分為四個步驟:敘述、形式分析、解釋和評價。
(2)、比較欣賞法:
o比較欣賞是指在藝術欣賞過程中，對作品的內外部情況進行比較分析、說明和評價，從而達到深入理解作品的目的，並在這壹過程中提高欣賞能力。藝術美
藝術美是藝術家通過藝術的語言要素和語言規則創造出來的獨特的藝術之美。
藝術作品中的藝術美不等於現實中的“美”和“好看”，而是通過具體的藝術現象表現出來的藝術本身的“美”。
藝術作品除了藝術美之外，還具有形式所傳達的美，即形式美，它不僅包含在藝術美中，而且具有自身獨立的審美價值。
“形式”這個詞有兩個意思。第壹，指的是形狀和形態，即個別事物的外觀；第壹，是指借助語言手段和語言規則，對壹個形體或形式的整體藝術形象。藝術形象
藝術形象不僅指藝術作品中個別的、具體的、完整的藝術形象，而且指藝術作品中這種個別的、具體的、完整的藝術形象所形成的全面的、整體的藝術形象。
表單的主要三個方面:
1，藝術的語言元素
2、藝術語言規則
3、藝術語言整體與基本語言的關系
1，藝術的語言元素
藝術作品的藝術語言是什麽？
藝術語言是壹種特殊的語言，主要由造型、明暗、色彩、空間、材料、機制等視覺詞匯構成。藝術作品的藝術語言不同於文學語言。在文學中，每個詞都有自己獨立的含義，如“美”、“美”，藝術語言必須由藝術家有機組合，才能成為藝術語言。比如壹個圓，壹條不規則的曲線，壹條直線，都是沒有意義的，但是如果采用了某種創造規律，那就完全不尋常了。以變化的線條作為藝術詞匯，通過畫家的組合形成獨特的藝術語言。
基本藝術語言符號:
1.形式:從幾何學中抽象出來的基本概念，如點、線、面、體(點、線、面、體的關系)，都是作為藝術詞匯存在於藝術作品中的。它們與藝術作品中的意象相結合，通過這些語言來表現物體的輪廓和結構。比如韓熙載的《夜宴圖》、《袁超圖》中的人物都是用線條塑造的，這也是中國傳統人物畫中工筆的壹個重要特點。在格爾尼卡，大量的點、線、面也被用來傳遞信息。身體的使用主要體現在大量的雕塑和建築作品中。
2.明暗:明暗本來就是自然界的壹種物理現象，物體因光的作用而改變明暗。(其基本內容是:三大方面五大聲調規律)既然達到了？芬奇總結出明暗造型法後，成為繪畫(尤其是西洋畫)表現立體感的壹種主要虛擬語言。最典型的代表作《蒙娜麗莎》:在作品中，作者充分運用明暗語言，傳達出蒙娜麗莎神秘的微笑。3、顏色:
色彩是最有感染力的藝術語言。它可以分為不同的類型:固有色、條件色、表現色和裝飾色。固有色:是物體本身的顏色。在西方繪畫中，19世紀以前的大量繪畫都是以固有色為主色調。條件色:指周圍環境對物體顏色的影響。在很多素描中，我們可以明顯感受到條件色在作品中的應用。比如法國畫家塞尚的《靜物:蘋果和橘子》就明顯有環境色彩對白盤白布的影響。表現性色彩:通過作者對色彩的獨特感受和概括，在作品中大膽運用色彩表達主題。比如19世紀挪威畫家蒙克的《吶喊》中的急迫、焦慮、壓抑的色彩，舞蹈中簡單明快的色彩都很有表現力。裝飾色:主要用於工藝美術和建築作品。比如中國傳統建築中，常用的顏色有黃、紅、桌、綠。比如中國的古建築。此外，在商業藝術中，工業美
4.空間:
空間是壹種具有多維性質的物質存在形式。作為壹種藝術語言，它的特點是視覺。建築、雕塑、環境藝術都是通過空間的安排來體現不同的審美感受。如:中國傳統園林、民居；在西方繪畫中，焦點透視(基本原則:近大遠小)主要用於無形中表達空間感。比如《拾遺》通過透視展現了農場的廣闊。然而在中國畫中，經常使用分散的透視(多視點)來表達作品的內容。如《韓熙載夜宴圖》《清明上河圖》。
5.材料和質地:
材質是指材質本身的質感；紋理，也稱紋理，是壹幅圖像因材質不同，表面的排列、組織、結構不同，而產生的粗糙、光滑、柔軟、堅硬感的表面特征。人對質感的感受壹般是建立在觸覺上的，但由於人對觸覺對象的長期體驗，不去觸摸也會在視覺上感受到不同的質感。我們稱之為視覺自然感。肌理在現代繪畫和設計中越來越受到重視，肌理本身往往成為壹種設計作品。中外藝術家對藝術形象的創造都與所使用的材料有關。比如西方傳統繪畫離不開畫布和油畫顏料的表現力，比如《麥田》，在其中可以清晰地看到油畫材料的特點。中國畫也離不開筆墨和宣紙的表現。雕塑也是如此，比如佛羅裏達的客戶，作者使用了壹種新型塑料(高分子樹脂)和玻璃纖維作為材料。西方藝術簡史，具象藝術的概念
比較現實的，視覺上可識別的藝術作品，具象藝術是壹個比較寬泛的概念。
二、具象藝術的特點:
1，視覺的真實性和客觀性
2、典型的藝術形象
3、情節，又稱敘事
第三，典型的具象藝術形式
古典油畫，中國的工筆畫和寫實雕塑，典型的具象藝術——攝影寫實。
代表畫家:克洛斯(美國)v .具象藝術的極端——超現實主義。
代表畫家:冷軍(中國)
第六，具象藝術的歷史價值和意義
1，錄制的時候，尤其是沒有攝像頭之前。
2，具有社會幹預的作用，比如中國革命，起到宣傳的作用，因為它是大眾能看懂的藝術形式。
3、現代的、具象的藝術不是最前衛的，但它仍然是主流
抽象派
抽象是指壹些藝術家從自然的各種形態逐漸升華到抽象的壹個非具象的概念。
兩種抽象藝術
冷抽象
蒙德裏安(187-1944)，荷蘭抽象畫家，其藝術被稱為“冷抽象藝術”或“幾何抽象”。1913後，他的繪畫以幾何符號畫為主。他把平面上的橫線和豎線組合成壹個直角或長方形，並在裏面排列出紅黃藍灰三原色。這些新雕塑的抽象藝術和理論不僅影響了西方的抽象繪畫和雕塑，也對現代廣告、家具、服裝設計、印刷和建築產生了深遠的影響。
(B)散熱
俄羅斯抽象畫家康定斯基(1866-1944)是“抽象藝術之父”，他的藝術被稱為“抽象藝術”或“抒情抽象”。康定斯基擅長油畫、水彩畫和版畫。早期作品采用印象派手法，1910采用音樂名稱。圖像幾乎是由顏色塊和線條暗示的，比如即興的。後來是純抽象繪畫，再後來轉向幾何抽象。它的繪畫風格充滿了幻想和幽默的趣味。
印象派
早期印象主義
印象主義(Impressionism L9N)在19的六七十年代以創新的姿態來到法國畫壇，其鋒芒是為了反對陳翔殷的古典畫派，因癡迷中世紀騎士文學而陷入人為的浪漫主義。
19世紀受現代科學技術(尤其是光學理論和實踐)的啟發，我們註重繪畫中外界光線的研究和表現。印象派畫家提倡戶外寫生，直接在陽光下描繪物體，從而摒棄了16世紀以來變化不大的棕色調，根據畫家自己的眼睛觀察和直接感受，表現出微妙的色彩變化。
印象派有兩種畫家。壹個以莫奈為代表，壹個以德加為代表。
莫奈
1840出生於巴黎，少年時在面向英吉利海峽的港口城市洛杉磯。在阿爾布爾度過。1874年4月，莫奈、雷諾阿、畢沙羅、西斯萊、德加、塞尚、莫裏索、千代曼等青年畫家在巴黎卡波辛街的攝影家Na-Dar工作室舉辦展覽。他們自稱為“無名畫家、雕塑家和版畫家協會”。展品中，莫奈的油畫；標題是保守派記者路易斯？勒羅伊在文章中將其作為嘲諷，稱這次展覽為“印象派畫家的展覽”，故名“印象主義”。
他是印象派畫家群體的核心人物，直到1926年86歲去世。新印象主義
印象主義之後，法國出現了被稱為“新印象主義”和“後印象主義”的思想和派別。
新印象主義的創始人是修拉和西內克，他們試圖用光學科學的實驗原理來指導藝術實踐。
最初學習建築的Sinek與Seurat密切合作，探索色彩分割的理論和實踐，並創建了點彩系統。後印象主義
被稱為後印象主義的畫家有塞尚、高更、梵高和雷東。這些畫家經常壹起參加展覽，但他們從來沒有形成壹個團體，即使他們像印象派壹樣松散。
“後印象主義”這個術語直到20世紀20年代才被廣泛使用。用來指印象主義之後，在觀念和實踐上不同於印象主義的藝術思潮。
“後印象派”畫家也曾受到印象派的影響，但他們並不滿足於印象派的規則，試圖另辟蹊徑。他們從不同角度探討了藝術表現的本質。
印象派繪畫作為壹種藝術思潮，在人類藝術進入20世紀之前，就在觀念和形式方面進行了有益的嘗試，尤其是後印象派在主觀與客觀、藝術與自然的關系上的觀念轉變，具有劃時代的意義。
美術的概念和類型
藝術是用壹定的材料塑造可見的平面或立體形象，以反映客觀世界，表達對客觀世界的感受的藝術形式。因此，藝術也被稱為‘造型藝術’和‘空間藝術’。
在藝術的分類中，藝術又被稱為造型藝術、視覺藝術和空間藝術，它是指藝術家使用某種材料，如色彩、紙張、畫布、泥土、石頭、木頭、金屬等進行的藝術活動。，創造可見的平面或立體視覺形象，以反映自然和社會生活，表達藝術家的思想和感情。主要包括繪畫、雕塑、工藝、建築等類型。？藝術的社會功能
自然界的壹切本身是沒有美醜界限的，就像顏色本身也沒有美醜界限壹樣。事物和色彩的“美”與“非美”的區別，只有在它們與人的“社會生活”相關聯之後，才顯現出來。因此，“美”與“非美”是人自身生活觀念和價值取向的壹種標準，尤其是作為“社會人”的壹種自覺反映。
在“審美”活動過程中，人們離不開對客體的“意象”聯想，創作者在作品中註入自己的感情，所以藝術作品不再是對客體的簡單模仿和再現，始終承載著作者強烈的審美趣味，這是喚起觀眾的必由之路。
所以黑格爾說“美是人類最早的老師，美的教育具有解放思想的品質”。沒有“審美”的過程，“藝術”的作用就無從談起。因此，藝術的審美功能是其主要功能。
當然，由於藝術與社會生活的廣泛聯系和藝術創作的多樣性，藝術的社會功能不是單壹的審美功能，而是體現在許多方面。壹般來說，藝術主要具有認識功能、教育功能和審美功能。好了，接下來我們就通過欣賞作品來了解藝術的社會功能。
(1)詹建軍《瑯琊山五俠》生動再現了抗日將士英勇奮戰、寧死不屈的革命英雄主義，無疑能激發人們的愛國熱情。公益海報《維持生命的噴泉——糧食》以鮮明醒目的形象突出了“愛惜糧食”的含義，教育和提醒人們培養節儉的品質和作風。通過形象的感染和刺激，激發觀者的意識和情感活動，從而提高其思想、道德和情操。-教育功能。
(2)張擇端《清明上河圖》:藝術的“料”取自現實生活，現實生活中的“料”是散的。藝術家把這些零散的“素材”集中起來，用自己的“構思”去“豐富”它，用自己的“構圖”去提煉它，讓現實生活的某壹段變得更加典型，呈現出畫面和畫面。另壹方面，觀者之所以能在這些典型作品中被“感動”，是因為他能更清晰地理解“生活”的本質。-認知功能。
(3)《蒙娜麗莎》和《虎鳥鼓架》當我們驚嘆於達？芬奇是如何捕捉到蒙娜麗莎的外表和內心的迷人魅力的？當我們懷著美好的願望贊嘆祖先是如何聰明地創造出美麗的鳳凰形象，或者置身於具有深厚文化內涵的建築環境中時，我們會從這些美麗的創造中獲得由衷的審美滿足和巨大的精神力量。-審美功能。當然，“審美功能”還取決於觀看者的心境和情緒。同樣的自然山川，對某些人來說，可以是“無限好的山川”，對另壹些人來說，可以是充滿蕭條的“殘山殘水”。自然作為“審美對象”，其實並沒有本質的變化。之所以對不同的人如此不同，完全與審美主體的心境、情緒和不同的生活體驗有關。但無論他們的感受如何不同，作為藝術的壹種審美功能，它的功能可以使審美主體在壹種或美好、或舒適、或悲壯、或蒼涼、或蒼勁、或冰冷的“意義”中獲得壹種“審美”體驗，從而獲得某種精神上的解脫。
這三個方面是相互聯系的，因為藝術的認知功能和教育功能主要是通過情感的引導和美的感染來實現的，培養美感和陶冶情操在理解和教育中也起著重要的作用。其實具體作品中哪種功能體現得更清晰，各有側重。總的來說，藝術的社會功能在於它能幫助人們認識世界，普及教育，開拓文明，陶冶情操，全面提高人的精神素質，在社會主義精神文明和物質文明建設中起著不可或缺的作用。